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De la editorial alemana Prestel nos llega una de sus últimas publicaciones titulada Islamic
Art
del autor Luca Mozzati.
Arte
islámico es en resumen: arquitectura, pintura, caligrafía, cerámica,
vidrio, alfombras. Un potente menu en un libro magnifico.
Por arte islámico se conoce el estilo artístico desarrollado en la cultura generada por la religión islámica.
El
arte islámico tiene una cierta unidad estilística, debido al
desplazamiento de los artistas, comerciantes, mecenas y obreros.
El
empleo de una escritura común en todo el mundo islámico y el desarrollo
de la caligrafía refuerzan esta idea de unidad.
Fuente: Wikipedia.
Islamic
Art se enfoca sobre todo en la geometría y la decoración, que podía ser de tres tipos:
Sobre 300 páginas de gran formato buscan resumir un arte que no tiene semejantes. Una cultura y sus manifestaciones artísticas que son sublimes.
- Caligrafía cúfica: mediante versículos del Corán.
- Lacería: mediante líneas entrelazadas formando estrellas o polígonos.
- Ataurique: mediante dibujos vegetales.
Sobre 300 páginas de gran formato buscan resumir un arte que no tiene semejantes. Una cultura y sus manifestaciones artísticas que son sublimes.
En inglés este libro nos presenta en 3 grandes capítulos los Principios Básicos y la Historia del Arte Islámico.
Desde
sus interpretaciones, la Caligrafía (que en lo personal me apasiona de
esta cultura) como por la parte histórica las influencias del imperio
ottomano, los seljuqs, los abbasids o los Ilkhanids. Tods aquellos
culturas que fueron dejando su huella hasta generar esta nube que
llamamos arte islámico.
Genial
me parece en pág 313 el resumen de las principales dinastías y figuras
del mundo islámico como Almoravids, Muhammad, Merinids, Aqjars,
Timurids o SAmanids...todas aquellas dinastías que reinaron en tiempos
anteriores....
Volviendo
al libro es soñado la gran cantidad de material gráfico sobre todo de
la arquitectura, en especial sus fachadas. Para mi vale la pena
solamente viajar a esos lados con el fin de ver estas fachas in situ.
He
visto algunas en España y Africa y es alucinante. Mezquitas y madrazas
son verdaderos templos pero a la vez son museos. Sumamente hermosos y
llenos de significados.
Interesante
que prácticamente no hay arte de la escultura en el Arte Islámico.
Pintura tampoco es muy relevante. Claro está que se enfocaron en sus
edificaciones.
Desde el siglo VII hasta el presente esta cultura ha inspirado y ciertamente que con este tremendo documento titulado Islamic
Art lo sigue haciendo para otras sociedades.
Más
de 400 ilustraciones de impresionantes tesoros de arte islámico que
fueron retratados desde Europa, Africa, India, Asia Central hasta
obviamente el Medio Oriente.
Interesantes textos que acompañan cada imagen Islamic
Art te entrega una descripción al detalle sumamente interesante y concisa.
Una gran tradición, gratamente plasmada y documentada.
Recomendable!
Islamic
Art lo puedes encontrar directamente acá.
De la editorial alemana Prestel nos llega una de sus últimas publicaciones titulada Hokusai:
Thirty-six Views of Mount Fuji de la autora Amélie Balcou.
Quizás
muchos de ustedes estimados lectores conocen a Hokusai por el grabado
de la ola. Para los que no....Katsushika Hokusai, conocido simplemente
como Hokusai fue un pintor y grabador japonés.
Es uno de los principales
artistas de la escuela conocida como «pinturas del mundo flotante».
Hokusai:
Thirty-six Views of Mount Fuji es un documento sumamente hermoso que
resume 36 vistas del monte Fuji en Japón ilustradas y grabadas por el
artista: técnica de xilografía.
Entiendo que este libro además es una selección de la obra más destacada del artista en donde prevalece obviamente su gran "ola de Kanagawa". Todo un clásico que hasta en algun punto hace años ocupe como inspiración para pintar un mural junto a Stik en Santiago.
Son
placas originales que fueron reproducidas para imrpesión.
Claramente de colección!
Hokusai:
Thirty-six Views of Mount Fuji incluye, y esto me gustó
mucho, un folleto separado con todas las explicaciones sobre las
xilografías representadas. Quiere decir, las ficha técnica y si
signficado. Perfecto!
De la editorial alemana Prestel nos llega una de sus últimas publicaciones titulada Goethe.
Verwandlung in der Welt.
Un artista
extremadamente versátil.
Un libro que realiza intensamente preguntas
sobre la realidad enfocados a la capacidad de observcación de Goethe.
Johann
Wolfgang von Goethe fue un
poeta, novelista, dramaturgo y científico alemán, contribuyente fundamental del
Romanticismo, movimiento al que influyó profundamente.
Su obra, que
abarca géneros como la novela, la poesía lírica, el drama e incluso
controvertidos tratados científicos, dejó una profunda huella en importantes
escritores, compositores, pensadores y artistas posteriores, siendo
incalculable en la filosofía alemana posterior y constante fuente de
inspiración para todo tipo de obras.
Fuente: Wikipedia.
Siglo de grandes cambios
donde la ciencia y la economía se retroalimentarían, esta última
sufriendo dos fuertes revoluciones industriales y burguesas y la
filosofía da la bienvenida a e.o. el idealismo absoluto, el
materialismo, el nihilismo y el nacionalismo.
Tanto
el libro como su exposición abarcan tanto su trabajo pero creo que
principalmente la conexión de este en el contexto de la época.
Sus
cambios en la vida de Goethe que llevaron a sus obras más importantes.
Lo interesante en este punto es que Goethe.
Verwandlung in der Welt nos invita a relacionar ese enfoque con los
tiempos actuales en donde eventos culturales, sociales son de gran
importancia en el tiempo.
Goethe.
Verwandlung in der Weltt es una exploración hacia el interior de
nosotros mismos. Es lo que en definitiva Goethe también lograba con su
obra.
Un mirar el entorno para entenderse y el lugar que donde estamos
viviendo.
Revolucionario y clasico de un observador crítico!
Goethe. Verwandlung in der Welt lo puedes encontrar directamente acá.
Desde la editorial alemana Hatje Cantz nos llega una de sus últimas publicaciones titulada
Alte Meister: 1300 a 1800 en el Museo Städel de Frankfurt, Alemania.
Un libro catálogo basado en esta hermosa Exposición sobre los Maestros clásicos del período entre 1300 y 1800.
Alte Meister es un libro que considero como historia viva. Se divide en 13 capítulos que van contando de manera cronológica el material presente en este hermoso Museo. Una retrospectiva que en los archivos del Museo llega hasta más de 200 años de pintura.
Alte
Meister nos lleva en un viaje por el desarrollo de las principales escuelas pictóricas en Europa desarrolladas entre estos siglos mencionados.
Foto crédito: Städel Museum - https://sammlung.staedelmuseum.de/de/werk/der-raucher-im-bauernwirtshaus
El listado de artistas y pintores es amplio y obviamente la creme de la creme como lo dice el titulo. Hans Memling, Raffael, David Teniers, Meindert Hobbema, Jan Brueghel o Jan Davodsz son solamente algunos.
Otros como Bronzino, Albrecht Dürer, Johannes Vermeers o Pompeo Girolamo Batoni complementan la figura.
500 años de historia de la pintura antigua en un libro fenomenal.
200 cuadros representados de la mejor calidad y comentados de manera práctica dejan satisfecho a todo especialista como laico en la masteria.
Una colección de Arte envidiable que el Museo rescata y que se complementa en Alte Meister con los ensayos de Philipp Demandt, Jochen Sander, Gabriel Dette, Katrin Dyballa, Bastian Eclercy, Almut Pollmer-Schmidt, Jochen Sander y Fabian WolfEdición renovada, actualizada y complementada.
Un tremendo documento.
Alte Meister lo puedes encontrar directamente acá.
De la editorial alemana Prestel nos llega una de sus últimas publicaciones titulada Sag's
durch die Blume! de los autores Rolf H. Johannsen, Stella Rollig
Tremendo
documento sobre la pintura de Viena acerca de la flora en épocas donde
fue una de las principales expresiones de arte en la capital austríaca.
Dividido entre ensayos y tablas con las pinturas este libro realmente soprende.
Hablamos
de ensayos de grandes del arte como Marianne y Gerbet Frodl, Rainald
Franz, Fran Smola, Stephan Koja o Andrea Polaschegg (claro, en Austria
conocidos). Por supuesto que representados acá no podía faltar Gustav
Klimt o Egon Schiele, dos de los máximos exponentes y figuras claves del
Arte no solamente en Austria.
Sag's
durch die Blume! son más de 200 páginas en un libro de tapa dura en una Investigación imponente, además de ser precioso en su calidad.
Las flores y su retrato a inspirado a
generaciones de artistas. Esa vida natural (naturaleza muerta) en
Austria ha vivido un desarrollo como en ningún otro lado del planeta. En
cuanto a calidad, a significado y diversidad.
Sag's
durch die Blume! como buen libro de Investigación relata el
desarrollo de este arte y la manera que se iba distanciando de los
cánones establecidos en las Escuelas de Arte respecto a como y que
pintar.
Un viaje hacia el mundo de las flores.
Muy recomendable! y además en marco de la Exposición "Sag's durch die Blume!" en la Galeria Belvedere de Viena, Austria.
De la editorial suiza Scheidegger & Spiess nos llega una de sus últimas publicaciones titulada
Me encantó el libro desde el título. En búsqueda del estilo. Auf der Suche nach dem Sti es un documento que habla de la época en el arte donde el "estilo" fue la palabra clave.
Incluye hermosas ilustraciones!
Auf der Suche nach dem Stil se refiere a la época a partir de 1850 hasta principios del siglo XX. Comenzando con la gran exhibición en Londres 1851 a la cual seguirán las de Paris y otras ciudades. Esas exhibiciones que mostraban los avances industriales/técnicos de las naciones. Hoy en día son las denominadas Ferias, solo que antiguamente eran mucho más opulentas.
50 años que generaron un cambio mundial. Todo crecía y evolucionaba mucho más rápido que en épocas anteriores.
Fue la época posterior a la Industrialización que duró entre la segunda mitad del siglo XVIII y principios del XIX.
El libro Auf
der Suche nach dem Stil invita a enfocarse no en el desarrollo industrial de la época, relacionado al crecimiento de la población, de las ciudades, etc.
Era la época además de la creación de las primeras escuelas de arte, de la colecciones de arte, etc. Una época genial, quizá la época del nacimiento del diseño como tal.
Auf
der Suche nach dem Stil se enfoca en las corrientes artísticas de la época.
Desde la editorial alemana Hatje Cantz nos llega una de sus últimas publicaciones titulada Este hermoso libro basado en la Exposición del mismo nombre que actualmente se está desarrollando en el Museo de Langmatt en Baden (Die Augen der Bilder - Porträts von Fragonard bis Dumas) es sorprendente.
Lo que abarca Die Augen der Bilder es la escenificación del Yo en el arte. Algo así como los Selfies de hoy en día, siempre han sido un tema desde el inicio de los días.
Justamente la imágen propia, la necesidad o vanidad de verse retratado es donde Die Augen der Bilder pone sus ojos literalmente.
Un libro que es el catálogo de una exposición sobre los grandes maestros como Edgard Degas o Jean Honoré Fragonard.
Retratos de artistas, idealizados también, que no necesariamente muestrasn rasgos alegres sino mas bien la realidad como la soledad y la desesperación.
Muy interesante y de gran calidad el libro utiliza las diferentes épocas artísticas para contraponer el arte antigua con el contemporáneo y analizar de esta forma el desarrollo pictórico de la idealización del yo.
Die Augen der Bilder y la Exposición van del 17.9.-10.12.2017 en Museum Langmatt, Baden
Die Augen der Bilder lo puedes encontrar directamente acá.
Desde la editorial alemana DOM publishers nos llega una de sus últimas publicaciones titulada Decommunized: ukrainian soviet mosaics.
Hermoso documento que nos presenta DOM. Es además el primer estudio realizado y documentado en un medio impreso sobre el tremendo legado (literalmente hablando) de la época de los Soviets. De la U.S.S.R.
El fotógrafo Yevgen Nikiforov ha documentado en más de 250 páginas a todo color y en un período de 3 años los vestigios soviéticos de su monumental arte mosaico.
Es justamente en Ucrania donde el autor viajó para identificar y registrar su trabajo.
Más de 1.000 mosaicos han sobrevivido, de muchisimos ya destruidos, que fueron registrados y son presentados en Decommunized: ukrainian soviet mosaics.
Cabe destacar que la época de 1950 hasta entrada la década de los 80, fue el epílogo de un arte que sorprende.
Personalmente viajé a Rusia en este caso para ver este tipo de mosaicos y son hermososo. Monumentales, es todo en base a proporciones gigantescas, en lugares públicos.
En el contexto del modernismo soviético el mosaico ha tenido un rol importante. Ideales como la justicia social, el desarrollo, el deporte, la educación, la ciencia fueron plasmados en distintos mosaicos a lo largo de Ucrania. Siempre con un dejo de superioridad, de triunfalismo utópico.
Lo interesante de Decommunized: ukrainian soviet mosaics es que además muchas obras fotografiadas ya no existen dado que fueron demolidos los edificios o las paredes.
Símbolos de una época pasada hoy en día forman parte del "decomunismo" que se ha implementado en Europa del Este que prohiben símbolos del comunismo.
Hoy en día más vigente que nunca!
Decommunized: ukrainian soviet mosaics lo puedes encontrar directamente acá.
Desde la editorial alemana Snoeck nos llega una de sus publicaciones titulada Schlachtenpanorama de Patricia Bucher
Este si que es un libro diferente. No se si llamarle libro por que al momento de abrirlo se extiende en 60 páginas para ser un gran Leporello de 12 metros de largo!
Sorprendentes estimados lectores en KELP.cl
Schlachtenpanorama se ha demorado 3 años en ser realidad.
La autora Patricia Bucher ha generado una exposición con una impresionante impresión de 360° en donde el expectador puede trasladarse hacia una batalla campal tremenda.
Es justamente esta imágen impresa de 10 metros de diámetro, 30 de largo y 60cm de ancho que el libro Schlachtenpanorama resume en 12 metros.
Una idea como no la había visto antes....
Además el libro incluye un pequeño libro de 48 páginas que es una conversación sobre la batalla retradada.
Muy interesante.
Lo más sorprendente aún es que son aprox. 3000 imagenes, desde dibujos, pinturas, reportajes, etc. que la artista ha reunido para generar esta batallla.
Hasta tenemos juegos de computación incluidos. Veo por ahí algunos Troopers de Star Wars por ejemplo!
Muy recomendable!
Schlachtenpanorama lo puedes encontrar directamente acá.
Desde la editorial chilena Origo Ediciones a través de la distribuidora EOS Libros nos llega una de sus últimas publicaciones titulada Patrimonio Artístico en Chile de la autora Isabel Cruz.
Patrimonio Artístico en Chile comprende desde la Independencia a la República (1790-1840) el período de búsqueda de nuestra propia identidad. Cómo dice el prólogo del libro "este libro rescata un conjunto de artes patrimoniales que representaron las nuevas ideas libertarias en la construcción de la autonomía de Chile."
Patrimonio Artístico en Chile es una investigación de más de 500 páginas que s eenfoca en obras arquitectónicas, objetos y sobre todo representaciones visuales de la época.
Desde el dibujo, la pintura, la gráfica, pasando por la escultura, la arquitectura ya nombrada, los emblemas y numismática hasta llegando a las artes útiles como el mobiliario, los textiles o la cerámica, la autora que además es Doctora en Histora del Arte, nos entrega un realmente hermoso documento que el próximo año estará en el centro de la atención.
Con motivo del Bicentenario de la Independencia de Chile el 2018,
Patrimonio Artístico en Chile recupera a través de su análisis y representación a una infinidad de objetos artísticos desde los archivos del Museo Histórico Nacional.
Los recupera para presentarlos como un testimono fiel de esos años de construcción. Del acontecer del proceso de Independencia y la formación de la República.
Sumamente interesante el libro se divide en 2 partes. Investigación y registro visual.
Escrito con sumo detalles Patrimonio Artístico en Chile es un libro que se recomienda leer por partes. Hay muchisimas informaciones y detalles sobre obras que vale la pena darles su tiempo de dedicación y maduración.
El registro visual es alucinante. Muy buena calidad de imágenes (considerando su antiguedad) se agradece para ver la inmensa variedad de obras y de alguna forma entrever como se fue gestando...y lo que pensabamos en ese entonces para darle la bienvenida al Chile actual.
Patrimonio Artístico en Chile lo puedes encontrar directamente acá.
De la editorial inglesa Laurence King Publishing nos llega una de sus últimas publicaciones titulada Renaissance Art in Venice del autor Tom Nichols.
Renacimiento es el nombre dado a un amplio movimiento cultural que se produjo en Europa Occidental durante los siglos XV y XVI.
Fue un período de transición entre la Edad Media y los inicios de la Edad Moderna.
El Renacimiento fue fruto de la difusión de las ideas del humanismo, que determinaron una nueva concepción del hombre y del mundo.
Desde una perspectiva de la evolución artística general de Europa, el Renacimiento significó una «ruptura» con la unidad estilística que hasta ese momento había sido «supranacional».
Renaissance Art in Venice nos lleva entender al Renacimiento como un período de arte y arquitectura que en Venecia, Italia llegó a su apogeo.
El libro analiza pinturas y la arqutiectura veneziana, como sus esculturas. Con artistas tan importantes para Venecia como Gentile y Giovanni Bellini, Giorgione, Palladio o Titian, Renaissance Art in Venice es un ensayo bien cototudo.
Está escrito de forma intensa, que recomiendo leer por partes por que hay mucha información. Ahora bien se acompaña de imágenes cuando se analiza tal edificio, o pintura. Esto hace que la lectura se pueda entender en la práctica.
Desde un punto de vista cronológico Renaissance Art in Venice nos lleva desde la Innovación como Tradición (1440 a 1475) a la imagen de Venecia perfecta, su romanismo, su rivalidad con las otras ciudades y finalmente una Retrospectiva.
Venecia en sí es una ciudad apasionante y que justamente por el Renacimiento lo es. Entender y ver esto es trabajo de Renaissance Art in Venice.
Ellos presentan lo que ves en Venecia y que lo hace ser una de las ciudades más icónicas a nivel mundial.
Renaissance Art in Venice lo puedes encontrar directamente acá.
De la editorial suiza Scheidegger & Spiess nos llega una de sus últimas publicaciones titulada Giovanni Segantini.
De la Fundación Giovanni Segantini este libro es una monografía a uno de los artistas más destacados de su época.
Giovanni Segantini fue un pintor italiano del siglo XIX. Destacado por sobre todo por su pintura de los Alpes y las montañas se le consideró un innovador.
Además se le considera un precursos para toda la época de arte Moderno que ya estaba comenzando.
Viviendo en Milan y desués en la aldea de Savognin (Suiza) el artista de dedicaba plenamente a la pintura con una temática de paisajes alpinos y escenas religiosas.
Su arte se hizo complejo en poco tiempo, al saber conjugar la riqueza cromática y los efectos lumínicos del postimpresionismo con un dibujo de líneas academicistas.
Disfrutó del éxito y el reconocimiento hacia el final de su vida, con exposiciones en importantes centros de arte y homenajes públicos en su país de adopción, Suiza.
Giovanni Segantini es un libro hermoso que nos presenta 60 de sus obras más destacadas. En ellas predomina la visión de la naturaleza serena y acogedora para el hombre.
Lo interesante de la obra de Segantini es que generalmente en estas obras tranquilas no faltan casi nunca ciertos elementos perturbadores, como la presencia del tema de la muerte o las penurias del trabajo.
Hermosa monografía!
Giovanni Segantini lo puedes conseguir directamente acá.
De la editorial alemana Prestel nos llega una de sus últimas publicaciones titulada Nordische Malerei - Im Licht der Moderne.
Un libro dedicado a la pintura nórdica caracterizada por sus panoramas sutiles, paisajes idílicos, interiores con una iluminación saturada de luz y retratos muy bien ambientados.
Ahora Nordische Malerei - Im Licht der Moderne es mucho más que eso.
El libro nos presenta las principales corrientes artísticas, los artistas y sus obras.
Principalmente del siglo XIX al siglo XX en Dinamarca, Suecia, Noruega, Finlandia, Islandia y Groenlandia. La región completa es enfocada y analizada respecto a su pintura.
Las autoras Katharina Alsen y Annika Landmann han realizado todo un estudio de artistas que presentan en Nordische Malerei - Im Licht der Moderne tales como Edvard Munch, Vilhelm Hammershøi y Sigrid Hjertén.
Un trabajo realizado con gran intensividad.
A mi parecer Nordische Malerei - Im Licht der Moderne logra darle un nuevo enfoque, mucho más analítico al arte nórdico. A la pintura nórdica en todas sus facetas.
La calida de impresión vá de acuerdo a la calidad de los trabajos presentados. De Munch por ejemplo tenemos los más clásicos presentes.
Alta calidad para un arte que deslumbra. En Chile lo desconocemos debido a que nuestra luz y materialidad es muy diferente a la de los países escandinavos por lo que nuestras pinturas son diferentes.
Interesante quizá hacer comparaciones de las pinturas realizadas por los grandes paisajistas que visitaron y vivieron en Chile durante ésa época (quizá un poco despúes) como por ejemplo los hermanos Lobos.
Los paisajes precordilleranos frente a los paisajes de Noruega pintados vistos desde la perspectiva de la luz es sumamente interesante.
Nordische Malerei - Im Licht der Moderne lo puedes encontrar directamente acá.
Desde la editorial chilena Origo Ediciones a través de la distribuidora EOS Libros presentamos un nuevo tomo de la Serie:
En esta ocasión se trata del artista: Raimundo Monvoisin
Raymond Monvoisin, fue un pintor francés, que realizó parte importante de su obra en América del Sur.
Reconocido como el retratista neoclásico de la elite romántica, esto lo llevó a ser un viajero frecuente por el continente. De la talla de un Charton o Rugendas. Los llamados pintores viajeros.
Raimundo Monvoisin es un libro sobre un apasionado del romanticismo y el espíritu aventurero que llegó a Chile en 1843 para fundas la Primera Academia de Pintura.. Lamentablemente la idea no fue concretada...
Una historia particular la de Raimundo Monvoisin. Llegó a Chile y le fue muy bien durante la década que se quedó en al país.
Viviendo de forma bastante acomodada y reconocido por la élite local, con lo cual siempre soñaba, al volver a París no se le reconoció de la misma forma llegando a extrañar los lejanos territorios americanos.
Monvoisin se dedicó a pintar fundamentalmente al óleo pasando por estilos como el neoclasicismo, el naturalismo y el racionalismo.
Los temas que exploró son la alegoría, algunas escenas costumbristas italianas, y el retrato, género que constituye la mayor parte de su producción en Chile.
Raimundo Monvoisin, estimados lectores de KELP.cl es además considerado un precursor de las bellas artes en Chile y uno de los primeros en pintar murales. Las paredes de yeso de las piezas de su hacienda de Los Molles, cerca de Quilpué, las decoró con murales al óleo que eran alegorías tituladas La Escultura, La Literatura, La Música y La Pureza.
Pintó además frescos!
Genial y muy productivo durante su breve estadía en Chile.
Raimundo Monvoisin lo puedes encontrar directamente acá.
Desde la editorial chilena Origo Ediciones a través de la distribuidora EOS Libros presentamos un nuevo tomo de la Serie:
En esta ocasión se trata del artista: Alberto Orrego Luco.
Alberto Orrego Luco fue un pintor paisajista y diplomático chileno (cónsul de Chile en Venecia, Sevilla, Génova y Roma).
Alberto Orrego Luco es además un miembro de una destacada familia muy relacionada a la pintura y las artes. Su cuñado por ejemplo fue el pintor Pedro Lira.
Alberto Orrego Luco es reconocido por el paisaje y las marinas buscando la reflexión y logrando a mi parecer una tranquilidad, serenida pero sobre todo equilibrio con sus pinturas.
Realista por un lado como además idealista por el otro. Más de alguno lo define como impresionista. De todas maneras el trabajo de Alberto Orrego Luco es realmente hermoso con una gama de colores que invitan al relajo y la contemplación.
Pero son a mi parecer también los detalles de sus obras que lo destacan. La gran vista del canal de Venecia por ejemplo (pag 36-37) es alucinante. Óleo sobre tela.
O la cascada del río Bueno que está en Concepción en la Pinacoteca de la Universidad.
Alberto Orrego Luco en su libro describe tanto al artista y su época como además sus viajes por Andalucía, Venecia, Chile, Génova en Italia. Un viajero!
Su trayectoria como artista tiene una profunda influencia en el paisajismo chileno a pesar de que la mayor parte de su vida la desarrollo en Europa.
Alberto Orrego Luco incursionó a lo largo de su vida en el romanticismo, el realismo, el naturalismo y el impresionismo, aunque la mayor parte su obra se ve marcada por la escuela veneciana.
"...Sin exagerar, se le puede considerar entre los máximos pintores chilenos del siglo XIX, a pesar de que casi toda su obra se refiere a Europa y sus costumbres..."
Ricardo Bindis, historiador chileno
Alberto Orrego Luco en búsqueda de la armonía lo puedes encontrar directamente acá.
Desde la editorial chilena Origo Ediciones a través de la distribuidora EOS Libros presentamos un nuevo tomo de la Serie:
En esta ocasión se trata del artista: Alfredo Valenzuela Puelma.
Alfredo Valenzuela Puelm fue un pintor chileno, pionero en pintar desnudos en el país.
Un artista especial, de un caracter bastante temperamental que, se puede entender, al pintar desnudos fue catalogado de tendencias anticlericales y conflictivo políticamente hablando.
Estamos hablando de una época conservadora en Chile en donde la iglesia y los grupos feministas tenían mucho que decir. Justamente ahí es donde Alfredo Valenzuela Puelma hace acto de presencia.
No sorprende entonces que gran aprte de su obra es reconocida en Europa, no en Chile. En Chile su arte fue censurado y criticado por las poses de sus desnudos.
Pero no todo son desnudos. Alfredo Valenzuela Puelma además pintaba con el equilibrio de colores y trazos de pinceles que lo caracterizaba Escenas como la Antigua Estación de Bellavista. Óleo sobre tela.
Además en este libro se detacan su retratos y toda la escena alrededor. Prueba de ello es la perfección de sus flores, libros y muebles
Por consiguiente Alfredo Valenzuela Puelma se especializó en la figura humana y los retratos. Su estilo se enmarca dentro de la corriente academicista.
Alfredo Valenzuela Puelma muchas veces ha definido como un artista incomprendido pero lo cual no dejó que fuera de gran influencia en la llamada generación del 1913.
Creo que fue un artista revolucionario que se atrevió a pintar lo que otros no querían ver o consideraban conflictivo. Eso ya es honorable.
Alfredo Valenzuela Puelma es un libro que enfoca de forma objetiva el trabajo de este importante artista destacando sus viajes a París, sus problemas en Santiago y algunos análisis de sus obras como La ninfa de las cerezas (ver imagen arriba).
Obra que polarizó.
Alfredo Valenzuela Puelma lo puedes encontrar directamente acá.
Desde la editorial chilena Origo Ediciones a través de la distribuidora EOS Libros presentamos un nuevo tomo de la Serie:
En esta ocasión se trata del artista: Pedro Lira.
Pedro Lira fue un destacado pintor y crítico artístico chileno. Lira fue un extenso promotor del arte en el país, organizó algunas de las primeras exposiciones de arte en Chile y es considerado como uno de los artistas de mayor importancia para el desarrollo de la pintura en Chile, dando origen a múltiples organizaciones y convenciones de arte especializado.
Pedro Lira como bien subtitula el libro es el maestro fundador. Chile en esos años pasó de carecer de un arte propio a poder hacer gala de su primera generación de artistas donde Pedro Lira marcó la pauta.
Por otro lado es uno de los artistas chilenos del que se encuentra mayor documentación histórica tanto de su vida como de su obra. El libro lo refleja de excelente forma pudiendo sintetizar la trayectoria del artista en: El artista en ciernes y el artista consagrado.
Como en toda la serie el libro se divide en 2 partes. El pintor y su época y Obra sy análisas.
Personalmente la segunda parte es en toda la serie muy interesante. Revisar en la práctica y analizar sus obras en detalle dejan ver por que Pedro Lira llegó a ser considerado uno de los mayores pintores de la pintura chilena.
Pintor, crítico, maestro y difusor del arte en Chile por más de 20 años influenciando de manera directa o indirecta a la mayoría de los pintores nacionales.
Además la imagen de su cuadro La fundación de Santiago fue utilizado en los billetes en Chile, durante los siglos XX y XXI en diversas oportunidades.
Actualmente sus principales obras se exhiben en los museos más importantes del país tales como la Casa del Arte, el Museo de Bellas Artes, el Palacio de la Moneda, la Biblioteca Nacional, el Museo Histórico Nacional, entre otros.
Sus Escenas, Retratos y Paisajes se caracterizan por una definición clara de los objetos y sus protagonistas, considerandose como impresionista.
Pedro Lira lo puedes encontrar directamente acá.
De la editorial alemana Belser nos llega una de sus últimas publicaciones titulada Hieronymus Bosch - Visionen eines Genies (El Bosco).
De los autores Matthijs Ilsink y Jos Koldeweij el libro de este tremendo artista holandés viene en marco de una Exposición que se realizó a razón de los 500 años de la muerte del artista.
Jheronimus van Aken, llamado familiarmente Joen y conocido como Jheronimus Bosch, en España el Bosco, fue un pintor holandés, autor de una obra excepcional.
Uno por su creatividad inmensa en cuanto a la creación de personajes (ver ambos cuadros en esta crítica) como además por su técnica.
Hieronymus Bosch - Visionen eines Genies no fechó ninguno de sus cuadros y son relativamente pocos los que llevan una firma.
Es así como lo poco que se conoce de su vida y de su familia procede de las escasas referencias que aparecen en los archivos municipales de Hertogenbosch en donde se realizó la Exposición (Museo Het Noordbrabants).
Ninguna obra se le puede atribuir con absoluta seguridad y las características de su singular estilo se han podido fijar únicamente a partir de un reducido número de obras del archivo mencionado.
Místico y al mismo tiempo absolutamente lúdico en sus dibujos (al menos las escenas masivas).
Hieronymus Bosch - Visionen eines Genies es un libro que en más de 120 páginas a todo color presenta gran parte de su obra...recopilada.
Tenemossu vida en Hertogenbosch, su vida como dibujante, sus santos dibujados y una cronología de su vida (1450 a 1516).
Figuras humanas, mitad hombre mitad animal, monstruos, diablos y muchos más podemos ver en sus tablas y bocetos. Es por otro lado el libro con la mayor cantidad de trabajos de Bosch presentados.
Hieronymus Bosch - Visionen eines Genies es un libro que demoró 6 años en terminarse debido a lo exhaustivo de la investigación. Y no me cabe duda que considerando lo poco que se sabe del artista y sus cuadros, realizar este documento fue una aventura.
Es en definitiva el libro que destaca a uno de los pintores más destacados de Holanda durante la Edad Media.
Hieronymus Bosch - Visionen eines Genies lo puedes encontrar directamente acá.
Desde la editorial chilena Origo Ediciones a través de la distribuidora EOS Libros presentamos un nuevo tomo de la Serie:
En esta ocasión se trata de las artistas: Magdalena y Aurora Mira.
Las hermanas Mira, alabadas por la crítica y sus pares, fueron pilar fundamental para el ingreso hacia la sociedad de la mujer en el espacio del arte chileno. Antes era patrimonio sólo de los hombres.
Magdalena Mira. fue no solamente pintora sino que también escultora. Se la considera «una de las más importantes figuras femeninas de la pintura del siglo XIX en Latinoamérica».
Aurora Mira. fue pintora y una de las primeras mujeres en estudiar pintura en Chile incluida dentro de la denominada «generación del medio siglo».
Ambas hermanas lograron complementar perfectamente tanto la obra artística como la vida en familiar que las caracterizó.
En la intimidad de sus hogares, siguieron desarrollando su talento y sus temas favoritos: flores sensuales en el caso de Aurora y retratos vívidos en el de Magdalena.
El libro destaca la carrera corta pero brillante de las pintoras y sus especiales sensibilidades y sueños.
Hermosa colección de obras de Magdalena (retratos y figuras) y de Aurora Mira (retratos y naturaleza).
Magdalena y Aurora Mira lo puedes encontrar directamente acá.
Desde la editorial chilena Origo Ediciones a través de la distribuidora EOS Libros presentamos un nuevo tomo de la Serie:
En esta ocasión se trata del artista: Fernando Álvarez De Sotomayor.
Fernando Álvarez De Sotomayor fue un pintor, profesor, y además director del Museo del Prado y miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid en España.
Por otro lado y lo que nos convoca con este hermoso libro Fernando Álvarez De Sotomayor fue un artista importante en los círculos de arte académico español de la primera mitad del siglo XX.
En Chile, su influencia fue fundamental, a pesar de que vivió solo seis años en este país. Con sus clases primero y luego como director de la Escuela de Bellas Artes en Santiago, dejó una marca original favoreciendo los temas populares y la impronta hispánica en la primera generación de artistas chilenos reconocida como la "Generación del 13".
Fuente: Wikipedia.
La estadía de Fernando Álvarez De Sotomayor en Chile fue importante. Básicamente por que debido a su presencia la pintura chilena que tenía fuertes influencias y se regía por la cultura francesa, finalmente amplió sus horizontes para mirar a su contraparte española.
Por lo tanto se creó una influencia hispánica nunca antes vista.
Además Fernando Álvarez De Sotomayor fue un gestor y logró darle impulso a más exposiciones de arte en Chile celebrando en 1910 la famosa Celebración del Centenario de la Independencia.
Y por su puesto la influencia como descrito arriba de la Generaciónd el 13. Un grupo que pintaba temas más costumbristas y populares, produciendo una renovación del repertorio iconográfico de la pintura chilena.
Los Hermanos Lobos, Bustamante, Plaza entre otros fueron parte de ese famoso grupo.
Fernando Álvarez De Sotomayor es un libro ademá de historia que nos cuenta como el artista vivió la época franquista, la guerra civil española e.o.
Fernando Álvarez De Sotomayor lo puedes encontrar directamente acá.
Desde la editorial chilena Origo Ediciones a través de la distribuidora EOS Libros presentamos un nuevo tomo de la Serie:
En esta ocasión se trata del artista: Onofre Jarpa.
Onofre Jarpa fue pintor paisajista chileno. Muy prolífico realizó una inmensa cantidad de obras trabajando con e.o. pintores de la generación del 13.
Su principal característica fueron los paisajes, con especial énfasis en el detalle, complementado con un entorno romántico (ver imágenes).
Por lo mismo también se le considera de los pocos pintores románticos de Chile.
El libro titulado también "fuente inagotable de inspiración" nos relata la época en donde el pintor estuvo inserto.
Sus primeras pinceladas, la influencia europea y su desarrollo en Chile. Claramente los viajes por el mundo y su visión de la religión y la acogida nacional fueron influencia mayor en su arte.
Los paisajes chilenos y el mar chileno fueron su estilo y su identidad que hicieron de Onofre Jarpa de los grandes pintores del Siglo pasado.
96 páginas a todo color y obras seleccionadas nos presentan a un artista que vivió durante una época muy vertiginosa: Riqueza del salitre, Conexiones con regiones remotas del país, Tendencias del arte mundial como el cubismo y el surrealismo.
Sin embargo se mantuvo fiel a su estilo de contemplación, calma y plenitud hasta sus últimos años.
Onofre Jarpa lo puedes encontrar directamente acá.
De la editorial alemana Reclam nos llega una de sus últimas publicaciones titulada "Entzifferung alter Schriften und Sprachen" del autor Ernst Doblhofer.
Un libro novela que nos entrega los primeros pasos o bien una introducción a la historia del descriframiento de textos de la Antiguedad. Sobre todo de los jeroglíficos egipcios y sus sistemas de textos (aun no hablamos de tipgrafías).
Además se analizan sistemas de escrituras cuneiformes hasta Lineal B.
Un jeroglífico es cada uno de los signos gráficos del sistema de escritura inventado por los antiguos egipcios. Proviene del desusado término hieroglífico que significa 'cincelar, grabar' .
Las actuales denominaciones jeroglífico y jeroglifo se deben al lingüista francés Jean-François Champollion, que fue quien logró descifrar los jeroglíficos egipcios.
Die Entzifferung alter Schriften und Sprachen nos cuenta como fue ese proceso. Increible historia.
Durante el Renacimiento, un jeroglífico era una representación artística de una idea esotérica. Por extensión, también se aplica a cualquier escritura de difícil interpretación, o al pasatiempo que contiene un acertijo a través de figuras.
Fuente: Wikipedia.
La escritura cuneiforme por otro lado es comúnmente aceptada como una de las formas antiguas de expresión escrita.
Lineal B es el sistema de escritura usado para escribir el griego micénico, desde el 1600 hasta el 1110 a. C. Precedió en varios siglos al uso del alfabeto para escribir la lengua griega. El lineal B consiste en signos silábicos, es decir, que cada uno de los signos representa una sílaba, y de un gran número de signos ideográficos.
En 1900, sir Arthur Evans encontró los primeros vestigios en Cnosos (Creta).
En definitiva Entzifferung alter Schriften und Sprachen nos cuenta en esta edición reeditada los misterios de la Esfinge, la descifración de las letras persas, como (ojo!) también la importancia del descubrimiento a el desciframiento de las letras de la Isla de Pascua.
Textos escritos de una forma entretenida, audaz y sobre todo históricamente interesantes hacen de este libro una lectura dinámica.
En Entzifferung alter Schriften und Sprachen me gustaron los temas y capítulos seleccionados y los análisis con gráficos en el libro también te hacer revisar como se analizaron y finalmente descubrieron y descifraron estos importantes vestigios de la antiguedad.
Die Entzifferung alter Schriften und Sprachen lo puedes encontrar directamente acá.
De la editorial alemana h.f.ullmann nos llega su última publicación titulada Angelus & Diabolus.
Es es un libro monumental. Ya la presencia de la caja y del abrir del libro es un evento.
Pesando aprox. 12kg Angelus & Diabolus es un libro que requiere de todos los sentidos para poder revisar y hojearlo.
Su temática? La eterna lucha entre el bien y el mal - primera visión general del mundo en imágenes y texto.
En cuanto a su contenido el libro es una representación de los ángeles y los demonios en los 2.000 años de la historia del arte cristiano. Claramente no es un tema que se pueda resumir en un par de páginas.
Más de 1000 imágenes y fotografías del fotógrafo Achim Bednorz sustentan los ensayos y las explicaciones en cáda página. Recorrió más de 15.000 km. para retratar las imágenes. Osea realmente el fotógrafo alemán se dió varias vueltas al mundo en búsqueda de los Ángeles y Demonios para su libro.
Sus páginas son fruto de más de 10 años de investigación y trabajo.
En ese sentido Angelus & Diabolus es un libro que rompe con los estándares de un libro impreso en cuanto a cifras.
En las artes visuales los ángeles y demonios cristianos han sido desde el principio los motivos más populares. Representaciones altamente emocionales, sorprendentes llegando hasta a una imaginería grotesca que fascina al espectador popular.
Con más de 800 páginas Angelus & Diabolus es un libro que al abrir la primera página sabes que te tomará tiempo en leer y más aun revisar.
Las imágenes son increibles. De la más alta calidad de impresión y detalles se complementan con textos técnicamente sólidos, pero fácilmente comprensibles.
En Angelus & Diabolus la temática artística, social e ideológica se abordan en paralelo lo cual nos entrega un documento que ilumina en todas sus facetas y arroja luz a detalles y temas antes desconocidos.
Hace años publicamos 'Ars Sacra' y en esta publicación había muchas fotos que se quedaron fuera. Desde ese momento empecé a pensar en que había que hacer este libro, un libro sobre el tema de los ángeles y los demonios, sobre los buenos y los malos. Era una idea que no se me iba de la cabeza", señaló en entrevista con a dpa el editor de "Angelus y Diabolus", Rolf Toman.
Angelus & Diabolus a pesar de sus dimensiones y contenido monumentales me parece un libro fácil de manejar.
Los primeros capítulos del volumen están dedicados a la figura de los ángeles, a su naturaleza, a su misión y a su jerarquía. A continuación la obra se adentra en el inframundo, en la maldad y fealdad de los demonios. En la parte final, ambas figuras se entremezclan para protagonizar una lucha feroz entre el bien y el mal.
Angelus & Diabolus como dice el propio autor es un libro para todos. Un libro para meditar, disfrutar y aprender.
Absolutamente recomendable como uno de los documentos culturales más importante delos últimos años.
Angelus & Diabolus lo puedes encontrar directamente acá.
Desde la editorial chilena Origo Ediciones a través de la distribuidora EOS Libros presentamos un nuevo tomo de la Serie:
En esta ocasión se trata del artista: Ramón Subercaseaux.
Ramón Subercaseaux fue pintor chileno fiel reflejo de la época en que vivió. El siglo XIX en Chile estuvo marcado por una época que después de la Independencia fue acelerada.
Vida cultural, desarrollo democrático y una creciente escena artística que no dejó indiferente a la pintura de Subercaseaux.
Su arte fue lo que hoy definimos como urbano. Siendo sus protagonistas obra so bien situaciones urbanas. Con colores sobrios la pintura de este artista tuvo gran influencia europea, especialmente francesa.
Era el estilo que dominaba en esa época.
En 96 páginas este hermoso libro nos lleva en un viaje hacia el interior de la vida creativa de Subercaseaux.
Su infancia, el Santiago de 1870, sus viajes a Europa y su vida en Europa. Etapa muy importante en donde las influencias la traspaso en telas de vuelta en Chile.
Fue diplomático y político en Chile cargos que abandonó para instalarse en Europa.
Posteriormente también el libro explica esta misma relación del pintor con la políticia como sus últimas misiones.
Ramón Subercaseaux traspasó su ejemplo de perseverancia y disciplina y su amor por las artes a su hijo mayor, Pedro Subercaseaux, otra de las figuras destacadas de la pintura nacional.
Ramón Subercaseaux lo puedes encontrar directamente acá.
De la editorial alemana Prestel nos llega una de sus última ublicaciones titulada "Maya - Sprache der Schönheit".
Como catálogo de la exposición del mismo nombre que fue realizada del 7 de Abril al 7 de Agosto en el Martin-Gropius-Bau en Berlin, Alemania este libro es impresionante.
Recordemos que los Maya son una de las culturas más antiguas del mundo.
Como catálogo de la exposición del mismo nombre que fue realizada del 7 de Abril al 7 de Agosto en el Martin-Gropius-Bau en Berlin, Alemania este libro es impresionante.
Recordemos que los Maya son una de las culturas más antiguas del mundo.
De
sus excepcionales formas de expresion es en lo que se basa este libro y
la exposición. Con más de 200 obras presentadas, varias de ellas son
ejemplares de un valor muy alto vemos el cuerpo y la figura como sus
principales formulas.
Los mayas o bien la civilización maya fue una civilización mesoamericana desarrollada por los pueblos mayas, que destacó en América por su escritura glífica, el único sistema de escritura plenamente desarrollado del continente americano precolombino, así como por su arte, arquitectura y sistemas de matemática, astronomía y ecología.
Se desarrolló en la región que abarca el sureste de México, Guatemala, Belice, y la parte occidental de Honduras y El Salvador.
En cuanto a los tiempos podemos resumir:
Los mayas o bien la civilización maya fue una civilización mesoamericana desarrollada por los pueblos mayas, que destacó en América por su escritura glífica, el único sistema de escritura plenamente desarrollado del continente americano precolombino, así como por su arte, arquitectura y sistemas de matemática, astronomía y ecología.
Se desarrolló en la región que abarca el sureste de México, Guatemala, Belice, y la parte occidental de Honduras y El Salvador.
En cuanto a los tiempos podemos resumir:
- Durante el periodo formativo, antes de 2000 a. C., se inició el desarrollo de la agricultura y la población se hizo sedentaria estableciéndose en las primeras aldeas.
- En el período Preclásico (c. 2000 a. C. hasta 250 d. C.) se desarrollaron las primeras sociedades complejas y se cultivaron los alimentos básicos de la dieta maya: el maíz, los frijoles, las calabazas y los chiles.
- Las primeras ciudades mayas se desarrollaron en torno a 750 a. C.
- Alrededor de 500 a. C. estas ciudades poseían una arquitectura monumental, incluyendo grandes templos con fachadas de estuco. La escritura glífica se utilizó desde el siglo iii a. C.
- Desde alrededor de 250 d. C., el período clásico se define en gran medida por el levantamiento de monumentos esculpidos empleando las fechas de Cuenta Larga.
La arquitectura principal de la ciudad se componía de palacios, templos piramidales, juegos de pelota ceremoniales, y estructuras alineadas para la observación astronómica. La élite maya sabía leer y escribir, y desarrolló un complejo sistema de escritura glífica, considerado el más avanzado en América precolombina.
Los mayas grabaron su historia y conocimiento ritual en libros en forma de biombo, de los que sólo permanecieron tres ejemplos con incuestionable autenticidad, el resto fue destruido por los españoles.
Los mayas desarrollaron una compleja serie de calendarios rituales entrelazados, emplearon la matemática y fueron uno de los primeros pueblos en utilizar el cero explícito en el mundo. Como parte de su religión, los mayas practicaban sacrificios humanos.
Fuente: Wikipedia
El libro Maya - Sprache der Schönheit nos habla de todo esto y mucho más.
Tenemos además la vestimenta, el idioma, y sobre todo la identidad de la mujer Maya.
En la segunda parte el libro describe más el arte de los Mayas lo que personalmente lo encuentro lo más interesante. El animal como ser, el cuerpo vestido, el cuerpo sobre un lienzo y los cuerpos de los dioses.
En definitiva la cultura Maya en Maya - Sprache der Schönheit es representada como tremendamente importante (lo es) y de una forma en que se valora su gran legado.
Hermoso libro.
Maya - Sprache der Schönheit lo puedes encontrar directamente acá.
De la editorial alemana Philipp von Zabern (WBG) nos llega una de sus últimas publicaciones titulada "Schätze der Antike - Faszinierende Funde der Archäologie" (Tesoros de la Antiguedad: Descubrimientos fascinantes de la Arqueología)
Tesoros y descubrimientos siempre han cautivado a la humanidad desde los primeros días.
No solamente han jugado un rol importante para descubrir nuestras raices, y como eramos antes y nos hemos desarrollado sino que también como simple atracción por lo antiguo.
Para los arqueologos los tesoros son más que un paquete de metales preciosos sino como ya decíamos una puerta de investigación hacia culturas antiguas.
Por ejemplo: Cómo llegaron los tesoros a la tierra? A quienes les pertenecían?
Schätze der Antike - Faszinierende Funde der Archäologie se divide en 15 capítulos que van describiendo diversos descubrimientos destacados en la Historia de la Humanidad.
El Tesoro de Oxos, el rey Minos de Creta y su anillos, Las monedas de Trier, Plartos romanos de plata, el tesoro de Esquilin...etc.
Los autores Stephan Faust y Frank Hildebrandt recopilan los más importantes tesoros de Oro, Plata y Bronce de la edad del bronces hasta la Antiguedad.
Schätze der Antike - Faszinierende Funde der Archäologie es un libro hermoso y cautivante que te lleva a un viaje en el tiempo para nada aburrido.
Es una historia de cada lugar, sus objetos y como se fue descubriendo.
Schätze der Antike - Faszinierende Funde der Archäologie lo puedes encontrar directamente
De la editorial norteamericana Getty Publications nos llega este hermoso libro titulado "Woven Gold: Tapestries of Louis XIV"
El libro que cumple la función de catálogo también para la Exposición del mismo nombre es un documento tremendo.
De partida el formato de Woven Gold: Tapestries of Louis XIV es más grande que lo común y sobre todo las imágenes se roban la película.
El rey francés autoproclamado como el Rey del Sol, Luis XIV de Francia reinó en Francia desde 1643 hasta 1715 logrando una de las colecciónes de tapestries más importantes de la Europa moderna.
Tremendo recurso del tiempo, el dinero y talento para lograr este trabajo
El tapiz (del francés tapis es una obra de tejido tradicionalmente hecha a mano en la que se producen figuras semejantes a las de una pintura utilizando hilos de distintos colores. También se utiliza la expresión "arte de tapicería", que no debe confundirse con la tapicería entendida como artesanía encargada de tapizar muebles.
Desde su origen remoto los tapices como mostrados en Woven Gold: Tapestries of Louis XIV servían para abrigar las paredes en tiempo frío, evitando la radiación fría (o absorción de la radiación infrarroja emitida por el cuerpo humano, que enfría la piel), mejorando la sensación térmica en las estancias. Con el tiempo, fueron incorporando decoración y materiales caros (oro, plata, seda), convirtiéndose en objetos suntuarios y en auténticas obras de arte.
El tapiz es uno de los objetos más antiguos que puede considerarse mueble decorativo.
Desde el siglo XV los tapices se empleaban también como colgaduras en la decoración de las vías públicas con motivo de cualquier celebración importante (procesión, entrada real o recepción solemne, que llegaban a ser muy complejas -arquitectura efímera-).
A partir el siglo XVII se popularizó el uso de las alfombras y los tapetes, distinguiéndolos perfectamente de los tapices, definidos por su posición vertical.
En Woven Gold: Tapestries of Louis XIV la autora Charissa Bremer-David divide el libro en 3 capítulos más el prólogo:
- Luis XIV como Coleccionista
- Luis XIV como Heredero
- Leuis ZIV como Patrón
Los tres capítulos revisan los tapices y sus historias lo cual es muy interesante. Ejemplo la historia de Constantino (Istanbul), la historia de Volcan, de Alejandro, de los Apostoles, etc.
Cabe destacar que el legado de los tapices es un tema de importancia nacional hoy en día en Francia.
A todo esto la Exposición dura hasta el 1 de Mayo de 2016 en el Getty Center, USA.
Woven Gold: Tapestries of Louis XIV lo puedes encontrar directamente acá.
De la editorial alemana Schnell und Steiner nos llega esta monumental obra titulada Michelangelo - Marmor und Geist sobre la restauración del Mausoleo y la tumba del papa Julio II.
Michelangelo Buonarroti conocido también como Miguel Ángel, fue un arquitecto, escultor y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica.
Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma, que era donde vivían sus grandes mecenas, la familia Médici de Florencia y los diferentes papas romanos.
Fue el primer artista occidental del que se publicaron dos biografías en vida en 1550 y en 1553 siendo muy admirado por sus contemporáneos, que le llamaban el Divino.
Triunfó en todas las artes en las que trabajó, caracterizándose por su perfeccionismo. La escultura, según había declarado, era su predilecta y la primera a la que se dedicó y en la cual se basa este libro.
Es en el trabajo para Julio II donde Miguel Ángel lleva su perfeccionismo a su máxima expresión.
Fanatismo, Desafío y Pasión mezclados con absoluta creatividad creo que son definiciones que resumen el libro Michelangelo - Marmos und Geist.
40 años estuvo trabajando en este la obra del Mausoleo del Papa y sus correspondientes estatuas vecinas.
Lo interesante y lamentable al mismo tiempo es que nunca llegó a verlo listo.
La tumba del papa Julio II es el proyecto más completo del artista y en donde llegó a su máxima expresión del detalle y de la complejidad.
En Michelangelo - Marmor und Geist un grupo de científicos se dedica a registrar todo el proceso de restauración más grande que se ha hecho en esta obra.
Aprovecharon de analizar y revisar desde un punto de vista científico-artístico el trabajo del artista.
Es por eso que el libro tiene un sin fin de bocetos, planos de las estructuras y de las esculturas como un detallado recuento de lo realizado en el momento de la restauración.
Genial y al detalle!
Puedes encontrar el libro directamente en la editorial Schnell und Steiner acá.
Para simplificar el acceso estos son los detalles del Libro:
- Editorial: Schnell & Steiner
- ISBN: 978-3-7954-2915-7
- Precio: € 98.00
De la editorial alemana Schnell & Steiner nos llega el libro "Ägypten - Die letzten Pharaonen" del Profesor y Doctor Wilfried Seipel quien a la vez también es egiptólogo, autor y organizador de innumerables exposiciones referentes a Egipto y la cultura faraónica.
Desde 1990 hasta 2008 fue director general del Museo de Historia en Viena, Austria.
Un tipo que sabe mucho y que es el encargado de esta publicación que se enmarca en la exposición sobre Egipto y los faraones en Leoben (hasta Noviembre 21015)
Un libro que acompana la exposición pero a su vez también se interioriza de forma hermosa (muchas imágenes, textos claros y muy interesantes).
(c) foto freisinger
Desde Alejandro Magno hasta Cleopatra es el marco histórico del libro. Quiere decir desde la conquista el ano 321 a.C.hasta la batalla en Actium el ano 31 a.C. y el siguiente suicidio de Cleopatra. Era la época de oro de la cultura al lado del rio Nilo.
Los procesos artísticos, religiosos, la creación de ideas, nuevos dioses, objetos, estatuas, etc. son elementos que la exposición y por consecuente el libro contienen, explican, analizan y colocan para ser admirados desde un punto de vista contemporáneo.
Hay objetos que son prestados de diversos museo de todo el mundo (Louvre de Paris, Eremitage de San Petersburgo, etc.) logrando con esta exposición y libro uno de los más completos sobre Egipto y los faraones.
El libro es bien grande y extremadamente interesante!
Digamos que 300 años de historia egipcia con más de 200 objetos en 200 paginas.
El libro Ägypten - Die letzten Pharaonen de Schnell & Steiner lo puedes encontrar directamente acá.
Para simplificar el acceso estos son los detalles del Libro:
- Editorial: Schnell & Steiner
- ISBN: 978-3-7954-2993-5
- Precio: € 39.95
Nos llega de la editorial alemana Arnoldsche Art Publishers su última publicación titulada „Horizon - Transferware and Contemporary Ceramics" de los autores Paul Scott y Knut Astrup.
El libro se basa en la exposición en el museo de Arte, Arquitectura y Diseno realizada en Oslo, Noruega durante los años 2013 y 2014.
Una exposición que trataba acerca un género con mucha historia como lo es el arte de la cerámica al mundo contemporáneo.
En Horizon se basa en la pintura de cerámica y su destacable persistencia de un material antiguo en la actual era digital. Suena como una mezcla bastante extraña y poco común. Es justamente esto que hace de Horizon un libro muy interesante.
Con Transferware destacamos el paso y el uso de la gráfica sobre cerámicas del siglo XIX e utilizando este soporte para mezclarlo con imágenes contemporáneas.
Todo esto en marco de lo que es el arte de los paisajes noruegos en Noruega que en los museos locales está presente básicamente en todos.
Cabe destacar que en la época que se producían estas cerámicas, ninguna provenía de Noruega. Se realizaban en Inglaterra.
Poco a poco con el paso del tiempo las imágenes de paisajes noruego fueron llegando a los platos, tazas, ollas del comedor.
La idea y el concepto del libro son geniales.
Ocupar lo antiguo y mezclarlo con lo nuevo de la misma forma, sin intervenir la técnica. Por lo que el resultado es muy realista y descoloca. Ver motivos propios del siglo XXI sobre un formato y sustrado propio del siglo XIX es alucinante.
Por otro lado también destacan obras como porcelana a gran escala. Un árbol plasmado en cerámica pero tamaño 1:1, un sinfin de ejemplos que Horizon representa con gran calidad y delicadeza.
Por otro lado muchos ejemplos que muestran lo prolífico de este arte y de esta tendencia.
Muy recomendable!
Horizon lo puedes encontrar directamente acá.
Desde la editorial alemana Arnoldsche Art Publishers nos llega la publicación titulada „Homage to Savitsky - Collecting 20th-Century Russian and Uzbek Art"
Savitsky es Igor Savitsky un pintor y además coleccionista de arte de la zona de Karakalpak.
Nació en 1915 en Kiev, actual Ucrania, llegando por primera vez a Nukus, capital de Karakalpakstan a mediados del siglo XX. Desde ahí comenzó su camino de colección exhaustiva de arte. No solo era pintura por que también coleccionaba monedas, ropa, alfombras, etc. de la región que llegaba desde la Rusia actual hasta Asia.
Lo interesante que muchos de los cuadros que el coleccionaba eran de artistas que fueron oprimidos durante la URRS con Stalin en el poder hasta los años 60.
He acá su gran logro, a pesar de correr el riesgo de poder haber sido nombrado "enemigo del pueblo" Savitsky siguió con mucho coraje su recolección de arte. Un trabajo increible, riesgoso y de gran gran valor para nosotros hoy en día. De lo contrario estos cuadros se hubieran perdido por siempre.
El libro se basa en la exposición que se realizó en Moscú el año 2011 en donde se exhibieron gran parte de la colección de Savitsky como también de sus propios cuadros.
Igor Savitsky fundó el museo de arte llamado Karakalpakstan State Museum of Art donde todo el contenido del libro se encuentra en vivo.
Me gustó esta publicación ya que considerando la gran cantidad de arte que existía en esa región y que no era para nada conocida en el mundo occidental, es de una calidad tremenda.
El libro se dedica también a presentar a los artistas detrás de los cuadros que pertenecen a la colección de Savitsky lo cual se agradece.
Es muy variada la paleta de arte, de técnicas, soportes, etc.
En lo personal me gustan los libros sobre colecciones privadas dado que te dan una selección de arte bastante acertada y amplia. Abren los ojos a un mundo completamente desconocido pero muy hermoso
Gran parte del arte presentado es de principios del siglo XX.
El libro que se basa obviamente en la colección y sus artistas y es además el catálogo de la exhibición, se concentra en la primera aparte completamente a la vida de Igor Savitsky
Hermoso!
El libro lo puedes encontrar directamente acá.
De la editorial alemana Prestel nos llega en marco de la Exposición en Frankfurt, Alemania titulada "Monet und die Geburt des Impressionismus" (Monet y el nacimiento del Impresionismo) el libro titulado con el mismo nombre.
Desde el 11.3. al 28.6.2015 en el Museo Städel de Frankfurt estará presente la obra de uno de los más grandes artistas de la historia.
Oscar-Claude Monet, pintor francés, es uno de los creadores del impresionismo.
Desde el 11.3. al 28.6.2015 en el Museo Städel de Frankfurt estará presente la obra de uno de los más grandes artistas de la historia.
Oscar-Claude Monet, pintor francés, es uno de los creadores del impresionismo. La obra de Monet acompaña la influencia de varias influencias
estilísticas. Sus primeras obras pertenecen al realismo pictórico, del
cual se alejó cada vez más a lo largo de su carrera. Fue un miembro
destacado de los impresionistas, y algunas de sus obras se cuentan entre
las más importantes de este estilo pictórico.
El interés por las obras tardías de
Monet resurgió con el advenimiento de la pintura abstracta. Más de
trescientos artistas norteamericanos viajaron a París en la década de
1950, donde entre otros, estudiaron a Monet. Estos eventos fueron el
impulso para las primeras grandes exposiciones individuales en la década
de 1950, que llevaron al reconocimiento internacional de la obra de
Monet.
El impresionismo es la denominación de un movimiento
artístico definido inicialmente para la pintura impresionista, a partir
del comentario despectivo de un crítico de arte ante el
cuadro Impresión, sol naciente de Claude Monet.
El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Europa --principalmente en Francia-- caracterizado, a grandes rasgos, por el intento de plasmar la luz (la «impresión» visual) y el instante, sin reparar en la identidad de aquello que la proyectaba. Es decir, si sus antecesores pintaban formas con identidad, los impresionistas pintaban el momento de luz, más allá de las formas que subyacen bajo este. Fue clave para el desarrollo del arte posterior, a través del postimpresionismo y las vanguardias.
El libro Monet destacad los rasgos tanto del pintor como de la corriente artística que el "inventó".
El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Europa --principalmente en Francia-- caracterizado, a grandes rasgos, por el intento de plasmar la luz (la «impresión» visual) y el instante, sin reparar en la identidad de aquello que la proyectaba. Es decir, si sus antecesores pintaban formas con identidad, los impresionistas pintaban el momento de luz, más allá de las formas que subyacen bajo este. Fue clave para el desarrollo del arte posterior, a través del postimpresionismo y las vanguardias.
El libro Monet destacad los rasgos tanto del pintor como de la corriente artística que el "inventó".
Recomendable visitar la Exposición, una de las más grandes de Monet en Alemania.
El libro lo puedes conseguir acá.
El libro lo puedes conseguir acá.
De la editorial alemana Philipp von Zabern nos llega un libro muy interesante sobre la investigación y el desciframiento de los jeroglifos.
Una historia que a principios del siglo 19 llevo a una dramática pelea este hecho. Un duelo en un principio entre Thomas Young y Jean-François Champollion, que se convirtió en una guerra entre Inglaterra y Francia.
Andrew Robinson, el autor, nos relata en este libro "Wie der Hieroglyphen-Code geknackt wurde" la forma en que se descifraron los jeroglifos egipcios.
En una segunda instancia también relata la bibliografía de su descubridor, Champollions. Un científico francés que se dedicaba al arte egipcio. En sus continuos viajes a Egipto y al valle de los reyes, comparaba cuidadosamente los jeroglifos de la piedra de rosetta con los jeroglifos de los templos y las tumbas en el valle.
Decía de sí mismo: «Soy adicto a Egipto, Egipto lo es todo para mí».
La Piedra de Rosetta es un fragmento de una antigua estela egipcia de granodiorita inscrita con un decreto publicado en Menfis en el año 196 a. C. en nombre del faraón Ptolomeo V.
El decreto aparece en tres escrituras distintas: el texto superior en jeroglíficos egipcios, la parte intermedia en escritura demótica y la inferior en griego antiguo.
Gracias a que presenta esencialmente el mismo contenido en las tres inscripciones, con diferencias menores entre ellas, esta piedra facilitó la clave para el entendimiento moderno de los jeroglíficos egipcios.
Originalmente dispuesta dentro de un templo, la estela fue probablemente trasladada durante la época paleocristiana o la Edad Media y finalmente usada como material de construcción en un fuerte cerca de la localidad de Rashid (Rosetta), en el delta del Nilo. Allí fue hallada en 1799 por el soldado Pierre-François Bouchard durante la campaña francesa en Egipto.
La piedra original acabó en posesión inglesa bajo la Capitulación de Alejandría. Transportada a Londres, lleva expuesta al público desde 1802 en el Museo Británico, donde es la pieza más visitada.
Debido a que fue el primer texto plurilingüe antiguo descubierto en tiempos modernos, la Piedra de Rosetta despertó el interés público por su potencial para descifrar la hasta entonces ininteligible escritura jeroglífica egipcia, y en consecuencia sus copias litográficas y de yeso comenzaron a circular entre los museos y los eruditos europeos.
La primera traducción completa del texto en griego antiguo apareció en 1803, pero no fue hasta 1822 cuando Jean-François Champollion anunció en París el descifrado de los textos jeroglíficos egipcios, mucho antes de que los lingüistas fueran capaces de leer con seguridad otras inscripciones y textos del antiguo Egipto.
Desde su hallazgo la piedra ha sido objeto de rivalidades nacionales, incluida su transferencia de manos francesas a británicas durante las guerras napoleónicas, una larga disputa sobre el valor relativo de las contribuciones de Young y Champollion a su desciframiento.
El libro "Wie der Hieroglyphen-Code geknackt wurde" cuenta en forma de narrativa una historia impactante, cautivante que paso a paso nos aclara uno de los hechos más importantes en la historia reciente en cuanto a la cultura egipcia.
Lo puedes encontrar directamente acá.
De la editorial inglesa Laurence King nos llega su última publicación titulada "A brush with the real - Figurative painting today" de los autores Marc Valli y Margherita Dessanay
A brush with the real es un libro muy hermoso de sus primeras páginas.
Un compendio tremendo (con más de 320 páginas) nos presenta un sinfin de artistas que fueron ordenados por influencias como el cinearte, la naturaleza muerta e imágenes futurísticas.
En realidad muy difícil de ordenar el contenido del libro:
Cada artista muestra un resumen de sus vidas y lo que personalmente me gustó mucho es que también muestran los conceptos de las pinturas, las ubicaciones, las influencias y la opinión acerca del arte contemporáneo.
Finalmente cierra una visión respecto a la camada de nuevos artistas que están surgiendo.
Bastante información en poco espacio.
El libro es genial!
Cada artista muestra un resumen de sus vidas y lo que personalmente me gustó mucho es que también muestran los conceptos de las pinturas, las ubicaciones, las influencias y la opinión acerca del arte contemporáneo.
Finalmente cierra una visión respecto a la camada de nuevos artistas que están surgiendo.
Bastante información en poco espacio.
El libro es genial!
Un acercamiento hermoso y a la vez tranquilizador al arte con historias que amarran.
Los autores de alguna forma quisieron transmitir la idea de que el trabajo detrás de un lienzo, de una textura son todas parte de un total que forman la experiencia de observar.
Pablo Ruiz y Picasso, conocido como Pablo Picasso, fue un pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque y Juan Gris, del movimiento cubista.
Considerado uno de los mayores artistas del siglo XX, participó desde la génesis en muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo.
Incansable y prolífico, pintó más de dos mil obras, presentes en museos y colecciones de toda Europa y del mundo. Además, abordó otros géneros como el dibujo, el grabado, la ilustración de libros, la escultura, la cerámica y el diseño de escenografía y vestuario para montajes teatrales.
Es acá donde entra en escena el último libro de la editorial alemana Gestalten.
"Pablo Picasso - Wommen - Bullfights - Old Masters"
Impresos y dibujos del Kupferstichkabinett en Berlin son presentados en sobre 280 páginas a todo color. El Kufpestichkabinett es parte del los museos estatales de Berlin, Alemania.
El trabajo gráfico de Pablo Picasso es reunido en un libro selecto de más de 7 décadas de procesos artísticos.
La colección presentada en este libro es una de las más importantes del rubro de la gráfica del siglo XXI.
Temáticas que siempre volvian en el trabajo pictórico de Picasso eran las mujeres, los toros y los viejos maestros (de la pintura) como también temáticas literarias y políticas.
200 trabajos graficos, impresos, litografías, bocetos y collages de Picasso a comienzos del siglo XX hasta su últimas creaciones en la década de los 60.
Blanco, Negro, Colores...no había una línea de colores definida. Pablo las ocupaba todas. También en sus estilo desde el clásico al cubismo llegando al surrealismo.
"Pablo Picasso - Wommen - Bullfights - Old Masters" es un libro muy hermoso, muy intenso y que se interioriza de manera genial en el mundo pictórico de Picasso.
Un documento que enalza aún más la figura de Picasso y su importancia para todas las futuras generaciones.
The second great book from the german publisher H.F. Ullmann just landed in the offices of KELP.cl.
"GOTHIC" a monumental document, an epic visual journey throughout the gothic style and buildings of the Gothic times.
The book has dizzying numbers such as the size :
- 288 mm x 393 mm with a total of 568 pages
- Over 600 full color images
- 2 pages that open up to form up to 8 pages .... for very long pictures of f.e.: buildings
- Hand-tied
etc..
It is just amazing, not only because of the size but mainly because it is everything there that has to do with gothic architecture, painting and culture.
Authors Rolf Toman (editor), Achim Bednorz (photographer) and Bruno Klein (author) have carried out in recent years a extensive research about the gothic period (1140-1500).
Gothic Art is the historiographical name of a artistic style that developed in Western Europe during the last centuries of the Middle Ages, since the mid- twelfth century until the introduction of the Renaissance (XV century in Italy), and well into the sixteenth century in places where the Gothic survived longer.
It is a long artistic period, which arises in the north of France and expands throughout the West.
The 'Gothic' word is the adjective corresponding to "Goth" and was used in this context for the first time by the Florentine scholar Giorgio Vasari (1511-1574) .
Gothic architecture placed special emphasis on the structural lightness and ships lighting inside buildings. It took some from the "Romanesque" but ended oppose to the massive volumes and poor lighting inside their churches.
Developed primarily in religious architecture (such as churches and monasteries), having its greatest success in building great cathedrals.
The book is simply a beauty. "Gothic" carried to paper.
We recommend it highly and believe there should be more attempts to achieve such great printed object. Specially with so astonishing interior pictures.
For those interested in painting, sculpture and Gothic architecture. This is your book!
You can find it directly here.
De la editorial alemana Michael Imhof nos llega el trabajo monumental del pintor griego "El Greco" (el griego).
Un formato de 29cm x 37cm nos entrega fenomenales 86 imágenes de lo más selecto del trabajo pictórico del Greco.
El Greco fue un pintor del final del Renacimiento que desarrolló un estilo muy personal en sus obras de madurez.
Detallamos a continuación algunos extractos de su historia para hacerse una idea del pintor y lo que el libro incluye.
Su obra resumida en este libro se compone de grandes lienzos para retablos de iglesias, numerosos cuadros de devoción para instituciones religiosas y un grupo de retratos considerados del máximo nivel.
Actualmente está considerado uno de los artistas más grandes de la civilización occidental.
Esta alta consideración es reciente y se ha ido formando en los últimos cien años, cambiando la apreciación sobre su pintura formada en los dos siglos y medio que siguieron a su muerte, en que llegó a considerarse un pintor excéntrico y marginal en la historia del arte.
El arte del Greco fue una síntesis entre Venecia y Roma, entre el color y el dibujo, entre el naturalismo y la abstracción.
Consiguió un estilo propio que implantaba las técnicas venecianas en el estilo y el pensamiento manierista.
La cuestión de hasta qué punto, en su profunda transformación toledana, el Greco recurrió a su experiencia anterior como pintor de iconos bizantinos se ha debatido desde comienzos del siglo XX.
Algunos historiadores del arte han afirmado que la transformación del Greco se hundía firmemente en la tradición bizantina y que sus características más individuales derivan directamente del arte de sus ancestros, mientras que otros han argumentado que el arte bizantino no puede relacionarse con la obra tardía del Greco.
El tratamiento de sus figuras es manierista: en su evolución no sólo fue alargando las figuras, sino haciéndolas más sinuosas, buscando posturas retorcidas y complejas (la figura serpentinata).
Era lo que los pintores manieristas llamaban furia de la figura, y consideraban que la forma ondulante de la llama del fuego era la más apropiada para representar la belleza.
Él mismo consideraba las proporciones alargadas más bellas que las de tamaño natural, según se desprende de sus propios escritos.
Otra característica de su arte es la ausencia de naturaleza muerta. Su tratamiento del espacio pictórico evita la ilusión de la profundidad y el paisaje, habitualmente desarrollaba sus asuntos en espacios indefinidos que aparecen aislados por una cortina de nubes.
Sus grandes figuras se concentran en un espacio reducido próximo al plano del cuadro, a menudo apiñadas y superpuestas.
El tratamiento que da a la luz es muy diferente del habitual. En sus cuadros nunca brilla el sol, cada personaje parece tener dentro su propia luz o refleja la luz de una fuente no visible.
En sus últimos cuadros la luz se hace más fuerte y brillante, hasta el punto de blanquear el fondo de los colores.
Este empleo de la luz concuerda con su antinaturalismo y su estilo cada vez más abstracto.
Se incluye parte de su mejor obra para dar una visión general de su estilo pictórico, de su evolución artística y de las circunstancias que han envuelto a sus obras tanto en su ejecución como en los avatares posteriores.
Hasta hoy en día faltaba un documento que en formato grande registrase el arte del Greco, en alta calidad y color.
El Greco, libro, llena este espacio vacante en la historia.
Muy recomendable!
El libro lo puedes encontrar directamente acá.
Estimados lectores de KELP.cl,
les presentamos una obra magna y monumental llamada "Barock" (Barroco).
La imágen de la portada es la portada alemana, pero el libro también existe en otros idiomas como el español o el inglés.
Barock - Theatrum Mundi. Die Welt als Kunstwerk (Barroco - Teatro mundial. El mundo como obra de arte) de la editorial H.F.Ullmann.
El editor Rolf Tomann (que también editó el libro Ars Sacra) se lanzó en otra gran cruzada para ofrecernos un viaje por un período de la historia cultural occidental marcado por lo recargado y caprichoso.
El Barroco.
les presentamos una obra magna y monumental llamada "Barock" (Barroco).
La imágen de la portada es la portada alemana, pero el libro también existe en otros idiomas como el español o el inglés.
Barock - Theatrum Mundi. Die Welt als Kunstwerk (Barroco - Teatro mundial. El mundo como obra de arte) de la editorial H.F.Ullmann.
El editor Rolf Tomann (que también editó el libro Ars Sacra) se lanzó en otra gran cruzada para ofrecernos un viaje por un período de la historia cultural occidental marcado por lo recargado y caprichoso.
El Barroco.
El Barroco fue un período de la historia en la cultura occidental originado por una nueva forma de concebir las artes visuales (el «estilo barroco») y que, partiendo desde diferentes contextos histórico-culturales, produjo obras en numerosos campos artísticos: literatura, arquitectura, escultura, pintura, música, ópera, danza, teatro, etc.
Se manifestó principalmente en la Europa occidental, aunque debido al colonialismo también se dio en numerosas colonias de las potencias europeas, principalmente en Latinoamérica.
Como estilo artístico, el Barroco surgió a principios del siglo XVII en Italia (período también conocido en este país como Seicento), desde donde se extendió hacia la mayor parte de Europa.
Durante mucho tiempo (siglos XVIII y XIX) el término «barroco» tuvo un sentido peyorativo, con el significado de recargado, engañoso y caprichoso
Algunos historiadores dividen el Barroco en tres períodos: «primitivo» (1580-1630), «maduro» o «pleno» (1630-1680) y «tardío» (1680-1750).
Aunque se suele entender como un período artístico específico, estéticamente el término «barroco» también indica cualquier estilo artístico contrapuesto al clasicismo. Así pues, el término «barroco» se puede emplear tanto como sustantivo como adjetivo.
Cualquier estilo artístico atraviesa por tres fases: arcaica, clásica y barroca. Ejemplos de fases barrocas serían el arte helenístico, el arte gótico, el romanticismo o el modernismo.
Fuente Wikipedia.
Con el marco histórico aclarado vamos al grano.
El palacio de Versailles en Francia, el domo del Vaticano en Roma o la Wies Kirche al sur de Alemania son solo algunos de los ejemplos que decoran las 568 páginas a todo color.
No solamente las construcciones emblemáticas del barroco son mostradas y analizadas sino que también los pequeños tesoros desconocidos que el editor y autor encontró en Latinoamérica y en Europa.
En el nuevo mundo hay jardines, bibliotecas, bóvedas, trabajos en porcelana, muralismo, etc. El barroco tuvo muchisimas aristas artísticas.
Las imágenes son de las mejors que hemos visto en publicaciones a la fecha.
Sobre todo las imágenes de interiores pasaron por un minucioso trabajo de iluminación.
El fotógrafo Achim Bednorz detalla en sus imágenes características de una obra que nisiquiera en el lugar mismo son percibidos.
Alucinante!
Todas las imágenes son exclusivas para este libro y gracias al gran formato del mismo éstas adquieren y muestran todo su potencial.
La autora y historiadora Barbara Borngässer escribió como consecuencia también su propia historia del Barroco y logra raptar al lector (a nosotros, a tí!) en el mundo del teatro mundial de la época, el "Theatrum Mundi"
Es realmente hermoso y fascinante abrir el libro y hojear, leer y dejarse llevar por un mundo plagado de la estética barroca.
Tan particular, tan llena de detalles y tan GRANDE!
A modo de diferenciación en el Renacimiento uno de los temas principales tratados en las diversas disciplinas artísticas era la importancia y el rol fundamental de la armonía cósmica a través de representaciones geométricas artísticas.
En el Barroco es lo sagrado, es hacer lo imprevisible, visible.
Así el Barroco estuvo marcado por el afán de representar el mundo en forma pequeña =
Theatrum Mundi.
Un mundo que mueve y polariza aún hoy en día!
Toda esta temática es analizada en el libro Barock - Theatrum Mundi. Die Welt als Kunstwerk.
Lo que a nosotros en KELP.cl nos interesó particularmente son los capítulos sobre el muralismo y la pintura de frescos de la época. Simplemente increible!
Le recomendamos altamente este libro para todo aquél interesado en el barroco y en la historia del muralismo italiano.
Datos técnicos:
Páginas: 568
Formato: 28,8 × 39,8 cm. Lo merece!
Aprox. 800 ilustraciones
2 páginas desplegables (de 8 planas cada una)
Cintas de lectura
A color
Tapa dura con sobrecubierta de plástico transparente
ISBN: 978-3-8480-0061-6
El libro lo puedes conseguir directamente acá.
Páginas: 568
Formato: 28,8 × 39,8 cm. Lo merece!
Aprox. 800 ilustraciones
2 páginas desplegables (de 8 planas cada una)
Cintas de lectura
A color
Tapa dura con sobrecubierta de plástico transparente
ISBN: 978-3-8480-0061-6
El libro lo puedes conseguir directamente acá.
El segundo libro magno de la editorial alemana H.F.Ullmann acaba de aterrizar en las oficinas de KELP.cl.
GOTIK, un monumento de libro, una epopeya visual tal como lo son los edificios del estilo gótico.
El libro tiene numeros que marean como por ejemplo el tamaño:
- 288 mm x 393 mm con un total de 568 páginas
- más de 600 imágenes a todo color
- 2 páginas que al abrir equivalen a 8 páginas....para edificios muy largos
- atado a mano
etc.
Vamos al interior: Los autores Rolf Toman (editor), Achim Bednorz (Fotógrafo) y Bruno Klein (Autor) han llevado a cabo en los últimos años una investigación exhaustiva acerca de la época gótica (1140 - 1500).
Arte gótico es la denominación historiográfica del estilo artístico que se desarrolló en Europa occidental durante los últimos siglos de la Edad Media, desde mediados del siglo XII hasta la implantación del Renacimiento (siglo XV para Italia), y bien entrado el siglo XVI en los lugares donde el Gótico pervivió más tiempo.
Se trata de un amplio período artístico, que surge en el norte de Francia y se expande por todo Occidente.
El vocablo «gótico» es el adjetivo correspondiente a godo y fue utilizado en este contexto por primera vez por el tratadista florentino Giorgio Vasari (1511-1574).
La arquitectura gótica puso especial énfasis en la ligereza estructural y la iluminación de las naves del interior de los edificios. Surgió del románico pero acabó oponiéndose a los volúmenes masivos y a la escasa iluminación interior de sus iglesias.
Se desarrolló fundamentalmente en la arquitectura religiosa (monasterios e iglesias), teniendo su mayor éxito en la construcción de grandes catedrales, secular tarea en que competían las ciudades rivales; aunque también tuvieron importancia la arquitectura civil (palacios, lonjas comerciales, ayuntamientos, universidades, hospitales y viviendas particulares de la nueva burguesía urbana) y la arquitectura militar (castillos y murallas urbanas).
Fuente: Wikipedia.
El libro Gotik es simplemente una hermosura llevada a papel.
Lo recomendamos mucho y creemos que debería haber más intentos de lograr investigaciónes y sobre todo imágenes de edificios interiores, de murales interiores y de arte urbano de la forma como lo hicieron en este libro.
Para todos aquellos interesados en la pintura, escultura y la arquitectura gótica. Este es tu libro!
Lo puedes encontrar directamente acá.
GOTIK, un monumento de libro, una epopeya visual tal como lo son los edificios del estilo gótico.
El libro tiene numeros que marean como por ejemplo el tamaño:
- 288 mm x 393 mm con un total de 568 páginas
- más de 600 imágenes a todo color
- 2 páginas que al abrir equivalen a 8 páginas....para edificios muy largos
- atado a mano
etc.
Vamos al interior: Los autores Rolf Toman (editor), Achim Bednorz (Fotógrafo) y Bruno Klein (Autor) han llevado a cabo en los últimos años una investigación exhaustiva acerca de la época gótica (1140 - 1500).
Arte gótico es la denominación historiográfica del estilo artístico que se desarrolló en Europa occidental durante los últimos siglos de la Edad Media, desde mediados del siglo XII hasta la implantación del Renacimiento (siglo XV para Italia), y bien entrado el siglo XVI en los lugares donde el Gótico pervivió más tiempo.
Se trata de un amplio período artístico, que surge en el norte de Francia y se expande por todo Occidente.
El vocablo «gótico» es el adjetivo correspondiente a godo y fue utilizado en este contexto por primera vez por el tratadista florentino Giorgio Vasari (1511-1574).
La arquitectura gótica puso especial énfasis en la ligereza estructural y la iluminación de las naves del interior de los edificios. Surgió del románico pero acabó oponiéndose a los volúmenes masivos y a la escasa iluminación interior de sus iglesias.
Se desarrolló fundamentalmente en la arquitectura religiosa (monasterios e iglesias), teniendo su mayor éxito en la construcción de grandes catedrales, secular tarea en que competían las ciudades rivales; aunque también tuvieron importancia la arquitectura civil (palacios, lonjas comerciales, ayuntamientos, universidades, hospitales y viviendas particulares de la nueva burguesía urbana) y la arquitectura militar (castillos y murallas urbanas).
Fuente: Wikipedia.
El libro Gotik es simplemente una hermosura llevada a papel.
Lo recomendamos mucho y creemos que debería haber más intentos de lograr investigaciónes y sobre todo imágenes de edificios interiores, de murales interiores y de arte urbano de la forma como lo hicieron en este libro.
Para todos aquellos interesados en la pintura, escultura y la arquitectura gótica. Este es tu libro!
Lo puedes encontrar directamente acá.
La galería nacional de arte de la capital norteamericana Washington incluye una de las colecciones de arte italiano barroco más importante de América.
Trabajos de Anton Maria Vasallo, Bernardo Strozzi, Donato Creti y Sebastiano Ricci y artistas del siglo XVIII como Canaletto, Bernardo Bellotto y Guardi.
Son en total 69 trabajos que el libro presenta a modo de selección de su colección. Te ahorras un viaje a la capital para revisar las obras ;)
El libro Italian Painting editado por la Princeton University Press habla de una de las épocas más gloriosas del arte italiano donde se produjo arte en muchas ciudades (siglo XVII al XVIII).
Una época en donde destaca mucho la pintura religiosa y temáticas como la veneración de la mujer.
El arte de alguna forma fue llegando cada vez con mayor fuerza a las casas y a los establecimientos.
Lo que los grandes maestros de siglos anteriores pintaban con la técnica del fresco en las iglesias y establecimientos religiosos ha experimentado un cambio llegando a ocuparse otros soportes para lograr un arte con características más hogareñas.
El libro lo puedes encontrar directamente acá.
Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571 - 1610), más bien conocido como Caravaggio) fue un pintor italiano activo en Roma, Nápoles, Malta y Sicilia entre los años de 1593 y 1610.
Es considerado como el primer gran exponente de la pintura del Barroco.
El libro "The Moment of Caravaggio" editado por la Princeton University Press y escrito por Micheal Fried es una investigación exhaustiva sobre este importante artista.
El libro entrega una perspectiva alucinante sobre la vidad de Caravaggio bellamente ilustrada con 200 imágenes.
Salvo en sus principios, Caravaggio produjo mayoritariamente pinturas religiosas. Sin embargo, a menudo escandalizaba y sus lienzos eran rechazados por sus clientes. Dos de los reproches habituales eran el realismo de sus figuras religiosas rozando el naturalismo temprano, así como la elección de sus modelos entre la gente de más baja condición.
En lugar de buscar bellas figuras etéreas para representar los actos y personajes de la Biblia, Caravaggio prefería escoger a sus modelos de entre el pueblo: prostitutas, chicos de la calle o mendigos posaron a menudo para los personajes de sus cuadros.
Para La Flagelación, compuso una coreografía de cuerpos en claroscuro con un Cristo en movimiento de total abandono y de una belleza carismática. Para el San Juan Bautista con el carnero, muestra a un jovenzuelo de mirada provocativa y en posición lasciva -se decía que el modelo era uno de sus amantes.
La pintura de Caravaggio que causaría el mayor escándalo a los ojos de la Iglesia fue La muerte de la Virgen, por la representación tan realista del cuerpo de la Virgen María con el vientre hinchado -acompañado de sulfurosos rumores según los cuales el modelo habría sido el cadáver de una prostituta encinta ahogada en el Tíber. Así, la consideración de la Iglesia católica hacia Caravaggio y sus cuadros oscilará de un extremo a otro de su carrera entre el acogimiento entusiasta y el rechazo absoluto. El pintor encontrará en ella sus mayores protectores -como el cardenal Del Monte- así como a sus más grandes enemigos.
Fuente Wikipedia.
En su tiempo Caravaggio fue famoso, apreciado, reconocido y además ejerció gran influencia sobre sus contemporáneos. Sin embargo, en siglos posteriores su fama fue eclipsada por otros pintores de su época como Poussin, Rubens o Rembrandt, si bien todos ellos acusaron su influencia en mayor o menor medida. Sin embargo, no sería hasta el siglo XX cuando su figura recobrara importancia al estudiarse nuevamente el arte barroco italiano.
Un libro acerca de una vida increiblemente variada, interesante pregnada por el fino equilibrio entre la aceptación y el desprecio.
El libro lo puedes encontrar directamente acá.
De la editorial Belser nos llega el libro "Frühe italienische Malerei" (pintura italiana).
Desde Siena hasta Florencia el arte romano se expandió de forma muy rápida, estableciendo su fuerte en el norte de Italia.
Del museo alemán de Lindenau Altenburg la coleccion de dá vida y contenido a este libro perteneces al coleccionista Bernhard August von Lindenau.
Una de las colecciones más grandes sobre el arte romano que existe en el mundo. Wow!
La selección de trabajos desarrollada por la gente de Belser son mostrados por primera vez a un público general.
Y redescubiertos para muchos que no las han visto en años.
La pintura renacentista está representada por Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Rafael y Tiziano principalmente, aunque también destacan Giotto, Piero della Francesca, Sandro Botticelli y Perugino.
Este movimiento fue uno de los más radicales y bellos en toda la Historia del Arte.
La pintura renacentista es un icono en nuestros días, su pintura cultiva la forma y el colorismo y se basa en el arte de Grecia.
Las obras que surgieron en este momento fueron de lo más bello que el hombre ha creado.
El Renacimiento surgió precisamente en Italia así que aquí además de ser la cuna del movimiento, también lo fue de los genios que la volvieron famosa.
Muchas imágenes realmente capturan el interés del libro que también logra hacerse una visión global del arte durante tal época y su desarrollo con los principales maestros y aprendizes.
Interesante, hermoso y gran influencia!
Un arte que merece estar no solo en un libro.
Lo puedes conseguir directamente acá.
Scheidegger & Spiess, editorial alemana, nos hizo llegar un libro hermoso llamado "Schöne Seiten - Jüdische Schriftkultur".
Basandose en una Exposición del año 2011 el libro "Schöne Seiten - Jüdische Schriftkultur"
presenta por primera vez una de las colecciónes más importantes sobre escritura judía en el mundo.
Trabajos realizados a mano durante la Edad Media, escrituras del siglo 13 al 20...hasta cartas de matrimonio encontramos en la colección.
Las imágenes son excelentes. Hay que tomar este punto en cuenta cuando se trata de sacar imágenes o de escanera imágenes.
En este libro es un agrado ver el detalle de cada escritura y la textura del papel sobre el cual está escrito.
Para los interesados en la cultura judía y la vida en el mundo judío Schöne Seiten - Jüdische Schriftkultur abre una ventana muy interesante de 8 siglos de historia escrita.
El coleccionista suiza René Braginsky aceptó mostrar y ofrecer a la editorial su colección para que esta pueda ser reproducida.
Una idea muy noble!
La exposición en su momento viajó desde EE.UU. a Holanda hacia Israel para terminar en Suiza.
Un viaje tremendo que culminó con este hermoso documento.
El libro también incluye no solamente imágenes con el respectivo texto explicativo sino que también ensayos y textos de Evelyn M. Cohen, Elka Deitsch, Gabriel M. Goldstein, Sharon Liberman Mintz, Shalom Sabar, Menahem Schmelzer, Emile Schrijver y Falk Wiesemann.
Nos acaba de llegar de la editorial Schnell und Steiner parte importante de la historia del arte mural en la región de la cordillera de los Alpes en Tirol (Austria/Italia).
"Die romanische Wandmalerei in Tirol" de los autores Helmut Stampfer y Thomas Steppan
trata sobre la pintura mural sobre todo en establecimientos religiosos en la región de Tirol - Südtirol - Trentino lo cual pasaría a ser parte de Italia y Austria.
Un libro muy interesante que nos entrega una vista al mundo románico. Murales que hablan de su importancia y belleza religiosa pero también de una interesante labor artística.
Por primera vez y este es el detalle que hace que el libro sea tan importante, se presentan los murales completos de monumentos religiosos de la región dando así a conocer el desarrollo de la pintura románica en la Europa Central.
Se llama pintura románica en conjunto a la desarrollada en Occidente desde la invasión de los bárbaros hasta mediados del siglo XIII en que empezó la así llamada gótica. Pueden distinguirse en ella varios estilos a semejanza de la arquitectura, destacando los siguientes:
El de imitación bizantina, que en Italia se llamó italo-bizantino
El carolingio, principalmente desarrollado en Francia
El visigodo y mozárabe en España
El románico propiamente dicho, que les sigue
El irlandés y sus afines del Norte, es un estilo separado de los anteriores pero que influye en todos.
El estilo románico propiamente dicho conserva alguna tradición romana aunque muy degenerada y participa más o menos de las influencias bizantinas y de las septentrionales. Sin embargo, no refleja una intención decidida de imitar o copiar los modelos de Constantinopla en lo cual se diferencia del estilo italo-bizantino.
Se manifiesta principalmente en la decoración de muros interiores de iglesias, en pinturas de frontales de altar, en miniaturas o iluminaciones de códices, alguna vez en mosaicos de pavimentos, esmaltes para decoraciones del mobiliario y en algunas vidrieras de colores que empiezan a usarse en su época desde finales del siglo X.
Se caracteriza la pintura románica por el escaso estudio de la naturaleza que revelan sus figuras, por la seriedad y uniformidad de los rostros en la forma humana, por la simétrica plegadura de los paños, por las violentas actitudes que se dan a los personajes al representar una escena y el rígido hieratismo cuando las figuras no han de expresar acciones, por sus contornos demasiado firmes o acentuados y, en fin, por la falta de perspectiva que ofrece la composición en conjunto.
Los procedimientos generalmente seguidos fueron el temple y el fresco para cuadros y decoraciones murales, el temple y la aguada en la pintura sobre tabla y la aguada o acuarela para las iluminaciones de códices.
En la pintura sobre tabla era bastante común el recubrir la superficie con un lienzo pegado a la misma sobre el cual se aplicaban algunas manos de fina escayola y se trazaban en ésta para fondo del cuadro ciertos surcos o rayitas e incluso dibujos en relieve y luego se pintaban las figuras que en muchos puntos aparecen también con resalto.
Fuente Wikipedia.
Un libro que muestra un tesoro que se ha ido perdiendo con el tiempo. Menos mal ahora está bien documentado, fotografiado y analizado.
Die romanische Wandmalerei in Tirol tiene imágenes a color y en blanco y negro de gran calidad.
Para todos aquellos interesados en la vida espiritual y su arte pintado en iglesia y otros establecimientos religiosos el libro es muy recomendable.
Lo puedes encontrar directamente acá.
Con un acercamiento renovado y un nuevo aire la editorial Laurence King presenta su libro emblemático "Art In Renaissance Italy" (Arte renacentista en Italia) en su cuarta edición.
El libro explora el por que las pinturas se realizaron y quienes las pidieron. Palacios, Catedrales, Pinturas, Esculturas...etc.
Un viaje que nos lleva desde Roma, Florencia pasando por Milano, Genova, Padua, Verona, Venecia y Nápoles.
El concepto renacimiento se aplica a la época artística que da comienzo a la Edad Moderna.
El término procede de la obra de Giorgio Vasari "Vidas de pintores, escultores y arquitectos famosos", publicada en 1570, pero hasta el siglo XIX este concepto no recibe una amplia interpretación histórico-artística.
Sin embargo, Vasari había formulado una idea determinante, el nuevo nacimiento del arte antiguo, que presuponía una marcada conciencia histórica individual, fenómeno completamente nuevo en la actitud espiritual del artista
De hecho el Renacimiento rompe, conscientemente, con la tradición artística de la Edad Media, a la que califica, con pleno desprecio, como un estilo de bárbaros o de godos. Y con la misma consciencia se opone al arte contemporáneo del Norte de Europa.
Desde una perspectiva de la evolución artística general de Europa, el Renacimiento significa una ruptura con la unidad estilística que hasta ese momento había sido supranacional.
El Renacimiento supone una nueva forma de entender el arte. Las artes liberales ya no están controladas por los gremios, sino bajo la protección de los príncipes y la burguesía. Nacen, así, los mecenas, como las familias Medici, Rucelli, Tornabuoni o Pazzi.
Aparece la figura del artista genial, por lo que se abandona definitivamente el anonimato. Sin embargo, surge el taller del maestro, que controla el acceso a la profesión de los oficiales y aprendices, y que es quien recibe los encargos de los clientes. Además de la burguesía, la Iglesia y la monarquía serán protectores de los artistas, ya que se descubre el valor propagandístico del arte.
Se establecen tres tipos de relación entre el artista y el cliente: el sistema doméstico, en el que el mecenas acoge en su casa al artista para que trabaje; el mercado, en el que el artista simplemente vende las obra que crea por encargo, y la academia, en el que el artista trabaja para el Estado.
Fuente Wikipedia.
El libro contiene un total de 710 imágenes en 576 páginas. Tremendo!
Un hermoso documento que junto a otros que hemos publicado en KELP.cl no dá cuenta la importancia del arte renacentista para el muralismo, para el arte en general en el mundo.
Gran influencia, grandes maestros. Es cuando comienza el término "artista".
El libro lo puedes encontrar directamente acá.
De la editorial inglesa Princeton (imprenta de la Princeton University Press) nos llega un libro acerca de un genio y gran influencia histórica y mundial para todo lo relacionado con el arte, el muralismo, la arquitectura, la moda, la pintura, la escultura....y la poesía. Así es.
Michelangelo (1475 - 1564), conocido en español como Miguel Ángel, fue un arquitecto, escultor y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica.
Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma, que era donde vivían sus grandes mecenas, la familia Médicis de Florencia, y los diferentes papas romanos.
Triunfó en todas las artes en las que trabajó, caracterizándose por su perfeccionismo.
La escultura, según había declarado, era su predilecta y la primera a la que se dedicó; a continuación, la pintura, casi como una imposición por parte del papa Julio II, y que se concretó en una obra excepcional que magnifica la bóveda de la Capilla Sixtina; y ya en sus últimos años, realizó proyectos arquitectónicos.
"Michelangelo a life on paper" resume la primera parte de toda obra artística: el dibujo y los pensamientos alrededor de la creación.
La capillta Sixtina, la Pietá, el David, el domo de San Pedro...todos aquellas obras monumentales e históricas las encontramos acá en forma de boceto, de idea, de dibujo preliminar con los comentarios de los expertos como el autor Leonard Barkan y el mismo Michelangelo.
Realmente impresionante la capacidad de visión de este personaje y su forma de analizar figura y forma.
Hay pensamientos de Michelangelo de los más simples como notas con respecto al dinero gastado en pollo para el almuerzo, bueyes y un funeral en la misma hoja donde dibujada lo que iba a ser una de las obras de mayor renombre mundial.
Así el libro continúa con pensamientos como "have patience, love me, sufficient consolation" o un dibujo de una Madonna con un niño donde al lado recita un poema que dice: "You have a face sweeter than boiled grape juice, and a snail seems to have passed over it."
Una visión íntima de como el genio Michelangelo se expresaba artísticamente en palabras e imágenes.
"Michelangelo a life on paper" es también algo como la solución a muchas de sus incógnitas acerca de como creó ciertas obras que luego fueron hitos.
El libro se vá dividiendo entre mucha investigación (muy detallista pro lo demás) con las ilustraciones del artista y sus poemas, notas y pensamientos.
Colosal y a la vez muy exquisito!
KELP.cl lo recomienda!
De la editorial DOM Publishers nos llega el último lanzamiento llamado "A Blessing in Disguise".
De los autores Jörn Düwel y Niels Gutschow la temática abordada es esta vez la destrucción de ciudades para poder reconstruir y planificarlas de mejor manera. Suena trágico, lo es...pero en la época era realismo puro.
War and Town Planning in Europe 1940 - 1945 es el subtítulo del libro.
1942 fue el año en donde el crítico sociocultural norteamericano Lewsi Mumford le recomendaba a la Europa bombardeada ocupar el uso de las bombas de forma (no deliberada) sino que de forma pensada y racional para otorgar espacio moderno a la construcción de viviendas.
Si su recomendación fue tomada en cuenta o no, el libro "A Blessing in Disguise" habla sobre la planificación de la reconstrucción de las ciudades bombardeadas y destruidas durante la segunda guerra mundial.
Ya a principios del siglo 20 muchas ciudades europeas fueron críticadas a razón de su falta de salubridad, poca higiene y desorganización en torno a temáticas sociales, económicas y de transporte.
En el libro analizan experto históricos y arquitectos de diversos entornos culturales las visiones que se tenían de ciertas ciudades y muestran en base a documentación y bocetos como se venía pensando en construir ciudades mejor planificadas.
Muy interesante sobre todo por ser una temática bastante poco conocida.
El museo de arte egipcio en München, Alemania está actualmente presentando más de 4000 años del arte de la región del rio Nilo.
Esto lo hace ser uno de los museos con la mayor cantidad de objetos del arte egipcio en el mundo.
La editorial C.H. Beck editó como consecuencia el libro "Das Münchner Buch der Ägyptischen Kunst" (el libro de Munich sobre el arte egipcio).
El libro recopila y nos introduce en el arte egipcio basandose en las obras más importantes de su colección.
Paralelamente son presentadas con un trasfondo histórico para entender su significado.
Es posible hacernos una imágen de lo que era la completa historia egipcia y de sus artistas.
Algo increible por que para lo que nosotros en KELP.cl vemos, los egipcios tuviern y fueron de los primeros en ocupar las murallas para manifestarse.
El libro está lleno de imágenes de la mejor calidad que son divididas según le época.
(entrada al museo de arte egipcio en Munich, Alemania)
Capítulos como la prehistoria (4000-3050 a.C.) o bien la edad nueva (1550-1080 a.C.) son recreadas con la historia de las esculturas.
El libro se basa en su gran mayoría en las esculturas egipcias creadas durante los últimos 5000 años.
Capítulos como la prehistoria (4000-3050 a.C.) o bien la edad nueva (1550-1080 a.C.) son recreadas con la historia de las esculturas.
El libro se basa en su gran mayoría en las esculturas egipcias creadas durante los últimos 5000 años.
Un libro con cualidades de catálogo que es un imperdible para todos aquellos que tienen la oportunidad de visitar la Exposición en Munich.
Para los que no es un manual muy atractivo y bien diseñado para introducirse en el mundo del arte egipcio.
El libro lo puedes encontrar directamente acá.
Les presentamos un libro muy interesante queridos lectores de s
Desde la editorial Zabern no llega el libro "Tarquinia" del autor Stephan Steingräber.
Tarquinia es el nombre a lo que es sin duda la "capital" del muralismo y la pintura de tumbas de la cultura etrusca.
Un lugar que abarca la mas grande exposición de muralismo de la Antiguedad en la época preromana de la zona del Mar meditarráneo.
144 páginas que nos llevan a un viaje por la historia de la pintura etrusca hasta la época moderna.
La cultura etrusca y el libro se concentran sobre todo en la pintura de tumbas, con todos sus significados y colores.
El arquólogo Prof. Dr. Stephan Steingräber se ha dedicado en este libro a presentarnos a una ciudad que durante el siglo IX hasta el siglo VII fue el centro cultural, religioso y económico más importante de la cultura etrusca.
Tarquinia comienza con un viaje por la historia, la topografía y el arte de la ciudad y su entorno en la época etrusca y romana.
Prof. Steingräber nos muestra el casco antiguo de esta ciudad con todos sus monumentos religiosos y sagrados.
El capítulo que a nosotros nos interesa especialmente es la pintura mural en las tumbas. Algunas imágenes las pueden ver en ésta crítica.
Es un documento muy interesante pero muy específico sobre un pedazo de historia mural.
Para los viajeros interesados en la historia, el libro es una verdadera joya.
Puedes conseguir el libro directamente acá.
"Die mittelalterlichen Glasmalereien im Regensburger Dom" (español: El vitral medieval en la catedral de Regenburg) son dos gigantescos libros de la editorial alemana Deutscher Verlag für Kunstwissenschaft con sede en Berlin.
El libro lanzado el año 1987 es historia pura.
Les queremos presentar en KELP.cl un brazo de la expresión sobre paredes pero esta vez con vidrio.
Dejamos la pintura para adentrarnos en el mundo de los vitrales.
En este ejemplo directamente a los increibles e históricos vitrales de la catedral de Regensburg, Alemania.
De la autora Gabriela Fritzsche y con la ayuda de Fritz Herz los dos libros:
1. El primer libro trata de los principales vitrales de la catedral con un exhaustivo análisis de su contenido, historia y significado.
2. El segundo libro nos muestra el anexo. Esto son los vitrales perdidos y poco o nada vistos por la sociedad. Es un mundo a descubrir al hojear cada página. Realmente increible.
La catedral de Regensburg ha sido por más de 300 años patrimonio nacional. Sin embargo, sorprende que hasta la década de los ochenta no hubo ninguna investigación completa que tratase de los vitrales de la catedral. Un análisis arqueológico e histórico de las más de 1100 ventanas coloridas de la catedral.
Con los dos libros se fueron abarcados los vitrales en su totalidad obteniendo así la oportunidad de primero verlos todos por primera vez, pero también de examinar las relaciones pictóricas entre los vitrales.
La mayor parte de los vitrales son del siglo 14!
Con el libro "Die mittelalterlichen Glasmalereien im Regensburger Dom" tenemos un documento de gran valor en nuestras manos que podemos recomendar para todo aquél interesado en el mundo de los vitrales, del trabajo con la luz y el vidrio.
Vemos hoy en día también un paralelo con el arte urbano (graffiti) ya que existen muchos murales que retoman el arte de los vitrales plasmandolo sobre muros.
Son dos libros con en total más de 600 páginas.
Muy recomendable!
Ambos libros los puedes conseguir directamente acá.
Queridos lectores de KELP.cl, tenemos el honor de presentarle un magno documento de la historia del muralismo.
Es realmente una gran y linda oportunidad de hojear el libro "Wandmalerei in Italien" o bien "Pintura mural en Italia" que corresponde al último libro de una serie de cinco libros sobre la pintura mural italiana desde el año 1280 durante la época de Giotto.
Desde la Edad Media hasta el siglo 19.
Los grandes maestros del muralismo los encontramos acá.
No estoy hablando de muralismo méxicano ni muralismo contemporáneo. Acá estamos hablando de la pintura de frescos que fueron realizados durante el siglo 17 hasta el siglo 19 en Italia.
Por primera vez se muestra una visión global de la pintura barroca y la pintura mural en gran escala.
Obras monumentales y sagradas de fama mundial son presentadas con imágenes sacadas especialmente para este libro.
Nos son presentadas obras nunca antes vistas de los maestros barrocos, que como pueden ver en la imágenes posteriores son un estímulo visual e intelectual enorme.
Steffie Roettgen junto a la editorial alemana Hirmer sacaron el año 2007 este libro ilustrado que comienza con la primera fase de obras barrocas romanas de la escuela de Carracci.
Michelangelo Buonarroti - La caiuda de Phaethon (croquis y pintura)
Nos dejamos llevar por un camino lleno murales con gran significado religioso, hermosos en su desarrollo y de proporciones casi inimaginables (hay que pensar que gran parte de los murales fueron pintados en el techo, de espalda!)
El libro se divide en 22 ciclos y tiene como fin presentar y tematizar la pintura barroca desde los principales centros culturales de la época (Genova, Nápoles, Florencia, Roma, Boloña y Turín).
Pintura mural en la iglesia de S. Ignazio en Roma
Para todos aquellos que disfrutan tanto del arte como nosotros en KELP.cl, especialmente del arte del muralismo, el libro "Pintura mural en Italia 1600-1800" lo recomendamos al 100%.
Un documento histórico que les hará ver como siglos antes de que el graffiti tomara las paredes de la ciudades se practicaba el muralismo en Italia de forma muy intensa.
Si bien con una connotación muy diferente (religiosa-sagrada) podemos tirar paralelos a nuestra época contempránea.
"Wandmalerei in Italien" (Pintura mural en Italia) lo puedes conseguir directamente acá.
Tesoros de arte caligráfico: La magia de la caligrafía islámica
"The Aura Of Alif: The Art of Writing in Islam"
A partir de la "Alif", la primera letra del alfabeto árabe que simboliza la belleza divina y la exploración de las cualidades estética de la caligrafía, este libro presenta las intenciones simbólicas de la escritura en la religión y poesía musulmana.
The Aura of Alif o el Aura de Alif es un libro editado por Prestel, que ideal para introducirse en el arte de la caligrafía arábica y de entender lo que se encuentra detrás de tan hermosos textos y/o dibujos.
El autor Dr. Jürgen Wasim Frembgen es el encargado del departamento oriental del Museo Estatal de Etnología de Munich además de ser profesor de estudios islámicos. Osea todo un experto en la materia que ha pasado mucho tiempo en lugares como Pakistán y el Medio Oriente para investigar y documentar el arte de la caligrafía arábica.
A diferencia de por ejemplo la caligrafía china, la caligrafía islámica (arábica) no ha gozado de tanto aprecio en la cultura occidental como una forma de arte. En el último tiempo y sobre todo con The Aura Of Alif se le ha dado este espacio de reconocimiento.
La Escritura islámica es una clave para la comprensión de las cultura musulmana - un vínculo esencial entre los diversos mundos del Islam. En el libro aparte del riguroso análisis histórico cultural de la caligrafía islámica, se nos presentan un sinfin de imágenes simbólicas de la escritura, la religión, la magia y poesía. Naturalmente con su traspaso en papel, piel, paredes, cerámica, metal, piedra, cuero, tela y un sinfin de soportes. Una diversidad asombrosa de arte popular, cotidiano y a su vez divino. Una expresión artística de la vida.
The Aura Of Alif con sus sobre 250 páginas a todo color e imágenes de excelente calidad y exclusivas sorprende.
¿Que tiene que ver el graffiti en todo eso? Simple, el graffiti es una corriente artística, una cultura urbana netamente occidental (que lentamente está desarrollándose en Asia y el Medio Oriente). La caligrafía islámica es por excelencia la manifestación de la religión musulmana en cuanto a tipografía o expresión urbana nos referimos. La tempera....reemplaza al spray. La caligrafía musulmana tiene un trasfondo y una historia que se remonta a siglos antes de que apareciera el spray y por consecuencia el graffiti.
La idea acá es abrir nuestro horizonte regional y ver que es lo que hay en otras regiones del planeta y como se ha estado desarrollando una cultura caligráfica en paredes y otros soportes.
Graffiti Asia, caligrafía musulmana, arte prehistórico, caligrafía china, etc....por ese camino vamos. Y es lo que The Aura Of Alif nos enseña. Nos introduce a un alucinante mundo caligráfico que se debe leer de derecha a izquierda ;)
The Aura of Alif lo puedes encontrar acá....
KELP
