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De la editorial alemana Prestel nos llega una de sus últimas publicaciones titulada Banksy de la autora italiana Alessandra Mattanza.
Banksy
es el seudónimo de un grafitero británico. Estuvo en el documental
llamado "Salida por la tienda de regalos" pero se desconocen otros
detalles de su biografía.
Según
un estudio de la Universidad Queen Mary de Londres, publicado en marzo
de 2016, Banksy podría ser un hombre llamado Robin Gunningham.
Fuente: Wikipedia.a
Estamos
frente a uno de los fenómenos mas grandes que el street art ha arrojado
en los últimos quizás 15 años.
Un artista callejero inglés que nadie
conoce y que irrumpe en la escena del arte urbano como una bomba.
Sus
diseños, sus conceptos y sobre todo como esto lo plasma de manera
ilegal sobre muros, ha fascinado a millones de personas.
A tal punto que
sus obras (de las pocas que hay como cuadros) son subastadas y
transadas por muchisimo dinero.
Pero el core se mantiene. La calle.
Banksy en esta edición de la editorial alemana es una monografía que retrata el desarrollo del arte del artista a la fecha.
Están
todas las obras que ya conocemos, algunas nuevas. De buena calidad y
layout que es necesario destacar.
Hemos visto varios libros sobre Banksy
de procedencia dudosa y la calidad deja mucho que desear.
No es el caso
en esta edición que está impecable.
El libro comienza con la pregunta: Que es Banksy?
De esta forma Banksy
estudia al artista, su obra, sus origenes, su posición política y
social como sobre todo analiza sus obras llenas de ratones, niños y
simios.
Interesante es además el ensayo sobre la improvisación y todas las obras de Banksy.
Si quieres saber mas de este personaje, de su obra y leer más sobre lo que hay detrás de las cortinas Banksy es recomendable.
Es el arte que tiene prioridad y donde debemos enfocar
nuestra energía.
Banksy lo puedes encontrar directamente acá.
De la editorial alemana Kerber
nos llega una de sus últimas publicaciones titulada Christo
and Jeanne-Claude
Más de 160 páginas sobre una de las parejas de artistas más emblemática de la Historia.
Este libro-catálogo sobre la Exposición en el Palais Populaire de Berlin se convierte al mismo tiempo en un hermoso recuerdo de la trayectoria de Christo, quien en paz descansa.
Christo
and Jeanne-Claude es un libro que resume el trabajo de la pareja desde el año 1963 hasta el año 2020. Ahora muestra los trabajos de la colección de Ingrid y Thomas Jochheim quienes prestan obras privadas para el goce de la mayoría.
Christo (Bulgaria) y Jeanne-Claude (Marruecos) conformaban un
matrimonio de artistas que realizaban instalaciones artísticas
ambientales. Se caracterizan, principalmente, por utilizar
tela para envolver gigantescos edificios o cubrir extensas áreas públicas.
Han realizado sus instalaciones en diferentes países como el Reichstag en Alemania en 1995 y el Puente Nuevo en París en 1985.
En
idioma alemán e inglés el libro es un camino a la vez desde los
primeros objetos envueltos del artista en el lejando 1963 como paquetes
de revistas a todo tipo de ideas para envolver. Litorales, Valles, un
Cerco, los bordes de Islas, m2 con Quitasoles...la verdad es alucinante
el universo de ideas que manejaban.
Lo interesante de Christo
and Jeanne-Claude es que mas que mostrar el trabajo final en cada
caso, muestra los bocetos finales. a veces preliminares que pasan a ser
verdaderos cuadros.
Y en cada caso, es la guinda de la torta es el texto que acompaña los trabajos, revisando anécdotas, detalles y su creación.
Christo
and Jeanne-Claude lo puedes encontrar directamente acá.
De la editorial alemana Kerber
nos llega una de sus últimas publicaciones titulada
Andy
Warhol Death and Disaster que es además el catálogo para la Exposición en la Kunstsammlung de Chemnitz, Alemania.
Un documento sobre un artista archiconocido por todos nosotros, sobre todo pensando en influencias para el arte Pop y Contemporáneo.
Andy Warhol creó una serie de obras de arte con un acto distintivo de discrepancia, al que llamó Death and Disaster.
Son imágenes monocromáticas o bien b/n que muestran todo el espectro de trabajo del artista utilizando la repetición comunicar sus ideas.
Cabe destacar que es la primera
Exposición en Europa sobre este tema de Warhol que muestra a la muerte
como frontera dura. Camino contrario a lo que muchas religiones tratan
de incluir en su discurso: ablandar la muerte.
Death and Disaster
incluye trabajos bastante fuertes sobre catástrofes naturales,
accidentes de autos, suicidios, gráficas de los 10 hombres más buscados,
la silla eléctrica, etc.
Las imágenes y el trabajo gráfico detrás hablan el mismo idioma.
Fuente: Wikipedia.
Muchas veces como recortes de diarios, la fuente principal de inspiración de Warhol, en Death and Disaster también vemos un retrato de la década de 1960. Época plagada en USA de noticias trágicas y de desastres.
Es
un libro que conmueve, no solo por el tema pero también por como el
artista lista a través de la réplica de una imágen un resultado que
agranda la tragedia.
Personalmente me
gusta bastante la obra de Warhol y justamente el replicar continuamente
una imágen tiene como efecto dejarla inscrita en la mente del lector.
Absoluta eficiencia comunicacional.
De la editorial alemana Prestel nos llega el libro del año, tan simple como eso.
Titulado "Graffiti XXL" este libro monumental es la más pura y clara publicación que hemos recibido respecto al graffiti en los últimos años.
Me refiero en este caso a graffiti en proporciones de murales en grandes tamaños (no se incluyen trenes, ni otro tipo de superficies)
ECB
Teniendo esto en mento Graffiti XXL es lo que en los últimos años hemos visto, el mejor ejemplo para quedaro boquiabiertos.
Murales de tamaños que van por sobre los 700m2 y en altura sobre lo 70m2 son parte del menu que ofrece el libro.
De la autora Claudia Walde, mas conocida como la grafitera MadC es una artista alemana reconocida a nivel mundial con pinturas en más de 35 países logramos una vista muy exclusiva de los trabajos de los artistas seleccionados.
Teniendo esto en mento Graffiti XXL es lo que en los últimos años hemos visto, el mejor ejemplo para quedaro boquiabiertos.
Murales de tamaños que van por sobre los 700m2 y en altura sobre lo 70m2 son parte del menu que ofrece el libro.
De la autora Claudia Walde, mas conocida como la grafitera MadC es una artista alemana reconocida a nivel mundial con pinturas en más de 35 países logramos una vista muy exclusiva de los trabajos de los artistas seleccionados.
Case
Con más de 190 páginas a todo color Graffiti XXL es un libro que engloba y finalmente muestra como el graffiti se ha convertido en un fenómeno completamente mundial y de grandes proporciones.
No solamente por los m2 pintados, sino que también por su importancia al momento de ser usado como elemento distintivo y de voz en el contexto urbano.
Antes reconocidos o vistos como secreto a voces por la comunidad grafitera, los murales en formatos XXL, que naturalmente son de un trabajo agotador y profesional por sus características logísticas, están generando cada día más adeptos y fanáticos.
Con más de 190 páginas a todo color Graffiti XXL es un libro que engloba y finalmente muestra como el graffiti se ha convertido en un fenómeno completamente mundial y de grandes proporciones.
No solamente por los m2 pintados, sino que también por su importancia al momento de ser usado como elemento distintivo y de voz en el contexto urbano.
Antes reconocidos o vistos como secreto a voces por la comunidad grafitera, los murales en formatos XXL, que naturalmente son de un trabajo agotador y profesional por sus características logísticas, están generando cada día más adeptos y fanáticos.
Etam Crew
Y lo mejor de todo, también haciendo partícipes a los vecinos de los lugares donde se pinta. Ej.: ECB que pinta los rostros de personas que viven en el lugar que pinta.
El trabajo de 30 artistas es presentado en Graffiti XXL. Entre ellos encontramos a
Y lo mejor de todo, también haciendo partícipes a los vecinos de los lugares donde se pinta. Ej.: ECB que pinta los rostros de personas que viven en el lugar que pinta.
El trabajo de 30 artistas es presentado en Graffiti XXL. Entre ellos encontramos a
- Case de los MaClaim
- El Mac
- DaLeast
- Inti
- Faith47
- Faile
- Conor Harrington
- How&Nosm
- Herakut
Herakut e Inti
Muy recomendable!
El regalo ideal para todo fánatico del arte del graffiti, del street art y del arte urbano.
El libro Graffiti XXL lo puedes encontrar directamente acá.
Muy recomendable!
El regalo ideal para todo fánatico del arte del graffiti, del street art y del arte urbano.
El libro Graffiti XXL lo puedes encontrar directamente acá.
Directamente del artista Grin nos llega su primera publicación titulada "Pintura Grin". Un documento único con un tiraje limitado que estoy seguro pronto obtendrá estado de documento de culto.
Grin es un pintor de graffiti chileno que en Chile ha influenciado a toda una generación con su arte. A fines de los 90 y principios de siglo, en pleno apogeo de la actividad en Chile, su reconocido Tag, era visible no solo en gran parte de Santiago sino de todo el país.
Este libro es una selección y recopilación realizada por el mismo artista, en un proyecto 100% de autogestión, que revive sus mejores trabajos a la fecha. Tanto en muros como en cuadros.
Obras tanto particulares como en colaboración con otros pintores como la DVE, Os Gemeos, Inti, Kelp, Saile para nombras algunos.
Lo lugares no podrían ser más diversos que obviamente el grueso se trabajo se encuentra en Santiago de Chile. Pero Valparaiso, Arica, Marsella (Francia), Barcelona (España) o Paris (Francia) han sido estaciones que forman parte de esta selección.
Personalmente he sacado varias fotos de trabajos de Grin desde 1998 en adelante. Gran parte de esos muros los encuentras acá. Los clásicos de Plaza Italia, en La Reina, en Av. Santa Isabel o bien en Bellavista o el Bellas Artes están presentes. También las pinturas del Rio Mapocho, las colaboraciones con su Crew DVE.
Por otro lado el artista presenta una selección de cuadros, que mantienen el mismo estilo y reflejan claramente los lugares o inspiración que tuvieron: Papudo, Edificio, Laguna, Fuego, America, Oriente-Poniente.
Pintura Grin es un gran libro sobre un artista cuyo estilo influenciado por su actividad como Arquitecto, es un ícono y a la vez leyenda viviente del arte urbano chileno.
Muy recomendable.
Pintura Grin lo puedes encontrar directamente en la Tienda Otra Vida acá.
De la editorial alemana Prestel nos llega una de sus últimas publicaciones titulada Hokusai:
Thirty-six Views of Mount Fuji de la autora Amélie Balcou.
Quizás
muchos de ustedes estimados lectores conocen a Hokusai por el grabado
de la ola. Para los que no....Katsushika Hokusai, conocido simplemente
como Hokusai fue un pintor y grabador japonés.
Es uno de los principales
artistas de la escuela conocida como «pinturas del mundo flotante».
Hokusai:
Thirty-six Views of Mount Fuji es un documento sumamente hermoso que
resume 36 vistas del monte Fuji en Japón ilustradas y grabadas por el
artista: técnica de xilografía.
Entiendo que este libro además es una selección de la obra más destacada del artista en donde prevalece obviamente su gran "ola de Kanagawa". Todo un clásico que hasta en algun punto hace años ocupe como inspiración para pintar un mural junto a Stik en Santiago.
Son
placas originales que fueron reproducidas para imrpesión.
Claramente de colección!
Hokusai:
Thirty-six Views of Mount Fuji incluye, y esto me gustó
mucho, un folleto separado con todas las explicaciones sobre las
xilografías representadas. Quiere decir, las ficha técnica y si
signficado. Perfecto!
De la editorial alemana Prestel nos llega una de sus últimas publicaciones titulada Berge
- Das Magnum Archiv.
La agencia Magnum Photos es una agencia
internacional de fotografía, con oficinas en Nueva York, París, Londres y
Tokio. Fundada en 1947 por los reporteros de guerra Robert Capa, David
Seymour "Chim", Henri Cartier-Bresson, George Rodger, Bill Vandivert,
Maria Eisner y Rita Vandivert.
Por primera vez eran los propios
fotógrafos los que tenían sus derechos, pues hasta entonces la empresa
que compraba las fotografías las podía usar siempre que deseara sin
pagar más a los fotógrafos.
Fuente: Wikipedia.
Fuente: Wikipedia.
Por
otro lado, Magnum fue una iniciativa que permitía a los fotógrafos una
relativa independencia en la elección de los temas a documentar, su
edición y su publicación, procesos que en la Agencia Magnum estaban en
control de los autores y no de los medios de prensa, como sucedía con
los fotógrafos contratados por diarios y revistas de la época.
Habiendo dicho esto Berge
- Das Magnum Archiv las fotografías de esta agencia son alucinantes:
estilos de vida, guerras, pobreza, crímenes, naturaleza y en este caso
la montaña.
Nathalie Herschdorfer, Annalisa
Cittera, Pietro Giglio han recopilado un hermoso documento con lo más
fascinante del mundo con fotógrafos como Alex Webb, Richard Kalvar, Bruce Gilden, Martin Parr, Robert Capa, Inge Morath, Rene Burri, Stuart Franklin y
Steve McCurry.
Son muchisimos mas para deleitar la vista.
Hemos presentado varios libros sobre cerros, cordilleras, montañas a ustedes estimados lectores y con Berge
- Das Magnum Archiv no nos liberamos de esta fascinación.
Imagínense una selección de las mejores imágenes desde 1947 de una de las agencias de fotografía más prestigiada y reconocida en el mundo: resultado?
Una pequeña Introducción de una de las autoras deja el camino libre para retratar esta iconografía alpina...tratándo de no agotar un tema bastante masticado.
Sin embargo desde
el Himalaya hasta la Cordillera de los Andes. Nadie escapa al atractivo
de estos elementos de la Naturaleza una y otra vez!
Chile incluido!
Tremendo viaje por las alturas con imágenes desde lo alto y lo bajo. De las rocas y de la gente como también los animales.
Hermoso,
poderoso y de gran ojo fotográfico. Acá hablamos de los best seller de
la fotografía. 240 páginas = 180 ilustraciones en color, 50
ilustraciones en blanco y negro
Wow!
De la editorial alemana Kerber
nos llega una de sus últimas publicaciones titulada
A Sculpture Retrospective sobre el artista Robert Indiana.
Un libro que viene en marco de una hermosa Exposición sobre el trabajo del artista. Un VISIONARIO. La Exposición que fue abierta el 2018 en la Galeria Albright-Knox (en Buffalo, Nueva York) ofrece junto a este libro la posibilidad de redescubrir Indiana.
Robert Indiana fue un pintor estadounidense y un importante representante del Pop Art y el arte de señales. Indiana se hizo conocido por sus llamativos dibujos, que se encuentran entre las expresiones más radicales del Pop Art.
Sus otras obras de números, letras y estrellas de cinco puntas parecen tan simples como el AMOR de Indiana con sus letras L y O, incluidas V y E, en los colores rojo, azul y verde, que creó en 1966.
A
Sculpture Retrospective es su monografía principal que la editorial ha lanzado para conmemorar la vida y obra de este fenomenal artista.
Una hermosa Introducción de Janne Sirén con Ensayos de Aaron Ott, Robert Hobbs o Simon Salama entre otros, el libro es además un documento que refleja el estado del arte en USA.
Pop Art ya todos sabemos estimados Lectores por algunos libros presentados al respecto, que tuvo un gran impacto y su principal apogeo en USA, sobre todo en ciudades como Nueva York. Indiana por su parte logró traspasar fronteras y generar un trabajo sumamente diverso. Es lo que rescato por sobre todo, básicamente por que su trabajo democreatizó.
Ver: Love Park.
Ver: Love Park.
En lo personal Robert Indiana fue una gran influencia por lograr crear con sus esculturas (principalmente) obras sumamente reconocibles y casi simbólicas. Combinando las letras, los números logra generar resultados que todos entiendes.
Resultados democráticos de arte que gustan.
Una buena diversidad de trabajos como esculkturas en madera, bronce, aluminio policarbonado, pinturas, trabajos en papel, instalaciones, etc ofrecen realmente una mirada antes no vista sobre el gran trabajo de Indiana.
La inclusión de colores saturados terminan por pulir una obra extraordinaria.
A
Sculpture Retrospective nos muestra una gran cantidad de obras desde sus primeros intentos/ensamblajes hasta sus últimos trabajos realizados hasta muy poco antes de fallecer.
A
Sculpture Retrospective lo puedes encontrar directamente acá.
De la editorial alemana Prestel nos llega una de sus últimas publicaciones titulada Alpen.
Die Kunst der Panoramakarte. Es uno de los libros que seguramente estarán en los top 10 del 2019.
Realmente fascinante tanto por la temática como por y sobre todo la representación del contenido.
Hablamos
de un libro que entrega pistas sobre el gran trabajo realizado en las
últimas 70 décadas por los artistas: Berann, Vielkind, Novat y Heinz
Matthias principalmente relacionado a retratar los Alpes desde el aire.
Retratos
con fines de representar en detalle valles, pueblos, cumbres, valles,
lagos, andariveles y muchos más espacios que un mapa no te puede dar.
Nos
son mapas, hablamos de representaciones que deliberadamente ponen en
primer plano lo que el artista o quien encarga el trabajao quiere.
De esta manera el libro Alpen.
Die Kunst der Panoramakarte se convierte en un monumental trabajo para todo amante de los Alpes y del Arte.
Todas
las panorámicas son dibujadas a mano, teniendo como referencia
antiguamente mapas y experiencias propias en la montaña. Hoy en día
imágenes aéreas que hacen ser el trabajo más exacto.
Alpen.
Die Kunst der Panoramakarte además se convierte en un libro que
genera un hermoso documento de pruebas para registrar los cambios
climáticos en los cerros y las montañas.
Alpen.
Die Kunst der Panoramakarte como tal solamente tiene un Ensayo como
Prólogo de Tom Dauer (pág. 3) para después en más de 190 páginas
dedicarse por completo a los panoramas.
Tanto en Invierno como en Verano.
Mapas panorámicos desde la década de 1950 hasta la actualidad de todas
las regiones alpinas. Como dice el libro:
Originalmente pensada como base para mapas de esquí, estos panoramas se
convirtieron en obras de arte independientes que evocan recuerdos de los
grandes mapas de mapas en lecciones de geografía de representantes de
la generación anterior y abren una perspectiva completamente nueva sobre
los siguientes nativos digitales.
»Un libro ilustrado muestra el esplendor de los mapas panorámicos y su bello arte de manipulación.«
Darmstadt Echo (14 de octubre de 2019)
Panoramas
sumamente complejos como Kaltern (pág. 108-109) o Monte Salvatore (pág.
130-131) son fiel reflejo de un acusioso trabajo previo y muchisima
disciplina en el detalle exacto. Sin desmerecer la obra artística como
tal con sus atractivos. Por ejemplo el cielo!
Es cautivante!
Para todo aquel estimados Lectores que este fascinado con estos Mapas (acá en Chile un tal König ha hecho algo similar), este libro habla de los pioneros y de los grandes maestros.
Imperdible y MUY recomendable el arte del mapa panorámico!
Alpen. Die Kunst der Panoramakarte lo puedes encontrar directamente acá.
De la editorial Ocho Libros nos llega una de sus últimas publicaciones titulada Arpilleras.
Hilvan de memorias.
El colectivo Memorarte Arpilleras Urbanas, un legado de lucha social. Con este subtítulo abrimos un hermoso libro que con sus sobre 150 páginas a todo color presenta una actividad que estoy seguro no muchos conocen.
Hablamos de mujeres que se atrevieron a bordar lo que se vivía en Chile durante la dictadura...y de aquellas que lo hacen hasta el día de hoy.
Una disciplina fascinante.
El Bordado es un arte que consiste en la ornamentación por medio de hebras textiles, de una superficie flexible, generalmente una tela.
Los hilos que se emplean en el bordado pueden ser los mismos que sirven para el tejido, aunque no necesariamente, pues depende del tipo de bordado, pero sobre todo se utilizan los de algodón, seda, lana y lino, todos con variados colores y los de plata y oro con las formas diferentes que se adoptan en tejeduría. Con ellos, se ensartan a veces gemas, perlas, abalorios y lentejuelas metálicas, a lo que se conoce como bordado con pedrería.
Fuente: Wikipedia.
Para ponernos en contexto Arpillera es el nombre con que se conoce a la pieza textil gruesa y áspera fabricada con diversos tipos de estopa (de cáñamo o de yute), que suele utilizarse como elemento cobertor, y en la fabricación de sacos y piezas de embalaje.
Arpilleras.
Hilvan de memorias es como en esta serie de libros de la Editorial, un documento histórico que en sus 11 capítulos, divididos en 3 grandes categorías
- El inicio de las arpilleristas y su obra en Chile
- Memorarte: bordar para incidir
- Sobre las integrantes
logra cautivar y entender el por que de esta actividad ha generado tanto interés y se ha mantenido a través de los años.
Personalmente tengo algunos de estos trabajos de familiares y amigos en casa. Ahora entiendo el contexto!
Muchos de los bordados fueron realizados en base a titulares de diarios, a imágenes, a relatos de la cruda situación por la que pasaba Chile. Representaciones de escenas cotidianas, situaciones donde se vulneraban los Derechos Humanos, mensajes de paz y de diálogo. Una actividad que mas bien doméstica (por el contexto de la época).
Desde la editorial alemana Hatje Cantz nos llega una de sus últimas publicaciones titulada
Jean-Michel Basquiat fue un artista, poeta, músico, dibujante y pintor estadounidense.
Su preocupación por transmitir en su pintura la problemática de doble pertenencia a minorías étnicas, la afroamericana y la latina, si bien es elemento recurrente de su narración pictórica, nunca se sometió a intencionalidades mensajísticas condicionadoras.
Su preocupación por transmitir en su pintura la problemática de doble pertenencia a minorías étnicas, la afroamericana y la latina, si bien es elemento recurrente de su narración pictórica, nunca se sometió a intencionalidades mensajísticas condicionadoras.
Jean-Michel Basquiat,
utiliza con frecuencia la imaginería 'negra', pero al mismo tiempo
siempre demuestra su ansiedad por someterla a claros acentos de
universalidad.
Basquiat se convirtió en prototipo del genio romántico,
atractivo, rebelde, hip y salvaje y, a la vez, en el profesional ansioso
de celebridad y dinero, en la última de las estrellas del universo
rutilante de Andy Warhol.
Fuente: Wikipedia.
Fuente: Wikipedia.
Jean-Michel
Basquiat Xerox en este sentido es el primer estudio exhaustivo del sorprendente material realizado y creado en base a copias de Xerox como principal método creativo.
Como dice el libro "estas inquietantes pinturas con collages de Xerox demuestran el extraordinario talento de Basquiat para el lenguaje visual. Sus composiciones en bruto y de superficie completa incluyen personajes e inscripciones reciclados y transformados de su vida cotidiana, incluidos motivos de obras anteriores."
Recordemos que Jean-Michel Basquiat (1960-1988) es uno de los pintores más importantes del siglo XX naciendo del graffiti dejando a temprana edad más de 3.000 obras.
Apadrinado por Andy Warhol, Basquiat comenzó dejando su huella como grafitero en el Subway de Nueva York para después pasar por el Street Art con todas sus disciplinas.
Este catálogo, publicado junto con la gran retrospectiva del Museo de Arte Moderno de Lugano, ofrece una excelente visión general de la vida y obra de Basquiat.
Un gran artista, con trabajos sumamente frescos que nos tuvo que dejar a temprana edad pero que inspiró a muchisimos artistas.
Muy recomendable!
Jean-Michel
Basquiat Xerox lo puedes encontrar directamente acá.
De la editorial Triangle Books nos llega una de sus última publicaciones titulada Gaudí
y el trencadís modernista de los autores Mireia Freixa, Marta Saliné, Ricard Pla y Pere Vivas.
Sublime!
Gaudí
y el trencadís modernista a quien todos problablemente conozcamos si
hemos estado visitando Barcelona o interesados en Arquitectura ha
dejado un tremendo legado construido, gran parte de aquel en la capital
de Catalunya: BCN.
Este hermoso documento es una
Investigacón al uso del Trencadís por Gaudí y básicamente su reinvención
y aplicación a sus obras.
El trencadís (término de la lengua catalana que podría traducirse como
troceado o 'picadillo') es un tipo de aplicación ornamental del mosaico a
partir de fragmentos cerámicos --básicamente azulejos-- unidos con
argamasa; muy habitual y característico en la arquitectura modernista
catalana.
Fuente: Wikipedia.
Gaudí
y el trencadís modernista con sus casi 200 páginas a todo color nos
acerca e investiga profunamente este Arte.
Hablamos de 6 capítulos en
donde el trencadis se va desmenuzando para lograr entenderlo siempre en
un marco que se relaciona con Atoni Gaudí. Su gran maestro.
El
mosaico en donde el trencadís se considera su hermano menor se ve
fielmente rpresentado en este libro explicando que se trata en este
ultimo la utilización de material desechable además de fragmentos de
platos y tazas de café de loza
blanca de diversa procedencia o bien baldosas de
cerámica.
Alucinante sobre todo el detalle del as imágenes y los trabajos realizados. Ver pág. 125 o 166.
Clásico del turismo y mejor dicho del trabajo de Gaudí pre turismo como el Palau Guell o la Sagrada Familia son trabajados en Gaudí
y el trencadís modernista con el máimo detalle.
Una disciplina o método de aplicación que a Gaudí le premitía lograr sus objetivos.
Y
a tono personal se destaca de su competencia pero sobre todo le dá ese
tono lúdico a sus trabajos. Tono similar que veo en los trabajos de
Hundertwasser en Alemania.
Una técnica memorable
que está profundamente arraigada en el corazón de los fans gaudinianos y
los habitantes de esta hermosa ciudad.
Excelente y recomendable!
Gaudí y el trencadís modernista lo puedes encontrar directamente acá.
Desde la editorial alemana Hatje Cantz nos llega una de sus últimas publicaciones titulada
Keith Haring. En relación a la actual Exposición este libro actualiza la obra y vida de este tremendo artista americano en su corta trayectoria.
Keith
Haring intentó combinar en su obra el arte, la música y la moda,
rompiendo barreras entre estos campos.
La típica iconografía de sus
sencillos dibujos incluye animales y figuras danzando, perros, bebés
gateando, pirámides, televisores, teléfonos y platillos volantes.
Artistas como Haring buscaban hacer imágenes que fueran accesibles,
sencillas y lo suficientemente genéricas para que pudieran ser aceptadas
por cualquiera sin intervención crítica.
Fuente: Wikipedia.
Keith
Haring es un libro que explora su legado haciendo los paralelos a la vida y obra como el entorno de Haring.
Fuerte hincapie en
temas que determinaron su vida: la crisis del SIDA, la Guerra Fría, el
racismo, los excesos del capitalismo y la destrucción del medio
ambiente.
Keith Haring fue un artista y activista social cuyo trabajo refleja
el espíritu de la generación pop y la cultura callejera de la Nueva
York de los años 1980. Nacimiento, muerte, amor, sexo, guerra, son temas
recurrentes en sus obras.
Haring rapidamente consiguió romper paradigmas y hacerse famoso por sus coloridas pinturas, dibujos, esculturas y murales.
Genial
Keith Haring lo puedes encontrar directamente acá.
De la editorial alemana Prestel nos llega una de sus últimas publicaciones titulada Goethe.
Verwandlung in der Welt.
Un artista
extremadamente versátil.
Un libro que realiza intensamente preguntas
sobre la realidad enfocados a la capacidad de observcación de Goethe.
Johann
Wolfgang von Goethe fue un
poeta, novelista, dramaturgo y científico alemán, contribuyente fundamental del
Romanticismo, movimiento al que influyó profundamente.
Su obra, que
abarca géneros como la novela, la poesía lírica, el drama e incluso
controvertidos tratados científicos, dejó una profunda huella en importantes
escritores, compositores, pensadores y artistas posteriores, siendo
incalculable en la filosofía alemana posterior y constante fuente de
inspiración para todo tipo de obras.
Fuente: Wikipedia.
Siglo de grandes cambios
donde la ciencia y la economía se retroalimentarían, esta última
sufriendo dos fuertes revoluciones industriales y burguesas y la
filosofía da la bienvenida a e.o. el idealismo absoluto, el
materialismo, el nihilismo y el nacionalismo.
Tanto
el libro como su exposición abarcan tanto su trabajo pero creo que
principalmente la conexión de este en el contexto de la época.
Sus
cambios en la vida de Goethe que llevaron a sus obras más importantes.
Lo interesante en este punto es que Goethe.
Verwandlung in der Welt nos invita a relacionar ese enfoque con los
tiempos actuales en donde eventos culturales, sociales son de gran
importancia en el tiempo.
Goethe.
Verwandlung in der Weltt es una exploración hacia el interior de
nosotros mismos. Es lo que en definitiva Goethe también lograba con su
obra.
Un mirar el entorno para entenderse y el lugar que donde estamos
viviendo.
Revolucionario y clasico de un observador crítico!
Goethe. Verwandlung in der Welt lo puedes encontrar directamente acá.
De la editorial sueca Dokument nos llega una de sus últimas publicaciones titulada The
Rap Quotes Coast to Coast del autor Jason Shelowitz.
Tremendo documento que se mandó Dokument.
En The
Rap Quotes Coast to Coast hablamos de la idea del autor de traspasar
lo que había iniciado con una cuenta en Twitter hacia la calle. Donde
está el suceso de los hechos y donde el Rap tiene su casa.
The Rap Quotes Coast to Coast es un libro que se enfoca en una idea genial. Traspasar hacia carteles algunas de las citas más importantes, claves o divertidas que raperos han grabado en sus canciones.
Tan simple como eso, pero tan genial a la vez.
Hablamos de un proyecto para colocar estos
carteles en Nueva York en un principio pero dado al éxito que tuvo el
autor rápidamente fue viajando a otros lugares, siempre en EE.UU.
Atlanta, Philadelphia, Los Angeles y Houston en Texas.
Es enorme la cantidad de carteles que han atornillado a postes o paredes. Más de 400!
Con hermosos planos de las ciudades en
donde puedes encontrar estos carteles el libro da inicio a cada ciudad
con un resumen de los versos en cada cartel. Buena solución.
Casi 100 páginas a todo color impreso en formato 18x21cm que me gustó mucho y logra entrar en la categoría de libros de culto.
Una idea diferente, apropiada, bien desarrollada y con mucho margen de crecimiento.
Desde
el 2013 que viene creando este proyecto el autor y creo que la "Rap
Quotes campaign" da para expandir hacia otros países fácilmente.
Un gran viaje con fotografías que se agradecen.
Importante destacar que los versos son justamente instalados en los lugares donde tratan. Ahí la clave de The
Rap Quotes Coast to Coast. Si el rapero habla de tal o cual lugar, ahi mismo encuentras este cartel montado.
Wow!
De la editorial RIL Editores nos llega una de sus últimas publicaciones titulada Te
devuelvo las oficinas salitreras del artista y escultor Cristóbal Guzmán.
En formato apaisado y casi 90 páginas a todo color Te
devuelvo las oficinas salitreras es presentado como un libro tributo a la Salitreras.
Una monografía sobre el arte de Guzmán enfocado en torno a las oficinas salitreras ubicadas en el desierto de Atacama.
Un libro que es además un recorrido por la génesis de cada obra de arte realizada, su proceso creativo.
Además de ser una Escultura propiamente tal Te
devuelvo las oficinas salitreras
como bien indica el Prólogo es un documento que da cuenta la manera en que la obra se emplaza logrando "ofrender y ofrecer, a la manera de una devolución, la imagen de un pasado histórico para el lugar." Ofreciendo una solución y una identidad local respecto al quehacer volumétrico.
Acá el punto lo tomá el análisis de sus obras emplazadas en la vía pública en el Norte del país. No solamente por ejemplo la Serie "Sin Titulo" desde la pág. 39 lo aclara.
Te
devuelvo las oficinas salitreras incluye además una hermosa breve historia de la Gloria y Decadencia del Salitre (pág. 13).
Hablamos de un documento completo para presentar la obra del autor. Y donde predomina y se lleva todos los créditos el trabajo homónimo. Desde la pág. 71.
Hermosa presentación para este artista o bien genial detalle de un proyecto que fue realizad por el norte grande.
A estar atento si pasan por Mejillones!
De la editorial Ediciones UC nos llega una de sus últimas publicaciones titulada Glosario
Etimológico Originario del autor y religioso Mons. Pedro Armengol (1918).
De
Nombres de hombres, animales, plantas, ríos y lugares, y vocablos
incorporados en el lenguaje vulgar, aborígenes de Chile y de algún otro
país americano.
Un libro histórico por donde se le mire.
Con
una Presentación muy adecuada que nos pone en el contexto y en la
importancia del autor y religioso Armengol. Aparte obviamente de la
época llena de importancia espiritual, cultural y histórica. Nos indica
el camino hasta llegar a esta hermosa Enciclopedia. Destaco pág. 21 el
aporte de P. Valenzuela a la cultura y sociedad: fue un sabelotodo
sumamente interesado en el lenguaje y al estudio de la filología.
Fuente: Wikipedia.
Glosario
Etimológico Originario en su segunda edición de Aniversario (VIII Centenario de la Fundación de la Orden de la Merced) es gigantesco.
Compactado en más de 650 páginas contiene toda aquel Vocabulario que hayas escuchado en tu vida probablemente.
En primera instancia te deja boquiabierto, en la segunda instancia pasan horas y horas que buscas y buscas y encuentras y recorres este tremendo estudio.
Un potente documento que también entrega una visión al trabajo de los mercedarios en Chile y todo su aporte a nuestro país.
Glosario
Etimológico Originario lo puedes encontrar directamente en la editorial Ediciones UC como también en Librerías UC y en las
principales librerías del país.
De la editorial Ediciones UC nos llega una de sus últimas publicaciones titulada Taller
99 de los autores Patricia Andaur y Paula Véliz.
Una monumental obra dedicada a la Memoria colectiva del grabado en Chile.
Una disciplina
artística en la que el artista utiliza diferentes técnicas de impresión, que tienen en común el dibujar una imagen sobre una superficie rígida, llamada matriz, dejando una huella que después alojará tinta y será transferida por presión a otra superficie como papel o tela, lo que permite obtener varias reproducciones de las estampas.
Fuente: Wikipedia.
Taller
99 es un libro que en sus más de 350 páginas a todo color nos presenta ese Universo único que logró crear su fundador Nemesio Antúnez en 1956, cuando fundó este Taller artístico.
Una entidad que quizá por lejos influenció y apoyó a reales cracks (Armando Uribe, Mario Toral, Eduardo Vilches o Delia del Carril) de la disciplina dejando el grabado situado como una "especialidad en el campo de las artes visuales".
60 años (hoy 62) de existencia presentados en un documento cuya historia se relata, mejor dicho de recontrsuye, de una manera muy hermosa. Una gran cantidad de Testimonios se hacen presentes dejando sus anécdotas para redondear todo el trabajo visual presentado.
Y este es gigantesco. Hablamos de más de 1000 grabados (en el libro encontramos unas 200)!
El Taller hoy en día sigue explorando en las distintas técnicas del grabado como xilografía, litografía y grabado en metal abriendo y renovándose con el tiempo.
Esta ha sido además una tónica importante, el taller que ha cambiado de lugar en 5 ocasiones si bien se reinventa, sigue ocupando esas máquinas históricas, ideales para un Museo. Pero que siguen funcionando.
Dividido en 6 capítulos como: Fundación - Universidad Católica - Refundación - Melchor Concha 152 - Zañartu - Nemesio Antúner, el libro Taller
99 (hablamos del Taller propiamente tal) como indica Rafael Munita es un real acto de generosidad y excelencia artística que N.A. ofrece a la cultura chilena.
Una obra tremenda que recomiendo detenidamente leer y por otro lado detenidamente visualizar. Su trabajo artístico es inspirador.
Muy recomendable!
Taller
99 lo puedes encontrar directamente en la editorial Ediciones UC como también en Librerías UC y en las
principales librerías del país.
que pasa a ser la primera Monografía de Martin "Mander" Ander.
Un personaje! Mejor dicho muchisimos personajes si nos basamos en lo que este gran artista ilustra.
Con una creatividad sin límites Ouff!
nos sorprende con un libro que realmente te hace decir Ouff a modo de
agotamiento. Pero es un agotamiento motivador, positivo dado que los
colores, los diseños, las ideas, la gráfica como un todo de Mander están
llenas de detalles, de vida y gritan por su presencia.
Un universo propio, bastante bizarro con todo tipo de objetos a creaturas.
Clásico ejemplo de influencias del Sk8 o de la Música Ouff!
además sorprende por que incluye un tremendo poster a todo color que
puedes colocar en tu pieza, casa, dpto o taller o bien regalar.
Acá hablamos de ideas, de graffiti, de punk, de sk8 de música, televisión...de todo básicamente.
Pero siempre mantiene un línea gráfica que se agradece.
Me gustó el detalle de las gráficas de Mander que te dan ganas de entender más. De revisar casi que con lupa para encontrar más detalles. Es es genial!
Un gran Ilustrador que con Ouff! deja la vara muy alta para quienes van por ese mismo camino.
Ouff! como selección de trabajos de Martin Ander incluye un Prólogo que es una Entrevista de Björn Almqvist. Recomiendo leerla!
Gran artista, gran influencia!
Ouff! lo puedes encontrar directamente acá.
De la editorial alemana Prestel nos llega una de sus últimas publicaciones titulada Die Kunst zu Lesen de David Trigg.
Casi
350 páginas a todo color el "Arte de Leer" es un libro que se dedica a
presentar la importancia de los libros en la Historia del Arte.
Su
significado y como a través del tiempo el Libro y la práctica de leer a
sido retratada visualmente en obras gráficas.
Un libro soprendente!
Cada página muestra un cuadro que tiene que ver con la Lectura. Con la lectura en el Arte.
Desde
Richard Artschwager con su instalación en madera "Buch" (pág. 195),
Jean Lowe con su cuadro Witchcraft Book (pág 307) o Laura James con su
hermoso cuadro Women Reading (pág. 25) Die Kunst zu Lesen
Die Kunst zu Lesen
es un documento que para todo aquél amante de los libros pasaría a ser
una obligación al menos haber visto. No puedes pasar por el lado de esta
hermosa Investigación.
Die Kunst zu Lesen
nos muestra las obras más significativas que representan a lectores, al
acto de leer, al objeto libro en la Historia del Arte de los últimos
2000 años. Wow!
Me gustó sobre todo el formato y
el contenido con la selección de imágenes. Desde lectores, libros,
instalaciones y toda la gama de técnicas de representación.
Una real Oda y homenaje al libro y su lectura.
Tanto la pintura como la fotografía se hacen presentes. Imágenes de la Bodega de Libros de Amazon por ejemplo es alucinante.
Muy recomendable!
De la editorial alemana Prestel nos llega una de sus últimas publicaciones titulada Sag's
durch die Blume! de los autores Rolf H. Johannsen, Stella Rollig
Tremendo
documento sobre la pintura de Viena acerca de la flora en épocas donde
fue una de las principales expresiones de arte en la capital austríaca.
Dividido entre ensayos y tablas con las pinturas este libro realmente soprende.
Hablamos
de ensayos de grandes del arte como Marianne y Gerbet Frodl, Rainald
Franz, Fran Smola, Stephan Koja o Andrea Polaschegg (claro, en Austria
conocidos). Por supuesto que representados acá no podía faltar Gustav
Klimt o Egon Schiele, dos de los máximos exponentes y figuras claves del
Arte no solamente en Austria.
Sag's
durch die Blume! son más de 200 páginas en un libro de tapa dura en una Investigación imponente, además de ser precioso en su calidad.
Las flores y su retrato a inspirado a
generaciones de artistas. Esa vida natural (naturaleza muerta) en
Austria ha vivido un desarrollo como en ningún otro lado del planeta. En
cuanto a calidad, a significado y diversidad.
Sag's
durch die Blume! como buen libro de Investigación relata el
desarrollo de este arte y la manera que se iba distanciando de los
cánones establecidos en las Escuelas de Arte respecto a como y que
pintar.
Un viaje hacia el mundo de las flores.
Muy recomendable! y además en marco de la Exposición "Sag's durch die Blume!" en la Galeria Belvedere de Viena, Austria.
De la editorial Thames & Hudson nos llega una de sus últimas publicaciones titulada Performance
Now - Live Art for the 21st Century.
El
libro Performance Now que nos relata o bien presenta las últimas
tendencias respecto al Arte Escénico en el mundo es un documento
sumamente potente.
Hablamos de los principales actores del siglo XI quienes a través de los años han logrado consolidarse como verdaderos ejemplos y referencias.
Hablamos de los principales actores del siglo XI quienes a través de los años han logrado consolidarse como verdaderos ejemplos y referencias.
Cabe destacar por ejemplo a grandes de la escena del arte como Didier Faustino, Marina
Abramovic o Roman Ondak.
De
la autora RoseLee Goldberg este libro está dividido en 6 capítulos que
van desde el Arte del Performance visual, el arte del Performance como
Lenguaje global, como Acción radical, como Coreografía, como obra de
Teatro y finalmente como Arquitectura.
Capítulos que cada uno presenta los principales actores y sus obras. Obras del 2000 o del 2015 desde EE.UU hasta Berlin pasando por Paris o Atenas.
Capítulos que cada uno presenta los principales actores y sus obras. Obras del 2000 o del 2015 desde EE.UU hasta Berlin pasando por Paris o Atenas.
Cada ejemplo, cada obra lleva un pequeño texto descriptico y una imágen que lo acompaña.
Simple, directo y muy interesante.
Simple, directo y muy interesante.
El libro es una suerte de catálogo con una selección. 6 continentes que han llevado al arte a otro nivel.
Cada cual con su cultura y su aporte.
Como
aporte al arte, el arte del performance hoy en día se ha inserto hacia
otras aristas como el séptimo arte o también la danza.
Un libro que resume, que hace incapié en un brazo artístico que ha cobrado nombre y se ha sabido valer por sus propios medios.
Un libro que resume, que hace incapié en un brazo artístico que ha cobrado nombre y se ha sabido valer por sus propios medios.
Performance
Now
lo puedes encontrar directamente acá.
De la editorial Thames & Hudson nos llega una de sus últimas publicaciones titulada Japanese
Prints - The Collection of Vincent van Gogh.
Un libro sorprendente.
Japanese
Prints - The Collection of Vincent van Gogh se dedica a analizar y sobre todo presentar la colección privada que guardaba Vincent van Gogh. Además del estudio que el mismo artista realizaba de estos impresos.
Nos enfocamos en esta colección que en su debido momento alcanzó a tener más de 660 impresos. Una cantidad tremenda!
Japanese
Prints - The Collection of Vincent van Gogh nos da el marco histórico como de la interpretación que van Gogh tuvo de sus impresos. Esto a través de los ensayos de Louis van Tilborgh, Chris Uhlenbeck y Shigeru Oikawa.
Ensayos que por lo demás nos abren el horizonte hacia perspectivas sumamente interesantes del desarrollo artísticos de van Gogh.
La colección presente en el Museo de Van Gogh en Japanese
Prints - The Collection of Vincent van Gogh se divide en 6 capítulos que nos hablan desde como se creó esta colección, el significado que tenía para Van Gogh, su marco histórico hasta llegar y es lo que más me gustó de este libro, la técnica tradicional japonesa que tanto soprendió a Van Gogh par realizar estos impresos.
Por último tenemos la colección de impresos y una selección que te dejará con la boca abierta. Alucinante!
Desde guerreros, Kabukis, Juguetes, paisajes o bien los lugares de placer, Van Gogh tenía una realmente gran coleccción guardada.
Un honor poder tenerlas al menos impresa y catalogizada en un documento de gran nivel.
Japanese
Prints - The Collection of Vincent van Gogh lo puedes encontrar directamente acá.
De la editorial alemana Prestel nos llega una de sus últimas publicaciones titulada Basquiat
- Boom for real de Dieter Buchhart, Eleanor Nairne y Lotte Johnson.
Jean-Michel Basquiat fue un artista, poeta, músico, dibujante y pintor estadounidense.
Su preocupación por transmitir en su pintura la problemática de doble pertenencia a minorías étnicas, la afroamericana y la latina, si bien es elemento recurrente de su narración pictórica, nunca se sometió a intencionalidades mensajísticas condicionadoras. Jean-Michel Basquiat, utiliza con frecuencia la imaginería 'negra', pero al mismo tiempo siempre demuestra su ansiedad por someterla a claros acentos de universalidad. Basquiat se convirtió en prototipo del genio romántico, atractivo, rebelde, hip y salvaje y, a la vez, en el profesional ansioso de celebridad y dinero, en la última de las estrellas del universo rutilante de Andy Warhol.
Fuente: Wikipedia.
Su preocupación por transmitir en su pintura la problemática de doble pertenencia a minorías étnicas, la afroamericana y la latina, si bien es elemento recurrente de su narración pictórica, nunca se sometió a intencionalidades mensajísticas condicionadoras. Jean-Michel Basquiat, utiliza con frecuencia la imaginería 'negra', pero al mismo tiempo siempre demuestra su ansiedad por someterla a claros acentos de universalidad. Basquiat se convirtió en prototipo del genio romántico, atractivo, rebelde, hip y salvaje y, a la vez, en el profesional ansioso de celebridad y dinero, en la última de las estrellas del universo rutilante de Andy Warhol.
Fuente: Wikipedia.
Basquiat
- Boom for real es un libro que se basa en la Exposición del artista en el Museo de Frankfurt Schirn.
Habiendo
aterrizado en la escena americana del arte a finales de los 70,
Basquiat
dejó rápidamente una huella imborrable. Proveniente de una escena under
de música, en absoluto anonimato, logró convertirse o mejor dicho: ser
convertido en una suerte de segundo Van Gogh.
Apadrinado
por Andy Warhol, Basquiat comenzó dejando su huella como grafitero en
el Subway de Nueva York para después pasar por el Street Art con todas
sus disciplinas.
Basquiat
- Boom for real recorre todo ese proceso desde un punto de vista práctico y en un contexto historico cultural.
De esta forma Basquiat
- Boom for real analiza de que manera se forjó la carrera de Basquiat enfocado en 6 capítulos. Esto es sumanente interesante.
Hablamos
de sus inicios con el tag SAMO, de la escena musical de NYC, de la
escena del DownTown y la relación del artista con la industria mediática
y del séptimo arte y el Jazz.
Un
libro que enfoca a Basquiat y lo "desnuda" para entender este fenómeno
que lamentablemtne vivió demasiado poco tiempo para contarnos toda su
historia.
Basquiat
- Boom for real se ha convertido en culto. Sus
seguidores afirman que en sus obras brilla una sensibilidad intuitiva
que seguramente hubiese cuajado en formidable talento, brillan los
inicios primarios de un don tremendamente escaso: la genialidad.
De la editorial Ocho Libros nos llega una hermosa publicación titulada Alejandro
Fauré - Obra gráfica de Muñoz, Mariana; Villalobos, Fernanda.
Uno de los grandes. Alejandro Fauré (1865-1912) fue un dibujante, diseñador y caricaturista chileno que mezcló como ningún otro las influencias del art nouveau con un estilo muy propio.
Alejandro
Fauré - Obra gráfica es un trabajo de investigación que logra una monografía potente.
Tenemos de todo tipo de trabajo gráfico en este hermoso documento de más de 150 páginas a todo color.
Afiches, carteles, avisos publicitarios, bocetos, dibujos a mano alzada, caricaturas, etc. Excelente material que las autoras Mariana Muñoz y María Fernanda Villalobos recopilaron.
Alejandro
Fauré - Obra gráfica es un libro que además entrega una herramienta para entender ese cambio de siglo tan significativo para Chile. Un artista chileno que tuvo una manera de observar de forma aguda el dia a dia en Chile.
Un catálogo muy bien logrado que denota un fuerte trabajo de investigación y selección.
El artista logró con su trabajo llegar un público muy amplio dado que su trabajo fue inserto en medios masivos, en diarios, en prensa en general. Un diseñadora que supo que su trabajo, no solamente se debía publicar como necesidad de trabajo propiamente tal sino que también ese camino le significaba mucha más atención. Diseñar como canal de comunicación visual.
Un pionero en su área.
Alejandro
Fauré - Obra gráfica presenta una joya después de otra.
Avisos de té, encabezados, avisos, afiches, publicidad para todo tipo de productos o detalles de algunos trabajos son geniales. Material presentado de buena manera donde vale la pena detenerse sobre todo cuando se presentan detalles de diagramación o del diseño dibujado.
Alejandro
Fauré - Obra gráfica lo puedes encontrar directamente acá.
Desde la editorial alemana Arnoldsche Art Publishers nos llega una de sus últimas publicaciones titulada Trial and
Error. Una hermosa monografía del artista Johannes Nagel.
Trial and
Error o bien prueba y error es un catálogo que nace de la Exposición del artista en Züurich, Suiza en Junio del 2018.
Un libro o mejor dicho el trabajo de Nagel es genial. Se basa en literalmente la prueba y el error de sus esculturas.
Trabajo
en cerámica es donde Nagel se ha desarrollado y perfeccionado llegando a
lograr que la cerámica converse con el. Sus jarrones nacen del error y
de lo imprevisto. De la absoluta improvisación entre forma e idea.
Es por lo mismo el proceso quizá más importante que el resultado.
Trabajar raspando, pegando, arrastrando los jarrones logra como
resultado un resultado incierto.
Trial and Error nos presenta el trabajo de los últimos 4 años del artista.
A mi parecer una potente demostración de deconstructivismo.
Genial. Inspirador y sobre todo novedoso.
Además el libro incluye ensayos del coleccionista Jörg Johnen y del filósofo Marcel René que le dan un contexto al trabajo del artista.
Si andas cerca de Suiza no te pierdas esta Exposición que ciertamente promete.
De la editorial suiza Patrick Frey nos llega una de sus últimas públicaciones titulada Paintings. Una monografía del artista Emil Michael Klein.
Un libro muy hermoso que utiliza el espacio como su principal aliado.
Los trabajo de Klein son oleos en grandes formatos. Bastante abstractos, de la misma manera son también presentados.
Excelente calidad de impresión Paintings no lleva hacia una dimensión mas cercana a la obra del artista. Es realmente un agrado pasar pos las páginas.
Obviamente es un logro como llegaron a retratar el cuadro original en Paintings.
Sin embargo es justamente este logro o ese camino que justifica este libro.
Interesante y encantador sobre todo por que no hay texto.
De la editorial suiza Patrick Frey nos llega una de sus últimas públicaciones titulada Appetite for the Magnificent de los fotógrafos Tania Willen y David Willen.
WOW!
Al
principio no entedía el concepto de este libro al no encontrar texto ni
alguna introducción. Me dejé llevar por sus imágenes que van
intercaladas con páginas vacías.
Con el paso de las páginas se abre este mundo al cual nos acercan David y Tania.
Es el mundo de los acuarios. Genial. Appetite for the Magnificent rompe esquemas y me gusta la forma sutil de hacerlo.
Fotografías
en altísima resolución que nos van entregando imágenes de acuarios de
zoologicos suizos. La idea ya es alucinante y la forma en que lo
desarrollaron más aún.
No son simples imágenes de acuarios por dentro. Son fotografías en
alta resolución que te dejan realmente perplejo. Cómo si estuvieras
dentro de un coral en pleno océano.
Ese hilo delgado entre realidad y ficción es el campo de juego y trabajo de ambos artistas.
De la editorial suiza Scheidegger & Spiess nos llega una de sus últimas publicaciones titulada Mostly Books de Anne Hoffmann.
Sumamente interesante este libro es una Oda a los libros. Al diseño de libros.
La autora y diseñadora Anne Hoffmann, amante de libros por lo demás, nos entrega un documento que se dedica a su trabajo principalemnte.
Podríamos hablas de una Monografía o Retrospectiva de sus últimos 30 años de creación que en el caso de Mostly Books son más de 120 ejemplo.
Un libro para todo amante de libros y del diseño de editorial y portadas. Mostly Books funciona además como diario de libros, quiere decir un recuento de sus trabajos que analizan al libro más allá de lo gráfico.
Se enfoca en el libro como un elemento artístico. Su significado, el elemento como medio de comunicación.
Mostly Books lo puedes conseguir directamente acá.
De la editorial alemana Prestel nos llega una de sus últimas publicaciones titulada James Rosenquist. Monografía sobre el mismo autor/pintor.
James Rosenquist - painting as immersion es un libro fenomenal sobre un artista que destacó con su arte principalmente del Pop Art americano.
Este libro nos muestra la vida y obra del artista enfocándose en sus trabajos monumentales, en los murales o de gran formato.
Siendo artista del Pop Art su arte estuvo enmarcado por la tendencia del consumismo, del comentario político plasmado en gigantografías y publicidad.
Lo interesante es que en James Rosenquist - painting as immersion el artista nos lleva a entender su trabajo explorandolo desde el proceso creativo.
Algo que vemos actualmente en artistas de la talla de Obey por ejemplo en este libro el diseño en base a un artículo o pedazo de alguna revista o medio es el puntapié inicial para una obra creativa y gráfica.
Con ensayos de su vida, de su técnicas, de su impacto en el mundo artístico encontramos en James Rosenquist.
Con varios premios a su haber de Talento de la Pintura Jóven Americano o el Golden Plate este artista realmente dejó su marca en la industria del arte.
James Rosenquist es una retrospectiva a un tremendo artista que generó un estilo, si bien dentro del Pop Art que fue propio. Que hasta el día de hoy cobra vigencia.
James Rosenquist lo puedes encontrar directamente acá.
De la editorial Ocho Libros nos llega una de sus últimas publicaciones titulada Inti del grafitero chileno Inti Castro.
Inti es el segundo libro que les presentamos bajo el alero de Ocho Libros (el primero lo puedes revisar acá, estimados lector: Inti
Quiere decir que más que solamente las imágenes de sus diversos murales terminados, en Inti vemos el proceso y los bocetos. Por lo tanto te puedes hacer una idea de como el trabaja.
Detalles de los murales dan una noción de como se resuelven los desafíos de pintura en cada muro.
Hermosas imágenes del proceso, ángulo interesantes del proceso, del muro dejan ver como realmente se vive la pintura. Como Inti desarrolla su arte.
Inti es además un libro que en su presentación denota mucho trabajo y calidad. Una producción hermosa con páginas doradas, tapa dura, una calidad de imágenes muy buena y un diseño de libro que se agradece.
Conozco pocos libros de monografías de artistas que están a este nivel.
37 Murales en detalle son presentados, más algunos cuadros al final del libro.
Muy buena edición que puedo recomendar por la calidad del trabajo, el contenido y los realmente hermosos murales que Inti pinta.
Inti lo puedes encontrar directamente acá.
Desde la editorial alemana Hatje Cantz nos llega una de sus últimas publicaciones titulada
Rosa Barba sobre la misma artista italiana. Por lo tanto una monografía, la primera sobre la artista.
Rosa
Barba - From Source to Poem es un libro que nos acerca más el mundo
de una artista que ha roto con muchisimos estándares.
Conocida por
utilizar el medio de la película y su materialidad para crear
instalaciones fílmicas y esculturas muy particulares.
Rosa Barba es un libro que con el estilo y diseño acostumbrado de la editorial, nos entrega un trabajo único que trabaja al revés de lo acostumbrado. Por ejemplo la artista trabaja un enfoque escultural en el cine, sacando sus elementos para generar objetos móviles.
Un libro que justamente presenta ese camino que significa mezclar o traspasar el cine a lo concreto y de lo concreto al cine.
Grabar una película y actuarla en vivo pro ejemplo.
Rosa Barba es un libro sobre su trabajo, su arte, sus visiones como artista con decenas de imágenes para apoyar un libro que debería en realidad ser mitad película, mita objeto.
Rosa
Barba lo puedes encontrar directamente acá.
Desde la editorial alemana Hatje Cantz nos llega una de sus últimas publicaciones titulada Este hermoso libro basado en la Exposición del mismo nombre que actualmente se está desarrollando en el Museo de Langmatt en Baden (Die Augen der Bilder - Porträts von Fragonard bis Dumas) es sorprendente.
Lo que abarca Die Augen der Bilder es la escenificación del Yo en el arte. Algo así como los Selfies de hoy en día, siempre han sido un tema desde el inicio de los días.
Justamente la imágen propia, la necesidad o vanidad de verse retratado es donde Die Augen der Bilder pone sus ojos literalmente.
Un libro que es el catálogo de una exposición sobre los grandes maestros como Edgard Degas o Jean Honoré Fragonard.
Retratos de artistas, idealizados también, que no necesariamente muestrasn rasgos alegres sino mas bien la realidad como la soledad y la desesperación.
Muy interesante y de gran calidad el libro utiliza las diferentes épocas artísticas para contraponer el arte antigua con el contemporáneo y analizar de esta forma el desarrollo pictórico de la idealización del yo.
Die Augen der Bilder y la Exposición van del 17.9.-10.12.2017 en Museum Langmatt, Baden
Die Augen der Bilder lo puedes encontrar directamente acá.
Desde la editorial alemana Arnoldsche Art Publishers nos llega una de sus últimas publicaciones titulada Shozo Michikawa - Ceramic Art, sobre el artista del mismo nombre.
Shozo Michikawa es un artista japonés dedicado al arte de la cerámica.
Un arte basado en como dice el libro el uso de la torsión y la tensión, donde el artista ha logrado desarrollar un camino propio.
De forma realmente muy impresionante, también en sus actuaciones frente a público en vivo, Shozo Michikawa nos muestra como logra las esculturas que Shozo Michikawa - Ceramic Art presenta.
Un libro de casi 100 páginas a todo color que resume el trabajo y la vida artística del artista al día de hoy.
Como un continua diálogo con el material describe el artista su trabajo. Basado en la naturaleza, su trabajo logra conectar el mundo natural con el mundo real.
Por favor vean sus performances en vivo que son geniales. De gran vitalidad y a veces hasta locas.
Shozo Michikawa - Ceramic Art sorprende por la sutilera del libro y el gran oficio del artista.
Con muchas imágenes nos vamos por el camino de recorrer una energía guardada en cada obra como si fuera un viaje por íconos de algun lugar.
15 años de trabajo se reflejan en este hermoso documento.
Shozo Michikawa - Ceramic Art lo puedes encontrar directamente acá.
Shozo Michikawa - Ceramic Art lo puedes encontrar directamente acá.
Desde la editorial chilena Origo Ediciones a través de la distribuidora EOS Libros nos llega una de sus últimas publicaciones titulada Manos de Mujer de Isabel Cruz.
Manos de Mujer es un libro dedicado a la vida y obra de Rebeca Matte y su época en Chile. Desde 1875 hasta 1929.
Recordemos que Rebeca Matte fue la primera mujer chilena que abrazó el oficio de escultora. Fue una artista independiente que, sin embargo, coincidió con la Generación Académica de fines del siglo XIX, debido a la concepción estética de su obra, el valor del tema y un gran dominio de la técnica en el uso de materiales nobles. Fue nombrada profesora de la Academia de Bellas Artes de Florencia, cargo que nunca antes había sido otorgado a un extranjero y menos a una mujer.
Fuente: Wikipedia.
Manos de Mujer es un documento extenso y muy pero muy interesante. Más de 530 páginas incluyendo la exhaustiva Bibliografía hacen de este documento una obra que honra a cabalidad a nuestra primera artista.
No es sin embargo solamente el volumen de esta obra que la hace interesante, es obviamente su contenido.
Una Presentación por Hernán Rodriguez a un Prólogo de la misma autora (Isabel Cruz) dejan el terreno preparado para la Introducción de la "artista trágica".
Desde su talento hasta su exilio europeo pasando por su refugio en Florencia (Italia) como su vida privada, el libro Manos de Mujer no deja nada en el tintero.
12 años de Investigación realizador por la autora e historiadora esta obra pasa a ser la única obra que otorga tal dedicación y detalle sobre Rebeca Matte.
Por supuesto que lo más importante es la obra de la artista. Desde fines del siglo XIX y comienzos del siglo XX Manos de Mujer retrata su vida y obra, en un contexto histórico mundial de extraordinaria importancia como dice el libro.
Un libro que muestra con el enfoque apropiado y da todos los respetos a la vida y obra de una de nuestras grandes artistas en la Historia de Chile.
Manos de Mujer lo puedes encontrar directamente acá.
De la editorial suiza Scheidegger & Spiess nos un gran documento y a la vez una de sus últimas publicaciones titulada Druckgrafik de Alberto Giacometti.
Alberto Giacometti fue un escultor y pintor suizo.
Además para muchos se ha convertido en el escultor más caro de la historia del arte.
En este libro que se dedica a sus gráficos impresos, bocetos en muchos casos el artista se concentra en un estudio del todo.
De un proceso para llegar al todo, considerando llegar hacia la visión del espectador, de su espacio.
Druckgrafik se basa en la colección abierta de Gross en Sent, Suiza.
Una colección impresionante del artista que nos entrega además las herramientas para visualizar su arte más alla del 3d de sus obras.
Impreso en b/n el libro con sus más de 100 páginas y una portada de lino es un documento hermoso de tener en las manos.
Gran capacidad de observación y de retención se destacan en un libro que en su obra siempre va a la conquista de situaciones y eventos de la existencia del todo.
Como dice el artista: "I cannot simultaneously see the eyes, the hands, and the feet of a person standing two or three yards in front of me, but the only part that I do look at entails a sensation of the existence of everything."
Excelente!
Druckgrafik lo puedes conseguir directamente acá.
Desde la editorial alemana Hatje Cantz nos llega una de sus últimas publicaciones titulada Latif Al Ani.
Hermosa retrospectiva hacia uno de los pioneros de la fotografía en el lejano Irak. Una leyenda que cuando toma la cámara fotográfica deja estupefactos a sus seguidores.
Latif Al Ani documentó por primera vez la la vida, el diario vivir y la arquitectura de su país Irak.
Entre los años 50 y 70 fue su época gloriosa de trabajo.
Siempre en blanco y negro, sus fotografías recuerdan la historia moderna de Irak. Su tragedia, para decir lo menos.
Al revisar este hermoso libro de Latif Al Ani nos damos cuenta que gran parte de lo retratado, al menos lo arquitectónico, desapareció debido a las diferentes guerras por las que Irak a pasado.
Lamentable, realmente trágico.
Cobra aún más importancia y valor el poder contar con la memoria visual que Latif Al Ani nos ha dejado.
Además nos presenta la cultura viva, su industria, su sociedad.
Irak es un país muy hermoso.
Bajo presión política el fotógrafo tuvo que dejar de trabajar quedando lo que realizó en décadas anteriores como su un fiel registro de una época pasada.
Latif Al Ani lo puedes encontrar directamente acá.
Desde la editorial alemana Hatje Cantz nos llega una de sus últimas publicaciones titulada Merian.
Merian es en realidad Maria Sibylla Merian hija del connotado grabador y editor Matthäus Merian.
Maria Sibylla Merian fue una naturalista, exploradora y pintora alemana considerada como una de las más importantes iniciadoras de la entomología moderna, gracias a sus detalladas observaciones y descripciones, con ilustraciones propias, de la metamorfosis de las mariposas.
El trabajo de Merian es considerable y alucinante.
Merian, el libro, es además el catálogo para la Exposición en el Museo de Wiesbaden de la ilustradora y naturalista.
Un libro-catálogo que con sus más de 250 páginas a todo color nos entrega perfectamente una impresión y un acercamiento a su vida.
En su época era realmente raro que alguien se interesara en los insectos. Nadie conocia la metamorfosis de los animales.
Maria Sibylla Merian también mostró e.o. que cada oruga depende de un pequeño número de plantas para su alimentación y que, por lo tanto, los huevos eran puestos cerca de esas plantas.
Fuente: Wikipedia.
Fuente: Wikipedia.
Maria Sibylla Merian es un libro y un documento muy hermoso.
Delicado, presentado de forma muy hermosa para una de las primeras "observadoras" de los insectos en tierras lejanas como Surinam.
Merian lo puedes encontrar directamente acá.
Desde la editorial alemana Hatje Cantz nos llega una de sus últimas publicaciones titulada Fred Herzog - Modern Color
Pionero de la fotografía Fred Herzog nos entrega un documento de peso.
Fred Herzog es un fotógrafo aleman que se radicó en Canadá a los 22 años para comenzar una vida nueva.
Desde Vancouver el artista comenzó a retratar la vida en Canadá.
Fred Herzog - Modern Color nos entrega material inédito del artista sobre todo enfocado en su trabajo de las décadas 50 y 60.
Su uso del color en una época donde el blanco y negro predominada, fue una innovación inmediata.
Son más de 300 páginas que por un lado presentan su obra gráfica: impresionante! y por otro lado una biografía de su vida.
Con ensayos sobre su trabajo de David Campany, Michael Koetzle y Jeff Wall, el libro nos entrega más de 230 fotografías.
Fotografías desde Canadá, USA, llegando a México, Brasil y cruzando el océano a su natal Alemania.
Una monografía que presenta material inédito y claramente su publicación a la fecha más extensa y completa.
Fred Herzog - Modern Color lo puedes encontrar directamente acá.
Desde la editorial chilena Ocho Libros nos llega una de sus publicaciones titulada Revisión Técnica - 100 pintores.
La pintura en Chile enrte 1980 y 2010 resumida en 430 página aprox. es sinónimo de un documento potente y de peso.
Revisión Técnica - 100 pintores es algo así como la biblia de la pintura chilena de los últimos 30 años. Un libro que permite entender y acercarse al debate de la visualidad pictórica chilena, como dice el prólogo: priorizando la muestra de autores y sus respectivas obras.
100 artistas fueron seleccionados para presentar los más amplio en cuanto a arte y estilos que Chile presenta, entregando una herramienta que permite visualizar los diversos caminos y sobre todo el desarrollo que nuestra pintura ha logrado.
Con una gran historia pictórica en Chile, no olvidemos a los precursores como Somerscales, Orrego Luco, Valenzuela Puelma, Lara y muchos otros, Revisión Técnica - 100 pintores es la continuación de este proceso y una pausa a la vez.
Una mirada momentánea donde nos encontramos a visperas del 2020.
Con ensayors de Jorge Gonzalez, Ana Maria Risco y Gonzalo Predaza, Revisión Técnica - 100 pintores es un hermoso documento que viene formando parte de la editorial para potenciar la reflexión crítica hacia nuestro arte contemporáneo.
Lo que más me gustó del libro además de su excelente calidad de diseño, sus obras seleccionadas y los textos y monografías de cada artista, es que además se incluye también el arte urbano, street art. COn Vazko el arte urbano también se ve reflejado como una tendencia, un camino absolutamente válido en Revisión Técnica - 100 pintores. Y totalmente merecido.
Una publicación bilingüe (español - inglés) Revisión Técnica - 100 pintores realmente logra extender el horizonte de lo que conocemos y visualizar logrando un tremendo resultado.
Se sorprenderán por la diversidad de arte (y eso que es una selección de 100 artistas). Wow!
Revisión Técnica - 100 pintores lo puedes encontrar directamente acá.
Desde la editorial alemana Snoeck nos llega una de sus publicaciones titulada Kompatscher. Basada en una Exposición, este catálogo es extraordinario.
Florin Kompatscher: Paintings 2005-2010 es una monografía sobre este interesante artista italiano que recopila justamente el trabajo pictório de óleo sobre canvas de estos 5 años.
Son pinturas abstractas de una gran visualidad y fuerza, que denotan un proceso creativo basado en lo impulsivo.
Florin Kompatscher: Paintings 2005-2010 es una monografía sobre este interesante artista italiano que recopila justamente el trabajo pictório de óleo sobre canvas de estos 5 años.
Son pinturas abstractas de una gran visualidad y fuerza, que denotan un proceso creativo basado en lo impulsivo.
Artista conocido de este tipo de arte irracional: Jackson Pollock.
Como dice el libro, pintura del alma sobre paisajes de la naturaleza.
De gran calidad, con una impresión excelente y a todo color el libro tiene además una hermosa Introducción de Noemi Smolik (en alemán y en inglés) para entender y acercarse al arte de Kompatscher.
Hermosa publicación para redondear una exposición sobre uno de los artistas más destacados del arte de los irracional.
Nota. Los colores son alucinantes!
Kompatscher lo puedes encontrar directamente acá.
Desde la editorial chilena Ocho Libros nos llega una de sus publicaciones titulada Toral en el País de las Maravillas.
Mario Toral es un pintor y fotógrafo chileno que entre sus muchisimas obras destacadas ha pintado el mural «Memoria visual de una nación», ubicado en la estación Universidad de Chile del Metro de Santiago.
En Toral en el País de las Maravillas el autor y artista nos presenta una selección de su imaginario más liberal.
Algo así como sin censura en su imaginario visual, el artista nos lleva realmente a un País de las Maravillas con una infinidad de dibujos, pinturas, cómics, gráficas, bocetos, etc.
Un libro que abre el espectro de los tolerable quizá, o bien de lo que no genera indiferencias.
Una postura absolutamente abierta con una ironía típica de su trabajo, Toral en el País de las Maravillas sorprende.
Tenemos erotismo, tenemos la oscuridad y tenemos sucesos políticos.
Una mezcla de los tres temas dejan entrever el objetivo de un libro que abre una caja de pandora y mira hacia adentro sin filtro.
Me gustó la elegancia plástica, la forma de dar silueta a sus sueños y a sus idea.
Mario Toral provoca con Toral en el País de las Maravillas y a su vez asombra por justamente la manera plástica de representar sus ideas.
Toral en el País de las Maravillas lo puedes encontrar directamente acá.
Desde el mismo autor y fotógrafo Rodrigo Opazo nos llega su última publicación relacionada a su actual Exposición Los Paisajes del Exceso.
Que libro! Con su formato cuadrado y un color rojo mandarín cautiva y llama la atención inmediatamente. Y con las fotografías simplemente sorprende.
La obra fotográfica de Rodrigo Opazo es sumamente especial. Con un enfoque principalmente en las imágenes en b/n el autor y artista nos lleva hacia un lado de la sociedad y del dia a día para muchos desconocido. Como dice Andrea Jösch en el prólogo: ...el trabajo aquí presentado, los sujetos van desapareciendo para llegar a mostrar un mundo de excesos y una ciudad sin habitantes, insinuando aquella pérdida de humanidad.
El análisis y la presentación de las primeras páginas de libro son intensas y van al grano. De esta forma encuentro que es mucho más fácil entender y visualizar lo que el fotógrafo quiere decir con sus imágenes. Por que no es una fotografía simple. Es compleja y lleva a tomarse su tiempo para entenderla.
El libro dividido más que por capítulos, está estructurado por personas, lugares, situaciones. Tenemos a los gitanos, lo deshabitado, la otra ciudad, bellas durmientes, la ciudad de los muertos, etc.
Una fotografía que me gusta personalmente mucho por que además de mostrar esa ciudad esquiva, a veces extraña, realista y dura a momentos es una fotografía que abre la mente hacia un espacio que no vemos diariamente. Por ejemplo en Thanatos, el autor retrata a personas muertas en la Morgue. Interesante, crudo y con un aire místico que rodea a todo el libro.
Es justamente lo que destaca en la obra, a mi modo de ver, y que hace que este libro sea un documento de sumo valor.
Esto de "no haber rastro humano en la obra del fotógrafo" como dice Pablo Brodsky en el libro es cautivante y no es pan de cada dia.
Muy recomendable para abrir los ojos a esta Otra Ciudad y a un enfoque que es único.
Rodrigo Opazo y su libro lo pueds encontrar directamente con el artista acá.
Desde la editorial alemana Snoeck nos llega una de sus publicaciones titulada
Guillermo Kuitca. Guillermo Kuitca es un pintor argentino y relevante figura en la historia del arte latinoamericano.
Conocido por sus mapas y plantas arquitectónicas Guillermo Kuitca en sus propias palabras nos comenta:
"Me interesa la pintura como campo que se expande, pero esa expansión no necesariamente tiene que ver con el volumen, con el salir fuera de ella. Me interesa la exploración de los límites dentro de la pintura. Es contemporáneo pensar la extensión dentro de ella".
El libro que les presentamos es el Catálogo de sus Exposición realizada el año pasado en Somerset durante una estadía en esa ciudad.
Durante esa estadía desarrolló un mural en el comedor de la casa donde se hospedaba la cual este libro presenta.
Increible trabajo!
Además este trabajo logró modificar y darle un nuevo enfoque al trabajo del artista el cual en Guillermo Kuitca libro, se muestra de forma muy atractiva.
Un libro de muy alta calidad, deja ver el detalle de la obra del artista. Con textos de Michael FitzGerald el libro sustenta el marco teórico.
Realmente hermoso arte, muralismo en su máxima expresión.
Guillermo Kuitca lo puedes encontrar directamente acá.
Desde la editorial alemana Snoeck nos llega una de sus publicaciones titulada Super interesante este libro que trata de una exposición que en su momento Andreas Baur y Marcus Weber organziaron.
El título que juega con la posibilidad de ser mejor que el propio artista de Kooning, fue el título elegido para esta exposición grupal del cual Better than de Kooning es su catálogo.
Willem de Kooning fue un pintor neerlandés nacionalizado estadounidense, exponente en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial del expresionismo abstracto y de la action painting o pintura gestual.
152 páginas a todo color que viene con 50 libritos o pequeñas páginas entremedio de las grandes páginas que dejan ver detalles del arte de cada artista.
Excelente idea!
De ellos tenemos algunos de la talla de Jana Euler, Lee Lozano, Peter Saul o Sue Williams.
Realizada en la Villa Merkel Galerie en Alemania el 2015 este catálogo es de todas formas una hermosa visión hacia la posibilidad de acercarse al mundo de de Kooning desde la reverencia o tributo de esta Exposición.
Kompatscher lo puedes encontrar directamente acá.
Desde la editorial alemana Snoeck nos llega una de sus publicaciones titulada Franz Grabmayr: Feuerbilder - Tanzblätter - Materialbilder
Franz Grabmayr fue un pintor austríaco que se caracterizó y destacó por su cercana relación pictórica con la Naturaleza.
Franz Grabmayr: Feuerbilder - Tanzblätter - Materialbilder es para decir WOW.
Un arte que destaca por el uso del óleo en grandes cantidades sobre el canvas y que denota un expresionismo muy fuerte, me genera al revisar su trabajo un cierto peso.
El libro catálogo es parte de la exposición actual en Wels, Austria del artista.
180 páginas nos llevan en un viaje de óleo que tanto en sus famosas pinturas de fuegos, de hojas o de Naturaleza siempre tienen una componente de alguna forma mágica.
Algo entre el Expresionismod postguerra y el Posmodernismo de nuestros tiempos.
Franz Grabmayr: Feuerbilder - Tanzblätter - Materialbilder es justamente una retrospectiva al cumpleaños 90 del artista.
El libro no solamente muestra sus trabajos, sino que analiza su pintura, su significado y un análisis de so amigos y artistas contemporáneos.
Franz Grabmayr: Feuerbilder - Tanzblätter - Materialbilder lo puedes encontrar directamente acá.
Desde la editorial alemana Hatje Cantz nos llega una de sus últimas publicaciones titulada The Cleaner - Marina Abramovic.
The Cleaner es la mayor monografía publicada a la fecha de esta extraordinaria artista visual.
Marina Abramović es una artista serbia del performance que empezó su carrera a comienzos de los años 70. Activa durante más de tres décadas, recientemente se ha descrito a sí misma como la "Madrina del arte de la performance".
Nota: Una performance o acción artística es una muestra escénica, muchas veces con un importante factor de improvisación, en la que la provocación o el asombro, así como el sentido de la estética, juegan un papel principal.
El trabajo de Abramović explora la relación entre el artista y la audiencia, los límites del cuerpo y las posibilidades de la mente..
Con esta gran Retrospectiva que actualmente se desarrolla en el Museo Moderna Museet de Estocolmo, Suecia, la editorial da tributo a la artista.
Libro catálogo, realmente su arte es sumamente radical y transgresor. Quizá también rupturista y obviamente controversial.
Cuerpos desnudos, situaciones que para muchos son motivo de mirar para el lado, son parte del Menu artístico de Marina.
The Cleaner con sus más de 270 páginas a todo color es un tremendo libro.
Contiene el Manifesto de la artista, una carta de Bojana Pejic como ensayos de Devin Zuber, e.o. Su biografía, Trabajos, Imágenes, Videos, Objetos, Instalaciones, todo incluido.
Un trabajo monumental de una artista reconocida como la más grande de nuestros tiempos.
The Cleaner lo puedes encontrar directamente acá.
Desde la editorial alemana Hatje Cantz nos llega una de sus últimas publicaciones titulada Robert Longo - Charcoal.
Robert Longo es un pintor y escultor americano que con su arte te deja con la boca abierta.
Robert Longo - Charcoal es a su vez un libro catálogo a una de sus mayores retrospectivas. Con sus trabajo hechos con carbón el artista abrió una nueva esfera y dimension.
Desde la belleza fotorealistica de la actualidad hasta el miedo y el chaos.
El libro que se divide principalmente en 3 capítulos:
- Hal Foster - The American Friend
- Thomas Kellein - A Kingdom if Images
- Kate Fowle - The World is a Circle
Al revisar al artista y este libro, realmetne te lleva en un viaje increible no solamente por el trabajo en carbón sino que por como el libro lo presenta y básicamente lo que las obras representan.
Es alucinante!
Impreso en un proceso llamado Triplex, el libro es una joya y tiene o bien resalta el trabajo notoriamente. En gran parte en b/n solamente algunas imagenes son a color: como por ejemplo el cuadro de la rosa.
Una monografía excepcional sobre los trabajos de los últimos años.
Recomendable!
Robert Longo - Charcoal lo puedes encontrar directamente acá.
Desde la editorial alemana Snoeck nos llega una de sus últimas publicaciones titulada Sculptures Made of Paper.
Sculptures Made of Paper es un libro catálogo que fue lanzado en marco de la exposición actualmente en curso en la Kunsthalle Vogelmann en Heilbronn, Alemania.
La temática principal de la Exposición y del libro del mismo nombre es el desarrollo de la Escultura y el Papel en el siglo XX. El museo es conocido por desarrollar este tipo de Exposiciones y la de Papel es justamente la última.
Justamente los últimos 10 años cada vez se han podido ver más esculturas de papel presentes en las principales exposiciones y bienales del mundo.
Una tendencia que Sculptures Made of Paper aborda en su plenitud y además en su complejidad. No hablamos de experimentos sino mas bien de un arte establecido y que con el sustrato de papel ha logrado increibles resultados y notoriedad.
Sculptures Made of Paper nos lleva en un viaje de diferentes artistas y sus obras de papel que han marcado tendencia desde un Picasso, pasando por Karla Black y Kurt Schwitters.
Las primeras 40 páginas es un ensayo hacia el arte del papel. De ahí en adelante más de 90 páginas incluye el catálogo principal con imágenes de alta resolución y hermosas selecciones de esculturas en papel.
El catálogo Sculptures Made of Paper viene además con 2 afiches de 2 esculturas, quizá las principales, de la Exposición. Genial idea!
Sculptures Made of Paper lo puedes encontrar directamente acá.
Desde la editorial alemana Snoeck nos llega una de sus últimas publicaciones titulada Gerhard Richter - Unique Pieces in Series del autor Hubertus Butin.
Gerhard Richter es un pintor alemán que después de realizar murales descubrió el expresionismo abstracto y una serie de tendencias de vanguardia, formando lazos de amistad con otros artistas de su generación como Sigmar Polke.
A inicios de la década de los años setenta, evolucionó para una pintura monocromática sobria que evocaba la corriente minimalista, pero con una diferencia significativa en lo que respecta al objetivo y al sentimiento. A finales de la década y principios de los ochenta, las pinturas sobre lienzo de colores brillantes y atrevidamente delineadas sugerían mas también diferían de la pintura pirotécnica neoexpresionista que estaba entonces en boga. A lo largo de toda su carrera, Richter ha cultivado en su trabajo un estilo sutilmente romántico y aparentemente antimodernista.
La producción artística de Gerhard Richter puede clasificarse en tres categorías: figurativa, esto es, todas las pinturas se basan en la fotografía o la naturaleza; constructivista, trabajo más teórico como tablas de color, paneles de vidrio y espejos; y abstracta, casi todo el trabajo realizado desde 1976 excepto bodegones y paisajes.
Fuente: Wikipedia
En Gerhard Richter - Unique Pieces in Series hablamos de un libro sumamente interesante que ya con su título nos deja con un signo de interrogación. Trabajos únicos en serie?
En este libro el artista muestra que con sus trabajos de fotografía, pintura, dibujos, impresos ha podido desarrollar una posibilidad de en el proceso creativo de producción de una obra, variar esta misma en algunas características.
Genial. Marcador de tendencias.
Como el libro, que es un ensayo hacia la obra y este tipo de creación creativa desarrollada en su plenitud por el arista, nos muestra lo fascinante del concepto creativo utilizado.
Son 156 páginas en donde se divide en graficas, dibujos, la nombrada pintura del artista pensando en esta variabilidad de multiplicar una obra para crear otra.
El libro nace en marco de la exposición Gerhard Richter. Die Editionen en Museum Folkwang de Essen, Alemania.
Gerhard Richter - Unique Pieces in Series lo puedes encontrar directamente acá.
De la editorial RIL Editores nos llega una de sus últimas publicaciones titulada Señoras Señores del gran Lukas.
Lukas fue el seudónimo utilizado por Renzo Pecchenino un italiano que se radicó en Valparaiso. Fue un dibujante y caricaturista que supo retratar de forma simplemente admirable la idiosincrasia de su generación.
En 1981 recibió el Premio Nacional de Periodismo.
Señoras Señores es un libro que en primera instancia se publicó en 1962. Hablamos de la octava edición del año 2012 la cual tenemos en nuestras manos.
Un objeto de culto el cual incluye un resumen de dibujos humorísticos que Lukas había publicado en distintos medios.
En el mismo Prólogo cuentan que fue el mismo Lukas quien vendía y ofrecía los libros a las librerías....
Hoy en día este libro se vá como pan caliente. Y con muchisimos argumentos.
Señoras Señores es una edición conmemorativa en el aniversario 50° de su primera publicación.
Un libro que en cada página contiene un dibujo de Lukas con su característico trazo, su humor y su ironía. Todo en b/n.
Lukas sigue siendo un personaje clave en distintos ámbitos culturales en Chile y habiendo visitado Valapraiso, su museo, su casa para después revisar su trabajo la calidad y la creatividad son monumentales.
Realmente muy hermoso con ese adicional que solamente obtienen los talentosos y lo logran compartir con la sociedad.
Señoras Señores son más de 65 páginas con 65 dibujos que te sorprenderán y más de una sonrisa sacarán.
Señoras Señores lo puedes encontrar directamente acá.
De la editorial suiza Diogenes nos llega una de sus últimas publicaciones titulada "Das grosse Buch vom kleinen Nick"
O simplemente Nick.
Nick es una figura creada por el gran maestro frances del cómic René Goscinny (creador e.o. de Asterix y Obelix y Lucky Luke) y su compatriota Jean-Jacques Sempé.
Son 50 hermosas historias resumidas en un libro de culto.
Nick y sus amigos nos llevan en un viaje sobre su vida y sus pasiones.
Un joven que con su pandilla tiene toda clase de aventuras que son ilustradas y acompañadas de un texto que relata la situación.
Tenemos 5 capítulos que van desde la fabricación de un diarios, la vacaciones, el colegio, las peleas clásicas entre recreos, y un sinfin de juegos y situaciones que llevan a enojar a profesores y padres.
Son más de 350 páginas con decenas de historias. Una más divertida que la otra.
En un 100% en b/n el libro es en realidad una compilación de trabajos que datan de 1974. Justamente es en la década de los 50 en donde Goscinny crea al pequeño Nick y lo transforma en un culto.
Rápidamente el alumno Nick se convierte en una estrella.
Un libro entretenido de leer, fácil y para acompañar con niños escuchando las aventuras.
De la editorial suiza Haupt nos llega una de sus últimas publicaciones titulada Papierskulpturen - Inspiration und Anleitungen.
Papierskulpturen es un libro impresionante. Una monología a uno de los artistas más destacados en el arte del papel llamado Richard Sweeney.
Un inglés que se ha dedicado a producir arte y esculturas utilizando netamente el papel.
Todo tipo de papel.
Sin pegamentos y sin ningún tipo de corte idealmente.
Simplemente papel y plegados de papel.
Revisando Papierskulpturen notamos que es un libro que presenta al artista pero se dedica a introducir el arte del papel por sobre todo.
Desde las fuentes de inspiración, sus trabajos, sus objetos y una bibliografía en donde consultar si hay interés en profundizar en esta disciplina Papierskulpturen es una invitación a tomar una hoja de papel y doblarla paso a paso para generar alguna forma interesante.
Ahora no es tan simple.
Papierskulpturen incluye una guía paso a paso de algunas de las obras del autor. Con imágenes que describen el "como hacerlo".
Sus trabajos desde Esculturas modulares, columnas y dinámica fluida son realmente hermosas y el libro las retrata ed excelente forma.
De un diseño elegante, de acuerdo al oficia, con gráficas simples y claras y los textos justos y necesarios Papierskulpturen es un libro objeto que nos lleva hacia esculturas y logros con el papel nunca antes vistas.
Una fuente de inspiración y manual de trabajo para conocer, disfrutar y repetir.
Realmente hermoso.
Papierskulpturen lo puedes encontrar directamente acá.
De la editorial sueca Dokument nos llega una de sus últimas publicaciones titulada Knowing ZASD by his walks sobre el artista ZASD.
Esta monografía sobre el artista aleman Thomas Bratzke (Zasd) viene en tres partes.
Por eso le dicen Volumen I al III.
La primera parte de Knowing ZASD by his walks nos presenta todo el arte conceptual de este destacado artista en las últimas dos décadas.
Tenemos de todos. Es un artista absolutamente multifacético que nos presenta una cantidad de trabajos sorprendente.
Instalaciones en espacios públicos, juegos de maderas en bosques, aviones pintados, instalaciones de luces, esculturas, intervenciones y hasta trabajos de performance.
Hay de todo y que en definitiva busca darle un nuevo enfoque y una nueva actividad para la utilización y la conversación entre el espacio público y su audiencia.
Exhibiendo en Japón, en USA, en Alemania, este artista nos muestra por primera vez una selección de su trabajo.
En la segunda parte nos vemos frente a una novela escrita por Rose Pacult sobre el artista.
La tercera para de Knowing ZASD by his walks es el catálogo de sus trabajos previamente presentados con toda la información más técnica.
- Duración del trabajo
- Lugar y Fecha
- Dimensiones y por supuesto los materiales
Knowing ZASD by his walks es tan diverso que piensas que hay varias personas trabajando. Y no estamos tan lejos. Zasd también forma parte del colectivo jazzstylecorner en donde la música, el teatros y el arte digital son aprovechados en conjunto.
Knowing ZASD by his walks sorprende!
El libro de Knowing ZASD by his walks lo puedes encontrar directamente acá.
De la editorial sueca Dokument nos llega una de sus últimas publicaciones titulada Rubin. Una monografía sobre este destacado artista sueco.
Tony "Rubin" Sjöman es uno de los grandes en la escena del arte urbano en Nueva York, USA.
El libro Rubin nos presenta algo así como la conexión artística entre Escandinavia y Nueva York. Con los trabajo de estudio del artista mezclados con sus murales (como los 2 ejemplos en esta presetnación).
El artista se ha hecho un nombre en la escena no solamente norteamericana sino que también mundial por sus pinturas abstractas con formas geométricas.
Algo que no se ve mucho en el mundo del graffiti.
Al menos no es la forma tradicional conocida...
Trabajando con pintura spray, esmalte y acrílicos el artista logra hermosas composiciones que dejan entrever además el clásico estilo gráfico escandinavo.
Tanto sobre la pared como sobre un canvas.
Además de utilizar una paleta de colores tenues, muy arraigados a la tierra y las manualidades.
Rubin nos acerca a su mundo del taler, de las galerías, de sus viajes y de sus murales a gran escala.
Murale sen Göteborg, Nueva York, New Yersey y Colorado presentan un arte muy hermoso.
Una estética única que el libro Rubin presenta de forma ideal. Un estilo único que nos lleva a mirar más allá. A poder liberar la mente y descifrar lo que nos quiso decir el artista.
Rubin lo puedes encontrar directamente acá.
Desde la editorial alemana Hatje Cantz nos llega Jean-Michel Basquiat con su libro Words are all we have.
Jean-Michel Basquiat - Words are all we have es un libro conmemorativo para los 50 años de cumpleaños este connotado artista lamentablemente fallecido.
Editado por Dieter Buchhart el libro nos presenta al artista de su forma más pura: a través de sus pinturas.
Con ensayos de Thomas Sayers, Greg Tate o Carlo McCormick (e.o.) comienza una monografía RETROSPECTIVA de más de 200 páginas a todo color.
Jean-Michel Basquiat Fue un artista, poeta, músico, dibujante y pintor estadounidense.
Su preocupación por transmitir en su pintura la problemática de doble pertenencia a minorías étnicas, la afroamericana y la latina, si bien es elemento recurrente de su narración pictórica, nunca se sometió a intencionalidades mensajísticas condicionadoras.
Se convirtió en prototipo del genio romántico, atractivo, rebelde, hip y salvaje y, a la vez, en el profesional ansioso de celebridad y dinero, en la última de las estrellas del universo rutilante de Andy Warhol.
Fuente: Wikipedia.
"Nunca sé demasiado bien si estoy vivo. De todos modos no me preocupa demasiado: creo que soy inmortal" había dicho en su momento Basquiat.
Jean-Michel Basquiat - Words are all we have dividido en dos grande capítulos: Palabras y Pinturas no acerca a este mito. A este artista que alcanzó de forma extremadamente rápida una notoriedad y fama inusuales.
Algunos dicen que tiene la influencia del graffiti, otros de la pintura francesa.
Con una personalidad especial y amigos como el mismo Warhol y Haring o bien Madonna Basquiat falleció a las 27 años. Lo cual obviamente deja para material para crear un mito alrededor de su figura artística.
Jean-Michel Basquiat - Words are all we have y sus pinturas, que es la segunda parte del libro y la que más me gusta, hablan un lenguaje especial.
Intensidad, energía son alguna palabras que sus obras dejan ver.
Con una excelente selección de sus obras el libro es un viaje hacia un mundo genial. Lúdico, infantil pero a la vez totalemnte urbano.
Jean-Michel Basquiat - Words are all we have es además el catálogo de la Exposición realizada en Nueva York este año. Por lo tanto muestra también imagenes de los cuadros expuestos en las salas.
Gran monografía de un artista que nos dejó demasiado temprano. Y que hoy en día logra precios con sus cuadros inimaginables!
Jean-Michel Basquiat - Words are all we have lo puedes encontrar directamente acá.
Hermoso libro sobre el arte urbano en Latinoamérica editado por Arte Al Límite.
Presente como KELP con 8 páginas a todo color :)
De la editorial norteamericana Zero+ Publishing nos llega una de sus últimas publicaciones, una monografía del artista Chaz Bojórquez.
Charles Bojórquez más bien conocido como Chaz es un pintor norteamericano conocido por sus pintura conocidas como "Cholo".
La escritura cholo es un estilo creado por las pandillas latinas de Los Angeles, USA. Hay algunos que dicen que es probablemente la forma más antigua de escritura del siglo XX, décadas antes del graffiti de Nueva York.
Choo significa "lowlife", básicamente la vida de barrio de la juventud chicano y hoy en día es una forma popular para describirlos.
De la misma forma han generado además una estética propia con tradiciones y códigos hasta forma de vestirse, tatuajes y tipografías.
Acá entra en escena Chaz Bojórquez.
Chaz Bojórquez es algo así como el principal precursos de este arte. En tiempos donde el arte urbano no era tan glamoroso como lo es hoy en día.
Chaz Bojórquez nos presenta con este hermoso libro su arte y su historia. Desde los comienzos en donde con su tag marcaba territorio. Pero el artista no se dedicó a los murales sino mas bién a la tipografía. A la escencia.
De tremendo esfuerzo y gran cantidad de obras Chaz Bojórquez terminó por crear su propio estilo de escritura cholo.
Además de crear un carácter (Mr. Luck) que protegía a la pandilla de la muerte.
Realmente una gran carrera y que tiene a varios de sus cuadros colgando en reconocidas Galerías del país.
COn más de 170 páginas a todo color, el libro de Chaz Bojórquez es también un viaje por el tiempo. Los capítulos son divididos por décadas (sin texto, solamente imágenes).
Se agradece la gran cantidad de material fotográfico desde bocetos, fotografías de inspiración, trabajos murales, cuadros, hasta su pieza de dibujo. Y al final una inmensidad de productos y material de publicidad (anuncios, etc.).
Chaz Bojórquez es una monografía realmente interesante que puedes encontrar directamente acá.
De la editorial norteamericana Zero+ Publishing nos llega una de sus últimas publicaciones, una monografía del artista Asad Faulwell.
Un interesante personaje que nos entrega pintura bien novedosa
Asad Faulwell es un artista norteamericano que en los últimos años se ha dedicado a producir y pintar cuadros con una connotación política tremenda.
En este caso presentamos el libro dedicado a las mujeres algerianas que lucharon contra los franceses en la guerra por la Independencia durante la década de los 50 y 60.
Ocupando una técnica que comienza con el collage y termina con el puntillismo los cuadros que Asad Faulwell produce no dejan indiferente.
Lo hermoso de este libro es además que muestran no solamente los cuadros completos sino que también detalles y espacios amplios de la Exposición en si.
Respecto al contenido de su obra el artista ocupa en esta serie las imágenes de las mujeres tomadas durante sus vidas antes, durante y después de la guerra.
En blanco y negro para después darle colores en forma de texturas geométricas.
De esta forma logra darle un toque mucho más intensivo a las imágenes y lo que representan. Al fin y al cabo hablamos de historia política real que ha sucedido en el Medio Oriente.
Sorprende saber el destino de las mujeres cuyas imagenes son utilizadas en sus obras. Todas ya sea murieron o fueron capturadas por los franceses.
Lo positivo es que las que estuvieron presas lograr la libertad una vez lograda la Independencias de su país: Algeria.
Desde la editorial alemana Hatje Cantz nos llega Meditated Vandalism - Gen Atem
Del artista europeo Gen Atem tenemos en las manos un libro muy interesante.
Gen Atem es uno de los pioneros del graffiti en Europa. Además del arte urbano en movimiento.
De gran trayectoria este artista trabajó con gran parte de lo más selecto del graffiti en Nueva York. Seen, Rammellzee entre otros han formado equipo para Exposiciones y eventos.
Meditated Vandalism es una monografía sobre el artista y su nuevo rumbo. Esta ves nos enfrentamos al vandalismo ordenado. Algo así como ordenadamente improvisado.
El artista se enfrenta al cuadro, con algun motivo preimpreso, para después atacarlo y bien activarlo con un golpe de pintura.
Una excelente idea para generar dinamismo y frescura.
De la misma firma para generar discusión y debate. Nos enfrentamos al cuadro, a la identidad del personaje retratado.
Meditated Vandalism tiene naturalmente su trasfondo en cuanto a si la globalización es benigna o maligna. Nos destruye y nos deja totalmente sin identidad?
El libro está dividido en varios capítulos que enmacan su trabajo:
- The Three Jewels
- Royal Blood
- Flowers
- Sensation
- How To Execute an Sentence
- Pages
- Rock/Stars
- etc.
Terminamos con un ensayo del artista y finalmente un resumen de su hitoria con las clásicas imágenes antiguas de jóvenes pintando, reuniendose y dibujando y exponiendo.
Meditated Vandalism es un libro sumamente activo y dinámico.
Meditated Vandalism lo puedes encontrar directamente acá.
Desde la editorial chilena Origo Ediciones a través de la distribuidora EOS Libros presentamos un nuevo tomo de la Serie:
En esta ocasión se trata del artista: Raimundo Monvoisin
Raymond Monvoisin, fue un pintor francés, que realizó parte importante de su obra en América del Sur.
Reconocido como el retratista neoclásico de la elite romántica, esto lo llevó a ser un viajero frecuente por el continente. De la talla de un Charton o Rugendas. Los llamados pintores viajeros.
Raimundo Monvoisin es un libro sobre un apasionado del romanticismo y el espíritu aventurero que llegó a Chile en 1843 para fundas la Primera Academia de Pintura.. Lamentablemente la idea no fue concretada...
Una historia particular la de Raimundo Monvoisin. Llegó a Chile y le fue muy bien durante la década que se quedó en al país.
Viviendo de forma bastante acomodada y reconocido por la élite local, con lo cual siempre soñaba, al volver a París no se le reconoció de la misma forma llegando a extrañar los lejanos territorios americanos.
Monvoisin se dedicó a pintar fundamentalmente al óleo pasando por estilos como el neoclasicismo, el naturalismo y el racionalismo.
Los temas que exploró son la alegoría, algunas escenas costumbristas italianas, y el retrato, género que constituye la mayor parte de su producción en Chile.
Raimundo Monvoisin, estimados lectores de KELP.cl es además considerado un precursor de las bellas artes en Chile y uno de los primeros en pintar murales. Las paredes de yeso de las piezas de su hacienda de Los Molles, cerca de Quilpué, las decoró con murales al óleo que eran alegorías tituladas La Escultura, La Literatura, La Música y La Pureza.
Pintó además frescos!
Genial y muy productivo durante su breve estadía en Chile.
Raimundo Monvoisin lo puedes encontrar directamente acá.
Desde la editorial chilena Origo Ediciones a través de la distribuidora EOS Libros presentamos un nuevo tomo de la Serie:
En esta ocasión se trata del artista: Alberto Orrego Luco.
Alberto Orrego Luco fue un pintor paisajista y diplomático chileno (cónsul de Chile en Venecia, Sevilla, Génova y Roma).
Alberto Orrego Luco es además un miembro de una destacada familia muy relacionada a la pintura y las artes. Su cuñado por ejemplo fue el pintor Pedro Lira.
Alberto Orrego Luco es reconocido por el paisaje y las marinas buscando la reflexión y logrando a mi parecer una tranquilidad, serenida pero sobre todo equilibrio con sus pinturas.
Realista por un lado como además idealista por el otro. Más de alguno lo define como impresionista. De todas maneras el trabajo de Alberto Orrego Luco es realmente hermoso con una gama de colores que invitan al relajo y la contemplación.
Pero son a mi parecer también los detalles de sus obras que lo destacan. La gran vista del canal de Venecia por ejemplo (pag 36-37) es alucinante. Óleo sobre tela.
O la cascada del río Bueno que está en Concepción en la Pinacoteca de la Universidad.
Alberto Orrego Luco en su libro describe tanto al artista y su época como además sus viajes por Andalucía, Venecia, Chile, Génova en Italia. Un viajero!
Su trayectoria como artista tiene una profunda influencia en el paisajismo chileno a pesar de que la mayor parte de su vida la desarrollo en Europa.
Alberto Orrego Luco incursionó a lo largo de su vida en el romanticismo, el realismo, el naturalismo y el impresionismo, aunque la mayor parte su obra se ve marcada por la escuela veneciana.
"...Sin exagerar, se le puede considerar entre los máximos pintores chilenos del siglo XIX, a pesar de que casi toda su obra se refiere a Europa y sus costumbres..."
Ricardo Bindis, historiador chileno
Alberto Orrego Luco en búsqueda de la armonía lo puedes encontrar directamente acá.
De la editorial Ocho Libros presentamos su publicación Reyes de la Jungla - Historia visual de Panteras Negras.
La historia visual de una de las bandas ícono del hip hop nacional.
Del autor e integrante del grupo Lalo Meneses este libro repasa toda la historia del emblemático libro.
Capítulos como Presentación - Bailando en la pobla - Desde la basura - Listos pa´la guerra - Insurrección periférica - Por tu pueblo, hablan por si solos.
En el contexto los Panteras Negras es un grupo chileno de Rap y Hip Hop, conformado por LB-1, Chino makina, el duro, Juez, el Pitta y Dj Rata. Actualmente está conformada por LB-1, Chino Makina, Dj Rata.
Con 5 discos a su haber influenciaron como ningún otro esta disciplina musical y artística.
Reyes de la Jungla - Historia visual de Panteras Negras cuenta por primera vez su historia, narrada bajo las palabras de Lalo Meneses.
Leer este libro y repasar sus imágenes es como un viaje en el tiempo. Un viaje que se caracteriza por no ser fácil pero a punta de perseverancia y energía logra convertirse en una tremenda experiencia.
Una crónica del hip hop, del break y del graffiti. Todo incluido.
No solamente Lalo nos habla de la parte artística sino que también desde sus inicios de los temas plolíticos y del día a día. Mucho que contar, muchos recuerdos que los logra plasmar de forma fácil de leer.
Entretenida con miles de anécdotas que contadas por un buen narrador, se agradece.
Reyes de la Jungla - Historia visual de Panteras Negras es para mi algo como un libro necesario. Los panteras marcaron una época y pusieron los fundamentos para lo que hoy vemos existiera.
Respeto!
Reyes de la Jungla - Historia visual de Panteras Negras lo puedes encontrar directamente acá.
Desde la editorial chilena Origo Ediciones a través de la distribuidora EOS Libros presentamos un nuevo tomo de la Serie:
En esta ocasión se trata del artista: Alfredo Valenzuela Puelma.
Alfredo Valenzuela Puelm fue un pintor chileno, pionero en pintar desnudos en el país.
Un artista especial, de un caracter bastante temperamental que, se puede entender, al pintar desnudos fue catalogado de tendencias anticlericales y conflictivo políticamente hablando.
Estamos hablando de una época conservadora en Chile en donde la iglesia y los grupos feministas tenían mucho que decir. Justamente ahí es donde Alfredo Valenzuela Puelma hace acto de presencia.
No sorprende entonces que gran aprte de su obra es reconocida en Europa, no en Chile. En Chile su arte fue censurado y criticado por las poses de sus desnudos.
Pero no todo son desnudos. Alfredo Valenzuela Puelma además pintaba con el equilibrio de colores y trazos de pinceles que lo caracterizaba Escenas como la Antigua Estación de Bellavista. Óleo sobre tela.
Además en este libro se detacan su retratos y toda la escena alrededor. Prueba de ello es la perfección de sus flores, libros y muebles
Por consiguiente Alfredo Valenzuela Puelma se especializó en la figura humana y los retratos. Su estilo se enmarca dentro de la corriente academicista.
Alfredo Valenzuela Puelma muchas veces ha definido como un artista incomprendido pero lo cual no dejó que fuera de gran influencia en la llamada generación del 1913.
Creo que fue un artista revolucionario que se atrevió a pintar lo que otros no querían ver o consideraban conflictivo. Eso ya es honorable.
Alfredo Valenzuela Puelma es un libro que enfoca de forma objetiva el trabajo de este importante artista destacando sus viajes a París, sus problemas en Santiago y algunos análisis de sus obras como La ninfa de las cerezas (ver imagen arriba).
Obra que polarizó.
Alfredo Valenzuela Puelma lo puedes encontrar directamente acá.
Desde la editorial chilena Origo Ediciones a través de la distribuidora EOS Libros presentamos un nuevo tomo de la Serie:
En esta ocasión se trata del artista: Pedro Lira.
Pedro Lira fue un destacado pintor y crítico artístico chileno. Lira fue un extenso promotor del arte en el país, organizó algunas de las primeras exposiciones de arte en Chile y es considerado como uno de los artistas de mayor importancia para el desarrollo de la pintura en Chile, dando origen a múltiples organizaciones y convenciones de arte especializado.
Pedro Lira como bien subtitula el libro es el maestro fundador. Chile en esos años pasó de carecer de un arte propio a poder hacer gala de su primera generación de artistas donde Pedro Lira marcó la pauta.
Por otro lado es uno de los artistas chilenos del que se encuentra mayor documentación histórica tanto de su vida como de su obra. El libro lo refleja de excelente forma pudiendo sintetizar la trayectoria del artista en: El artista en ciernes y el artista consagrado.
Como en toda la serie el libro se divide en 2 partes. El pintor y su época y Obra sy análisas.
Personalmente la segunda parte es en toda la serie muy interesante. Revisar en la práctica y analizar sus obras en detalle dejan ver por que Pedro Lira llegó a ser considerado uno de los mayores pintores de la pintura chilena.
Pintor, crítico, maestro y difusor del arte en Chile por más de 20 años influenciando de manera directa o indirecta a la mayoría de los pintores nacionales.
Además la imagen de su cuadro La fundación de Santiago fue utilizado en los billetes en Chile, durante los siglos XX y XXI en diversas oportunidades.
Actualmente sus principales obras se exhiben en los museos más importantes del país tales como la Casa del Arte, el Museo de Bellas Artes, el Palacio de la Moneda, la Biblioteca Nacional, el Museo Histórico Nacional, entre otros.
Sus Escenas, Retratos y Paisajes se caracterizan por una definición clara de los objetos y sus protagonistas, considerandose como impresionista.
Pedro Lira lo puedes encontrar directamente acá.
De la editorial alemana Belser nos llega una de sus últimas publicaciones titulada Hieronymus Bosch - Visionen eines Genies (El Bosco).
De los autores Matthijs Ilsink y Jos Koldeweij el libro de este tremendo artista holandés viene en marco de una Exposición que se realizó a razón de los 500 años de la muerte del artista.
Jheronimus van Aken, llamado familiarmente Joen y conocido como Jheronimus Bosch, en España el Bosco, fue un pintor holandés, autor de una obra excepcional.
Uno por su creatividad inmensa en cuanto a la creación de personajes (ver ambos cuadros en esta crítica) como además por su técnica.
Hieronymus Bosch - Visionen eines Genies no fechó ninguno de sus cuadros y son relativamente pocos los que llevan una firma.
Es así como lo poco que se conoce de su vida y de su familia procede de las escasas referencias que aparecen en los archivos municipales de Hertogenbosch en donde se realizó la Exposición (Museo Het Noordbrabants).
Ninguna obra se le puede atribuir con absoluta seguridad y las características de su singular estilo se han podido fijar únicamente a partir de un reducido número de obras del archivo mencionado.
Místico y al mismo tiempo absolutamente lúdico en sus dibujos (al menos las escenas masivas).
Hieronymus Bosch - Visionen eines Genies es un libro que en más de 120 páginas a todo color presenta gran parte de su obra...recopilada.
Tenemossu vida en Hertogenbosch, su vida como dibujante, sus santos dibujados y una cronología de su vida (1450 a 1516).
Figuras humanas, mitad hombre mitad animal, monstruos, diablos y muchos más podemos ver en sus tablas y bocetos. Es por otro lado el libro con la mayor cantidad de trabajos de Bosch presentados.
Hieronymus Bosch - Visionen eines Genies es un libro que demoró 6 años en terminarse debido a lo exhaustivo de la investigación. Y no me cabe duda que considerando lo poco que se sabe del artista y sus cuadros, realizar este documento fue una aventura.
Es en definitiva el libro que destaca a uno de los pintores más destacados de Holanda durante la Edad Media.
Hieronymus Bosch - Visionen eines Genies lo puedes encontrar directamente acá.
Desde la editorial chilena Origo Ediciones a través de la distribuidora EOS Libros presentamos un nuevo tomo de la Serie:
En esta ocasión se trata del artista: Fernando Álvarez De Sotomayor.
Fernando Álvarez De Sotomayor fue un pintor, profesor, y además director del Museo del Prado y miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid en España.
Por otro lado y lo que nos convoca con este hermoso libro Fernando Álvarez De Sotomayor fue un artista importante en los círculos de arte académico español de la primera mitad del siglo XX.
En Chile, su influencia fue fundamental, a pesar de que vivió solo seis años en este país. Con sus clases primero y luego como director de la Escuela de Bellas Artes en Santiago, dejó una marca original favoreciendo los temas populares y la impronta hispánica en la primera generación de artistas chilenos reconocida como la "Generación del 13".
Fuente: Wikipedia.
La estadía de Fernando Álvarez De Sotomayor en Chile fue importante. Básicamente por que debido a su presencia la pintura chilena que tenía fuertes influencias y se regía por la cultura francesa, finalmente amplió sus horizontes para mirar a su contraparte española.
Por lo tanto se creó una influencia hispánica nunca antes vista.
Además Fernando Álvarez De Sotomayor fue un gestor y logró darle impulso a más exposiciones de arte en Chile celebrando en 1910 la famosa Celebración del Centenario de la Independencia.
Y por su puesto la influencia como descrito arriba de la Generaciónd el 13. Un grupo que pintaba temas más costumbristas y populares, produciendo una renovación del repertorio iconográfico de la pintura chilena.
Los Hermanos Lobos, Bustamante, Plaza entre otros fueron parte de ese famoso grupo.
Fernando Álvarez De Sotomayor es un libro ademá de historia que nos cuenta como el artista vivió la época franquista, la guerra civil española e.o.
Fernando Álvarez De Sotomayor lo puedes encontrar directamente acá.
Desde la Fundación Casa de la Acuarela nos llega una de sus publicaciones titulada Mujeres del Agua - la acuarela como lenguaje de la autora Micaelina Campos.
El libro tiene como finalidad realzar la técnica de la acuarela con una lectura transversal de periodos y corrientes, en la que destacan las obras de quince mujeres artistas del siglo XX , entre ellas Ana Cortés, Roser Bru y Lea Kleiner.
Hermoso formato cuadrado representa de una excelente forma las obras de cada artista.
Con capítulos como La síntesis y el agua, los nuevos caminos y las precursoras el libro es en realidad una pequeña biblia en cuanto a la disciplina de la pintura con acuarela femenina en Chile.
En el prólogo encontramos la relación con Israel Roa (cuyo libro hemos reseñado hace poco) haciendo alusión a su importancia fundamental en la historia de la acuarela en Chile.
Mujeres del Agua - la acuarela como lenguaje es un merecido reconocimiento a estas artistas. Recordemos que la acuarela está siempre acompañada de la incertidumbre de su resultado.
Todo acá depende del agua y en el libro sea resume en tres pilares: gesto, representación y temporalidad.
- Gesto como extensión de la escritura al exponer un dibujo sobre una superficie de papel
- Representación con el sentido de la identificación de lo pintado
- Temporalidad por el hecho de trabajar con agua y el pigmento.
Conceptos interesantes más descritos en el libro que vale la pena indagar.
La información en general es breve y lo importante resalta: las obras.
Hermoso, delicado y sutil pero sobre todo representativo.
Mujeres del Agua - la acuarela como lenguaje lo puedes encontrar directamente acá:
- Museo Nacional de Bellas Artes (+56 2 2633 8652)
- Fundación Museo Casa de la Acuarela (+56 2 2325 3878)
Desde la editorial chilena Origo Ediciones a través de la distribuidora EOS Libros presentamos un nuevo tomo de la Serie:
En esta ocasión se trata del artista: Onofre Jarpa.
Onofre Jarpa fue pintor paisajista chileno. Muy prolífico realizó una inmensa cantidad de obras trabajando con e.o. pintores de la generación del 13.
Su principal característica fueron los paisajes, con especial énfasis en el detalle, complementado con un entorno romántico (ver imágenes).
Por lo mismo también se le considera de los pocos pintores románticos de Chile.
El libro titulado también "fuente inagotable de inspiración" nos relata la época en donde el pintor estuvo inserto.
Sus primeras pinceladas, la influencia europea y su desarrollo en Chile. Claramente los viajes por el mundo y su visión de la religión y la acogida nacional fueron influencia mayor en su arte.
Los paisajes chilenos y el mar chileno fueron su estilo y su identidad que hicieron de Onofre Jarpa de los grandes pintores del Siglo pasado.
96 páginas a todo color y obras seleccionadas nos presentan a un artista que vivió durante una época muy vertiginosa: Riqueza del salitre, Conexiones con regiones remotas del país, Tendencias del arte mundial como el cubismo y el surrealismo.
Sin embargo se mantuvo fiel a su estilo de contemplación, calma y plenitud hasta sus últimos años.
Onofre Jarpa lo puedes encontrar directamente acá.
Desde la Fundación Casa de la Acuarela nos llega una de sus publicaciones titulada Israel Roa dedicada a uno de los grandes acuarelistas chilenos.
Una Retrospectiva de un Premio Nacional.
Israel Roa decidido desde niño a seguir la carrera de pintor es considerado uno de los representantes más señeros de la Generación del 40.
Sobre todo por sus temáticas e imaginario sobre el paisaje y las costumbres locales, traspasando las fronteras de lo real para introducirse en un mundo de colores y formas.
El libro basado en la Exposición del mismo nombre recorre la vida y obra del artista reuniendo por primera vez óleos y acuarelas además de documentos personales inéditos, que permiten entender su trayectoria artística.
Israel Roa inauguró en 1939 la cátedra de acuarela en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile, que dictó durante 31 años, sentando las bases de esta técnica en Chile: al oficializar la acuarela como una disciplina autónoma, ésta dejó de ser una herramienta dentro de las artes visuales utilizada por pintores, naturalistas y arquitectos para realizar bocetos de sus trabajos, y se constituyó formalmente en una disciplina pictórica de relevancia.
Fuente: artistasvisualeschilenos.cl
El libro de las autoras e investigadoras Micealina Campos, Pilar Navarrete (periodista) y Juan Manuel Martinez (curador) es un viaje intenso hacia sus obras.
Los capítulos:
- Materia y luz - la aventura de Israel Roa
- Obra 1930-1990
El trabajo de Roa es hermoso y el libro presentándo por página 1 obra lo logra transmitir.
Excelente iniciativa para rescatar tan magno trabajo de uno de los grandes pintores de nuestro país. Sus méritos fueron reconocidos por el gobierno de Chile al concederle el Premio Nacional de Arte 1985.
Israel Roa lo puedes conseguir directamente acá:
- Museo Nacional de Bellas Artes (+56 2 2633 8652)
- Fundación Museo Casa de la Acuarela (+56 2 2325 3878)
Desde la editorial chilena Origo Ediciones a través de la distribuidora EOS Libros presentamos un nuevo tomo de la Serie:
En esta ocasión se trata del artista: Alfredo Helsby.
Alfredo Helsby fue un pintor chileno considerado el paisajista del sur de Chile y uno de los más grandes maestros de la pintura chilena del siglo XIX.
Heredero de una sensibilidad inglesa para el color comenzó con un período paisajista llegando a los temas urbanos en el transcurso de sus casi 800 obras.
Tenemos grandiosos panoramas naturales de las montañas, campos y valles australes de Chile, a través de una cierta técnica impresionista de profusión de colores
Para Helsby el paisaje natural poseía una fuerza mágica inherente a los espectáculos efímeros cuyas distintas expresiones trataba de plasmar en sus telas. Sin hacer suyo el mensaje impresionista, su singularidad se encuentra en la apertura que realizó al mundo de la luz, su distanciamiento de la temática condicionante y de la representación rigurosa, así como la mayor flexibilidad en las técnicas.
Fuente: Wikipedia.
En este hermoso libro sobre la obra de Alfredo Helsby podemos ver que su trabajo fue mas bien un cuestionamiento e invitación a replantear conceptos, temas y técnicas a fin de depurar el arte plástico. En esa época influencias francesas estaban a la orden.
En el medio artístico chileno de esa época Helsby revolucióno al utilizar muchas veces puntos de vistas aereos y sobre todo por el empleo de lienzos de enormes dimensiones.
En este libro podemos entender al pintor y su época como a su obra y su análisis. Posteriormente tenemos el índice de obras que realmente es genial.
En total más de 100 páginas a todo color dedicadas al artista.
Alfredo Helsby de la Serie Pintura Chilena del Siglo XIX lo puedes encontrar directamente acá.
De la editorial alemana Schirmer & Mosel nos llega una de sus últimas publicaciones titulada Paintings & Photographers.
Este libro se basa en una hermosa historia.
Georgia O'Keeffe tomó en su vida la desición de ir a vivir desde la ruidosa Nueva York al desierto de Nueva México.
Ya reconocida como artista, esta noticia dejo a mucho perplejos.
Sin embargo la artista comenzó su vida tranquila fuera de la prensa y fue justamente para su cumpleaños numero 80 que el fotógrafo John Loengard la fue a visitar al desierto.
Es de este encuentro en donde Paintings & Photographers selecciona las hermosas imágenes de esta mujer solitaria y su vida en el desierto.
Tremendo impacto.
Paintings & Photographers además retrata de muy buena manera como l avida de Georgia se ha ido mimetizando con el entorno y como justamente éste fue su principal influencia para sus cuadros y pinturas.
Georgia falleció en 1986.
Paintings & Photographers es un libro de unas 80 páginas a todo color (con imágenes en b/n) que vá intercalando los cuadros pintados por ella con las fotografías de ella del fótografo.
Hermoso viaje y sobre todo entendiendo el contexto y su vida apartada encuentro que las imágenes de ellas se roban la película.
Paintings & Photographers es si bien breve realmente hermoso. Un retrato más que merecido de una persona que tuvo actitud y supo claramente lo que quería en la vida.
Paintings & Photographers lo puedes encontrar directamente acá.
Desde la editorial chilena Ocho Libros nos llega un título, una novela clásica de nuestra literatura chilena. Se trata de Hijo de ladrón del escritor chileno Manuel Rojas.
Manuel Rojas Sepúlveda (en realidad nació en Argentina) fue un escritor chileno, autor de más de una veintena de libros, que abarcaron cuentos, novelas, poemarios y ensayos. En 1957 fue reconocido con el Premio Nacional de Literatura.
Hijo de ladrón es el título de una novela que narra en primera persona la historia de Aniceto Hevia, un joven nacido en Buenos Aires cuyo destino errante lo lleva a desplazarse por diversos escenarios situados entre Argentina y Chile.
Pero en esta edición hablamos de algo especial.
Es la versión gráfica de esta tremenda novela: Hijo de ladrón - la novela gráfica.
Dibujos de Luis Martinez, Guión de Christian Morales y Adaptación de diálogos por Marco Herrera generan una historia como la conocemos pero mucho más viva, mas intensa. Un desafío no menor...
Vamos al contenido:
La novela comienza en la cárcel de Valparaíso, donde Aniceto Hevia rememora hechos sucedidos a lo largo de unas dos décadas, desde antes de su nacimiento hasta el momento presente. Su vida estará marcada por un padre ausente, "el Gallego", que tenía por oficio y emblema al robo y al mundo delictivo.
"¿Cómo y por qué llegué hasta allí? Por los mismos motivos que he llegado a tantas partes. Es una historia larga y, lo que es peor, confusa."
Primeras líneas de Hijo de ladrón.
Fuente: Wikipedia.
Manuel Rojas Sepúlveda (en realidad nació en Argentina) fue un escritor chileno, autor de más de una veintena de libros, que abarcaron cuentos, novelas, poemarios y ensayos. En 1957 fue reconocido con el Premio Nacional de Literatura.
Hijo de ladrón es el título de una novela que narra en primera persona la historia de Aniceto Hevia, un joven nacido en Buenos Aires cuyo destino errante lo lleva a desplazarse por diversos escenarios situados entre Argentina y Chile.
Pero en esta edición hablamos de algo especial.
Es la versión gráfica de esta tremenda novela: Hijo de ladrón - la novela gráfica.
Dibujos de Luis Martinez, Guión de Christian Morales y Adaptación de diálogos por Marco Herrera generan una historia como la conocemos pero mucho más viva, mas intensa. Un desafío no menor...
Vamos al contenido:
La novela comienza en la cárcel de Valparaíso, donde Aniceto Hevia rememora hechos sucedidos a lo largo de unas dos décadas, desde antes de su nacimiento hasta el momento presente. Su vida estará marcada por un padre ausente, "el Gallego", que tenía por oficio y emblema al robo y al mundo delictivo.
"¿Cómo y por qué llegué hasta allí? Por los mismos motivos que he llegado a tantas partes. Es una historia larga y, lo que es peor, confusa."
Primeras líneas de Hijo de ladrón.
Fuente: Wikipedia.
El protagonista Aniceto es tanto testigo, protagonista y lector de su propia historia.
Mediante sus recuerdos, nos acerca a sus dos realidades: la libertad y el sometimiento a la cárcel. La cárcel como un espacio dominado por un sistema de orden y la libertad, sin saber que hacer con ella. Mostrando claramente el lado "b" de la sociedad.
Esto gráficamente es sumamente interesante revisarlo, sobre todo por que hablamos de temas existenciales y viajes hacia atmósferas complejas y duras de la vida.
Nota: Geniales las panorámicas logradas de Valparaiso, de escenas en la nieve y de la vida en la calle. Muy bueno.
Ocho Libros logra con esta novela gráfica un gran resultado que me gusta mucho por que está en blanco y negro con un tipo de dibujo basado en los trasos rápidos, tipo croquis.
Hijo de ladrón lo puedes encontrar directamente acá.
Estimados lectores, de la editorial chilena Origo Ediciones a través de la distribuidora EOS nos llega un tremendo libro titulado Rugendas - Su viaje por Chile 1834 - 1842.
Del autor, historiador de arte y principal especialista de la obra de Rugendas, Pablo Diener también recibimos la introducción y selección de las obras (detalles más adelante).
Johann Moritz Rugendas, más conocido como Mauricio Rugendas fue un pintor y dibujante alemán, conocido por sus registros de paisajes y gentes de varios países latinoamericanos en la primera mitad del siglo XIX.
Rugendas - Su viaje por Chile 1834 - 1842 es una edición especial preparada por el historiador del arte Pablo Diener, que da cuenta de la creación artística del destacado pintor durante su estadía en Chile de 8 años.
Rugendas fue el más productivo de las decenas de pintores viajeros que visitaron Chile en la primera mitad del siglo XIX.
Rugendas - Su viaje por Chile 1834 - 1842 es un volumen sorprendente. Más de 1.400 dibujos y acuarelas sumando a unos 200 óleos hicieron de su estadía una máquina de pintura.
Realmente muy eficaz a la hora de registrar lo que veía, observaba en los diferentes lugares del país que visitó.
Lo interesante de Rugendas es su forma de interpretar y entender nuestra cultura que en aquellos años de alguna u otra forma recién se estaba formando.
Y sobre todo fue uno de los primeros pintores en retratar a Chile para los europeos, para muchos de los cuales América aún era desconocida.
El libro de más de 170 páginas a todo color presenta una selección de trabajo de Rugendas con 95 obras entre acuarelas, dibujos y óleos de nuestras tradiciones populares, paisajes andinos y de la Araucanía.
El trabajo de Rugendas fue un hito para Chile y este libro lo presenta de la mejor forma.
Me gustó mucho la delicadeza y calidad de cada imágen presentada. Un texto breve que la acompaña para explicar el cuadro y la temática detrás.
Rugendas - Su viaje por Chile 1834 - 1842 lo puedes encontrar directamente acá.
De la editorial alemana Kerber nos llega una de sus últimas publicaciones titulada
Leunora Salihu" sobre la artista del mismo nombre.
Está dividido en 4 capítulos:
Leunora Salihu" sobre la artista del mismo nombre.
Está dividido en 4 capítulos:
- Ensayos sobre la artista de Julia Wallner y de Friedrich Meschede
- Dibujos
- Biografía
- Listado cronológico
Una de sus formas y estilos que la destacan son sus esculturas en cerámica y sus instalaciones y el uso del espacio.
Hermosos trabajos, muy conceptuales y apoyados por ensayos de Friedrich Meschede como también por una interesante entrevista de Julia Wallner a la artista, el libro es parte de la exposición "Eternity Suddenly Happens" del 02.07 al 27.09.
La artista acá nos presenta una selección de sus últimos trabajos realizados en Holanda.
Geniales formas logradas con cerámica.
El libro Leunora Salihu es básicamente el catálogo/libro/biográfia de esta interesante artista.
Muy bien logrado y mostrado son también las repeticiones y las complejas formas que la artista logra.
De la editorial chilena Ocho Libros nos llega este hermoso ejemplar dedicado al creador de Condorito, el gran René "Pepo" Ríos Böttiger.
Con más de un centenar de ilustraciones provenientes de Uruguay, Argentina, México, Bolivia, Ecuador y Chile el libro es un homenaje realizado junto a la galería Plop! (de Santiago) al legado de tremendo artista y artífice de uno de nuestros símbolos criollos.
El libro titulado "100% Pepo" es un objeto pequeño en cuanto a su formato pero con más de 120 páginas siguiendo los colores característicos de sus revistas.
Condorito es una serie de historieta cómica chilena, protagonizada por el personaje homónimo creado por Pepo.
Publicada por primera vez el 6 de agosto en 1949, con los años se convirtió en la más popular Historieta en Chile, habiendo sido distribuida además en Hispanoamérica.
Actualmente se lee en 105 periódicos de habla hispana distribuidos en 19 países, incluyendo Canadá, Estados Unidos, Italia y Japón. Anualmente se publican 1369 millones de sus tiras cómicas, siendo, junto con Mafalda, el personaje de historietas hispano de mayor relevancia en el mundo.
Argumento suficiente para rendirle homenaje con 100% Pepo a su creador.
Un concurso llevado a cabo por la galería y la editorial recopiló una tremenda cantidad de trabajos que homenajeaban con una página gráfica a la historieta y al autor.
La selección de estos trabajos es justamente de lo que se trata 100% Pepo.
Un libro que me gusta mucho por que sigue la linea gráfica de las historietas y la gran variedad y estilos presentes con el mismo tema de fondo.
El libro fue lanzado en el marco de las celebraciones del centenario de Pepo, nacido el 15 de diciembre de 1911. Por lo tanto el 2011.
Más de 160 obras provenientes de Argentina, Ecuador, Bolivia. México y Chile fueron parte del concurso. Entre ellas se seleccionó un centenar.
Hermoso, dedicado y "exigiendo una explicación" el libro 100% Pepo lo puedes encontrar directamente acá.
Estimados lectores, con esta publicación de la editorial chilena Origo Ediciones a través de la distribuidora EOS Libros comenzaremos a presentar en KELP.cl la completa serie titulada:
Pintura Chilena del Siglo XIX editada hace un tiempo y muy vigente en nuestros días.
Serán en total 14 tomos de los cuales presentaremos periódicamente cada uno de ellos referentes a un artista en particular. Es una serie histórica con lo más destacado de nuestra historia pictórica de aquel siglo donde se forjaron los principales exponentes.
Comenzamos con Thomas Somerscales - Pintor de célebres marinas y serenos paisajes.
Thomas Jacques Somerscales fue un pintor inglés, famoso por sus cuadros de batallas navales hechos durante su estadía en Chile desde 1869 hasta 1892.
Proveniente de una familia de marinos, Somerscales recorrió el mundo durante su juventud. En su segunda vez en Valparaíso (1869), una enfermedad no precisada lo obligó a permanecer indefinidamente en ese puerto chileno.
En 1879 estalló la Guerra del Pacífico y, ante la falta de imágenes, fueron los cuadros de Somerscales los que las proveyeron.
Sus principales obras se encuentran en el Museo de Bellas Artes de Chile
Reproducciones de ellas figuran en casi todos los textos de historia de la Guerra del Pacífico hechos en Chile.
En total Somerscales vivió veinte años en los cerros de Valparaíso antes de regresar a su Inglaterra natal. Inspirado por la naturaleza chilena y la historia nacional, pintó con trazo firme, colores intensos y sensibilidad romántica los paisajes de tierra adentro y las gestas navales, que le valieron el aplauso de chilenos y británicos.
Thomas Somerscales - Pintor de célebres marinas y serenos paisajes nos deja con más de 90 páginas un hermoso resumen de su obra.
Los capítulos se ordenan desde el Pintor y su época pasando por las Obras y su análisis llegando finalmente al Índice de obras.
De esta formas en por ejemplo el subcapítulo de las Vistas y panorámicas tenemos realmente hermosos trabajos que son analizadas por los editores de Origo.
El muelle de Prat en Valparaiso (pág. 29) y las diversas vistas de Valparaiso (pág. 35) por ejemplo están entre ellas.
Debo decir que el principal fuerte de Somerscales fueron sus Marinas y combates (subcapítulo) donde la técnica de Óleo sobre tela fueron artífices de lograr tremendas escenas como "Digan que voy sin novedad" (pág. 76) o "Toma del Húascar" (pág 90-91).
Thomas Somerscales - Pintor de célebres marinas y serenos paisajes es un hermoso resultado para describir obra y vida de un importante artífice de nuestra historia.
Thomas Somerscales de la Serie Pintura Chilena del Siglo XIX lo puedes encontrar directamente acá.
Desde la Fundación CorpArtes nos llega la publicación que fue el hilo conductor para la exposición sobre el artista catalán Joan Miró en el Centro de las Artes en Santiago, Chile titulada "Joan Miró, la Fuerza de la Materia ".
El mismo Centro de las Artes o también conocido como CA660 se inauguró con esta hermosa exposición del artista.
112 obras realizadas mayoritariamente en los años 60 y 70 fueron mostradas al público durante 4 meses.
Esta exposición marcó un hito cultural en nuestro país, tanto por el nivel de consagración del artista como por la calidad de las obras expuestas.
Joan Miró i Ferrà fue un pintor, escultor, grabador y ceramista español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo.
En su obra reflejó su interés en el subconsciente, en lo "infantil" y en su país. En un principio mostró fuertes influencias fauves, cubistas y expresionistas, pasando a una pintura plana con cierto aire naïf. A partir de su estancia en París, su obra se vuelve más onírica, coincidiendo con los puntos del surrealismo e incorporándose a este movimiento.
En numerosas entrevistas y escritos que datan de la década de 1930, Miró manifestó su deseo de abandonar los métodos convencionales de pintura, en sus propias palabras de "matarlos, asesinarlos o violarlos", para poder favorecer una forma de expresión que fuese contemporánea, y no querer doblegarse a sus exigencias y a su estética ni siquiera con sus compromisos hacia los surrealistas.
Fuente: Wikipedia.
Uno de sus grandes proyectos fue la creación en 1975, de la Fundación Joan Miró, ubicada en Barcelona, centro cultural y artístico para difundir las nuevas tendencias del arte contemporáneo. Justamente desde esta Fundación y su colección privada fueron mostradas las obras.
Otros lugares con importantes fondos de sus obras son: la Fundación Pilar i Joan Miró, en Palma de Mallorca; el Museo Reina Sofía, en Madrid; el Centro Pompidou, en París; y el MOMA, en Nueva York.
El catálogo Joan Miró, la Fuerza de la Materia que presentamos es hermoso. Una portada tremenda ("sin título" de 1975, pág. 107) que invita a descubrir el mundo del artista.
Breves introducciones de Álvaro Saieh (Presidente de la Fundación Corpartes), Rosa Malet (Directora Fundación Joan Miró) y Joan Punyet Miró (nieto del artista) dan la entrada para descubrir y entender al artista.
Los capítulos de:
- Pinturas y Dibujos
- Esculturas
- Grabados
En ellos podemos revisar obras de formatos pequeños y medianos como también esculturas. Generalmente de la época entre 1960 y 1970.
Joan Miró, la Fuerza de la Materia finalmente se complementa con una bien lograda Biografía del artista.
El CA660 contó con la visita del nieto del artista, Joan Punyet Miró, durante los primeros días de exposición.
La muestra fue visitada por más de 85.000 personas!
Joan Miró, la Fuerza de la Materia lo puedes encontrar directamente acá o bien en la tienda del Museo en CA660.
De la editorial chilena Ocho Libros nos llega su última publicación titulada "Tesoros de la Tierra" de la autora Macarena Barros Jimenez.
Tesoros de la Tierra es un proyecto apoyado por el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes que realmente merece estar en primera plana en las librerias.
Estamos hablando de la riqueza de la artesanía chilena que se hace presente a lo largo de todo el país. Chile, como bien sabemos, es un país tremendamente largo que geográficamente tiene una versatilidad como pocos.
Justamente la artesanía reunida a través de la obra y del artesano en el libro "Tesoros de la Tierra" le saca el jugo a cada región.
La forma en que la autora arma el libro es muy lógica, atravesando el país destacando lo mejor de cada lugar, de cada técnica y de cada artista presentado.
El libro de más de 152 páginas a todo color presenta en doble página a cada artista. Pero vamos por el comienzo:
El libro comienza con la introducción „Mano a Mano" de Mario Fonseca, Director de Arte y „Artesanos de nuestras vidas" de la propia autora (Macarena Barros Jimenez).
Posteriormente una de las partes mas importantes y absolutamente necesarias de libro es el indica que es gráfico.
Mostrando el país con granos de arena y la distribución de cada artista y su obra por región. De esta forma queda claro donde cada cual se situa.
Y comenzamos con el viaje en la provincia de Arica con Matilde Beltrán. Llegando hasta Puerto Williams en Cabo de Hornos con Julia Gonzalez.
68 Artistas son presentados en con su obra con imágenes y un texto que explica su historia, técnica, lugar y la vida de cada artista. Resumido en media página dado que la segunda mitad de cada presentación está en versión inglés.
Claramente pensando en ampliar el público objetivo y poder ser leído por otras culturas.
Tesoros de la Tierra lo puedes encontrar directamente acá en el sitio de Ocho Libros.
De la editorial italiana Skira nos llega una de sus última publicaciones tituladas Matta - On the Edge of a Dream.
Asi es, estimados lectores de KELP.cl. Presentamos el primer libro del Roberto Matta en KELP.
Muy felices de poder introducir este libro, destacamos la Exposición que estuve en Santiago homenajeando al gran pintor chileno.
Roberto Matta (1911-2002), fue un arquitecto, humanista, pintor y poeta chileno, considerado el último representante del surrealismo.
La publicación del autor Thomas Monahan es un reflejo personal de la amistad que tuvo el autor con Matta. Era tanto su amigo, como su manager quien vendía sus cuadros.
Los trabajos de Matta reproducidos en este hermoso libro de 150 páginas (a todo color) son parte de la colección privada del autor, vendidas por el autor.
Además son representadas obras que están presentes en algunos de los principales museos del planeta: MoMa en Nueva York, Centre Pompidou en Paris, e.o.
Junto a los cuadros encontramos 2 entrevistas con el autor Thomas Monahan que detallas más la vida del artista. Su estudio, su visión estando viviendo en Paris, Francia, etc.
Interesante descubrir más detalles de Matta.
Además el autor nos lleva y guia a través de las pinturas en el libro. Conociendo como pocos sus pinturas.
Eso está excelente.
De la editorial Taschen y a través de su filial en Chile, la librería Contrapunto, nos llega un hermoso libro de la serie de Basic Art 2.0.
En esta ocasión sobre el artista american Basquiat (Jean-Michel Basquiat 1960-1988)
Basquiat, conocido en el mundo del graffiti también como SAMO (en sus primeros días) fue un pionero del arte urbano. Rápidamente (en solo 10 años aprox.) se catapultó a la fama mundial con un arte muy particular.
En el libro de Basquiat podemos descubrir la importancia que le daba el artista a las minorías étnicas, la afroamericana y la latina.
Amigo de Any Warhol (quien de alguna manera fue también su mentor) Basquiat se convirtió en prototipo del genio romántico, atractivo, rebelde, hip y salvaje y, a la vez, en el profesional ansioso de celebridad y dinero
Fuente Wikipedia
El libro de Taschen es genial. Como toda la seria de Basic Art 2.0 se trata de ofrecer una presentación de los artistas de forma breve y concisa. Genial idea y con la calidad de los libros de Taschen a precios accesibles.
En las librerias de Contrapunto como ya hemos presentado con el libro de Rivera puedes encontrar Basquiat y muchos otros de los libros de esta sería Basic Art.
El libro de Basquiat tiene capítulos que son muy interesantes sobre todo considerando la importancia de la época para el graffiti, el arte urbano y el arte en su totalidad. Sobre todo en Nueva York de los 70 y 80.
Su infancia y juventud, el camino a la fama, sus temáticas y relación con Warhol como los últimos años son calgunos capítulos.
Una buena parte de su catálogo lo revisamos en el libro. Trabajos de acrílico y cer acobre lienzos, collages y pinturas con spray.
Hay de todo y escrito de una forma entretenida. Hermoso libro de un personaje demasiado influyente para nuestro arte.
Lamentablemente Basquiat a su temprana edad consagró un mito en una carrera prolífica, de un estilo único.
El autor Leonhard Emmerling por su lado es doctorado en la Universidad de Heidelberg y a cargo de la división de Arte Visual del Goethe Institud en München, Alemania.
Basquiat, el libro, lo puedes encontrar en las librerías de Contrapunto a lo largo de Chile o online en: contrapunto.cl
De la editorial inglesa Thames & Hudson nos llega una de sus últimas publicaciones titulada "The Spirit of Indian Painting - Close Encounters with 101 Great Works 1100 - 1900"
Del autor B.N. Goswamy, eminencia de la historia del arte indio, este librazo es hasta la fecha la obra magna del arte indio.
El libro principal para entender y aprecia la pintura de la India.
Con más de 550 páginas a todo color el libro es un libro histórico que se basa en una selección de 101 trabajos que abarcan casi un siglo de creatividad.
El proferso Goswamy básicamente nos llega a través de un viaje para descubrir el tesoro oculto detrás de cada pintura, recontando las historias, leyendas o eventos que los inspiraron.
De la misma forma es tanto educativo como alucinantes. Si bien recién publicado, el libro las tiene todas para ser un clásico.
Una obra magna que encuentro intensa, muy interesante con historias de lo más curioso.
Es el primer libro que nos llega a KELP sobre arte indio y creemos que en cuanto a arte clásico y antiguo de la India nos anima a descubrir más sobre su historia.
The Spirit of Indian Painting - Close Encounters with 101 Great Works 1100 - 1900 está escrito en forma de novela.
BN Goswamy ha analizado durante más de 50 años (!) la historia del arte en la India. En el libro encontramos los cap+itulos divididos según el concepto de la pintura:
- Visiones
- Observaciones
- Pasiones
- Contemplaciones
Las historias detrás de las obras son de lo más diversas. Hay intrigas, romances, sueños, de todo.
Si te gusta la India, su cultura y el arte, el libro The Spirit of Indian Painting - Close Encounters with 101 Great Works 1100 - 1900 es para tí.
The Spirit of Indian Painting lo puedes encontrar directamente acá.
Desde la editorial alemana DOM publishers nos llega su última gúia sobre la Arquitectura. En este tomo hablamos de Chile.
La seria de guías acerca de la Arquitectura de un país o de una ciudad en particular a tenido muchisimo éxito.
Les presentamos Architectural Guide: Chile.
Hemos en KELP.cl ya presentado varias guías arquitectónicas enfocándonos en descubrir esa arquitectura icónica de cada lugar e.o: Africa del Sur (South Africa),
Riga, Venezia (Venice), Brasil (Brazil).
En el caso de de esta guía hablamos desde Arica a Punta Arenas.
Las autora Véronique Hours y Fabien Mauduit presentan en 4 capítulos, divididos por zonas:
- A - Norte
- B - Central
- C - Metropolitana
- D - Sur
A ser Architectural Guide: Chile un libro técnico y de explicaciones del tipo de la conceptualidad de cada obra, podemos revisar los planos, información del año de la construcción además del arquitecto, ubicación.
Además de un código QR que te lleva a la página y más información de la obra en Internet. Genial idea!
Además al final del libro Architectural Guide: Chilepodemos revisar los mapas indicativos de la ubicación de las obras en la región y el país.
La guía Architectural Guide: Chile es de una calidad de diseño y de detalles excepcional. Me gusta mucho esta seria y al ser Chile le de un valor especial en este caso.
Imagenes hermosas de los sectores, de las obras arquitectónicas y de detalles que viviendo en el pais no necesariamente se conocen.
Genial descubrir esas informaciones.
Architectural Guide: Chile lo puedes encontrar directamente acá.
De la editorial inglesa Thames & Hudson nos llega una de sus última publicaciones para el arte urbano. Titulada "Make Your Mark - The New Urban Artists" del autor Tristan Manco, es un libro re interesante y totalmente a la vanguardia artística urbana.
Más de 256 páginas y sobre 350 ilustraciones nos llevan a descubrir el mundo de los artistas emergentes.
De partida encuentro muy bueno que haya este tipo de publicaciones para artistas aún no consagrados pero que requieren de una plataforma para surgir. Internet hace lo suyo, una publicación impresa de estas características es algo totalmente de un valor superior a mi parecer.
Make Your Mark - The New Urban Artistsexplora el trabajo de 35 artistas selectos del arte urbano que usan todo tipo de elementos y técnicas para crear sus obras.
Básicamente como dicen en el libro en una época donde las obras de Bansky son protegidas en la vía pública por un vidrio Plexiglas y los grafiteros exhiben en galerías de arte, este libro se enfoca en lo nuevo.
En la siguiente generación que aún sigue siendo virgen, a descubrir.
Desde ilustraciones, pintura figurativa, collages, comic, murales, afiches...hay de todo en Make Your Mark - The New Urban Artists.
Artistas presentes (aunque aún no suenen, probablemente si lo harán en un futuro) son: Carlos Don Juán, Mark Francis Williams, Zio Ziegler Fuco Ueda, e.o.
Tristan Manco es toda una eminencia en publicaciones de libros para este genero. Sus libros como Sketchbook, Big Art/Small Art, Street Logos, Stencil Graffiti hablan por si solos.
A mi parecer este es su libro más interesante y de gran creatividad a la fecha.
Me gusta la selección de artistas, el diseño de los textos, la elección de imagenes, el formato y el papel utilizado.
Genial y totalmente fresco!
Make Your Mark - The New Urban Artists lo puedes encontrar directamente acá.
De la editorial alemana Sieveking Verlag nos llega su última publicación titulada Karen Appel - Werke auf Papier.
Del autor Jonas Storsve el libro sobre el artista holandés Karel Appel (1921 - 2006) es hermoso.
A mi parecer sobre todo por que la obra pictográfica del artista tiene mucho color y tiene un concepto de renovación, considerando que Appel fue artífica principal del resurgimiento del arte después de 1945.
El artista, uno de los más reconocidos artistas holandeses fue cofundador del grupo artistico CoBrA en 1948, junto con Asger Jorn, Jan Nieuwenhuys y Christian Dotremont.
Appel está clasificado como pintor expresionista de la segunda mitad del siglo XX. Su obra, si bien se acerca a la abstracción, siempre contiene temas reconocibles (personas, animales, paisajes).
Durante su periodo en CoBrA pintaba con vivos colores figuras simples con fuertes delineados.
El libro Karen Appel - Werke auf Papier es un libro publicado en marco de la retrospektiva del artista en Paris y München.
Por primera vez se publica y analiza el trabajo previo de Appel en cuanto a sus bocetos y dibujos sobre papel.
Se han publicado libros sobre sus obras pictóricas, pero no de sus tan interesantes obras sobre el sustrado en donde todo comienza.
Con 156 páginas y sobre 110 imágenes a todo color el libro
Karen Appel - Werke auf Papier y la exposición son recomendables visitarlas.
Karen Appel - Werke auf Papier lo puedes encontrar directamente acá.
De la editorial alemana Sieveking Verlag nos llega una de sus últimas publicaciones titulada Franz Marc - Zwischen Utopie und Apokalypse.
Franz Marc (1880 - 1916) es uno de los artistas denominados emnajador de la modernidad-
Su arte que funcionaba alrededor de los animales se ha establecido en el colectivo imaginario comun. Franz Marc, pintor aleman, además es conocido como uno de los fundadores del estilo artístico denominado Expresionismo.
El libro Franz Marc que es publicado para el centenario de su muerte y en marco de una exposición entre Mayo 2016 y Febrero 2017 en Kochel, Alemania se basa en 3 de las obras ícono del artista:
- Weidende Pferde IV (Die roten Pferde, 1911)
- Das arme Land Tirol (1913)
- Kämpfende Formen (1914)
En base a bocetos, estudios y obras que fueron creadas en paralelo los 3 cuadros son nuevamente analizados con lo más avanzado de la tecnología.
Es importante destacar que el artista es tremendamente recordado en la ciudad de Kochel, es oriundo de ahí y básicamente una superestrella del pueblo.
Surgen por lo tanto preguntas como:
- Como logras llevar a un cuadro muy popular a hablar después de 100 años de la muerte del artista?
- Cuales eran las influencias del artista?
- Como llegó a sus repetitivos principios básicos de composición?
Más de 160 páginas a todo color y de un diseño muy hermoso hacen de Franz Marc un libro atractivo y recomendable.
De la editorial alemana Publikat les presentamos un librazo. Un poco de historia y un tributo al mismo tiempo. Titulado "DARE TO BE DIFFERENT" este libro es un objeto de culto (o lo logrará ser en poco tiempo).
Probablemente todos los lectores que visitan KELP.cl periódicamente conocen a DARE y sus tremendos Wildstyle y la influencia que ha tenido en todo escritor.
El libro es una monografía de quizá uno de los artistas más reconocidos en la escena del graffiti a nivel mundial.
Titulado "DARE TO BE DIFFERENT" sobre el artista suizo DARE o bien Sigi von Koeding (1968-2010) el hecho de tener este documento entre las manos es alucinante.
Lamentablemente DARE nos tuvo que abandonar el 2010, por eso es que un libro era una necesidad importante para comunicar todo lo que había hecho.
Me acuerdo durante años sus trabajos eran cosa de todas las semanas unas cuantas paredes. Un tipo fenomenal y muy productivo.
DARE TO BE DIFFERENT es un libro de casi 250 páginas a todo color en formato apaisado que recorre todos los procesos creativos del artista. Desde sus inicios hasta sus últimos días. De hecho aún tenía cuadros por terminar.
Revisando las imágenes de abajo rápidamente podrán ver que había logrado una evolución tremenda en sus letras y en como la D la A la R y la E comunicaban entre ellas.
Cuando estuve en Alemania pude también pintar un muro con Loomit en dedicación a su trabajo y como forma de respeto por todo lo que había significado en el arte.
DARE TO BE DIFFERENT habla de un artista nacido en Basel, Suiza que logró ser uno de los protagonistas de la escena sobre todo por que sabía armar grupos de trabajo, coordinar y mover personas.
Algo importante para poder pintar en casi todos los continentes.
El respeto que ha ganaso DARE se puede ejemplificar simplemente con que existen muros que el ha pintado hace 25 años en plena vía pública y no han sido tocados.
Genial!
El libro además incluye bocetos, pensamientos del artista, lienzos, cuadros, trenes y muchas muchas paredes.
Hasta una entrevista al final del libro que dió hace unos años a la televisión suiza.
Obligado tener este libro en tu biblioteca. Y lo recomiendo totalmente!
DARE TO BE DIFFERENT lo puedes encontrar directamente acá.
De la editorial chilena Ocho Libros nos llega un hermoso y pequeño libro titulado "Miniaturas de Pomaire".
Haciendo fiel reflejo de su nombre el libro pequeño en formato perfecto con respecto a la temática nace con la intención de rescatar y valorizar una técnica artesanal en peligro de extinción, a través de un registro visual de sus proceso de elaboración.
Estamos hablando de las increibles Miniaturas de Pomaire
Pomaire es una localidad, en Chile, ubicada a aprox. 50 km. de Santiago. Llena de historia relacionada a las manualidades con greda.
Miniaturas de Pomaire nace como proyecto de título de las autoras Marcela Avalos y Massiel Vergara, ambas de la carrera de Diseño de la UTEM el 2008.
En el libro se enfoca no solamente la disciplina de trabajar la greda propiamente tal, sino que también el trabajo específico de Maria Zavala. Quien es ella?
Ganó el *Sello de Excelencia Artesanías Chile 2011 con la colección "Piezas Miniaturas" que en total fueron ocho piezas que reproducen la artesanía utilitaria tradicional de Pomaire. Un crack.
María Zavala es la última cultora de esta artesanía que se ha dedicado por completo. con más de 40 años de experiencia, a las Miniaturas.
Las Miniaturas del libro son parte de la producción de cerámicos que se puede identificar en tres grupos. Utilitaria - Decorativa y Miniaturas, del "tipo jugetón"
Miniaturas de Pomaire las describe todas y se enfoca en la tercera.
Lo que más me gustó del libro son, tanto las imágenes seleccionadas como el diseño cuidado de cáda página. Hermoso resultado!
Y el proceso de realizar estas Miniaturas, registrado de forma textual y fotográfica es tan importante para no perder nuestra tradición.
El libro, un proyecto cultural, tiene 140 páginas y con texto en idioma inglés y español lo puedes encontrar directamente acá en ocholibros.cl.
De la editorial alemana Taschen y a través de la librería Contrapunto nos llega una de sus última publicaciones titulada "Rivera". De Diego Rivera, el otroro gigante del muralismo mexicano y pintor de los 3 grandes de ese país.
Diego Rivera fue un destacado muralista mexicano de ideología comunista, famoso por plasmar obras de alto contenido social en edificios públicos tanto del DF como en otras regiones y en EE.UU.
También conocido por ser pareja de Frida Kahlo, Rivera supo como ningún otro observar la escencia de la revolución y del pueblo mexicano para plasmarla en murallas. Además de buen observador, fue un tremendo artista.
No debemos olvidar que sus murales, hablando de la décad de 19109 y '20, eran de proporciones gigantes.
Influencias del cubismo, cuando vivía en Europa y naturalmente de la revolución méxicana, Rivera pintaba sus visiones de un México post-revolución con un estilo bien marcado que básicamente mostraba el retorno a las raices de sus pueblo precolombino.
El libro de Taschen es el primer estudio completo del artista. Hemos reseñado libros de él de sus murales y de sus pinturas (por separado) pero no un todo que incluye además su ideología comunista, sus viajes, sus óleos, etc.
Acá es quizá importante destacar el capítulo "Ideología comunista para clientes capitalistas" en donde Rivera junto a Siqueiros y Orozco (los 3 grandes muralistas méxicanos del siglo XX) describen como logran introducir sus frescos a por ejemplo el país vecino como integración revolucionaria. Muy interesante capítulo.
Sus autorretratos también merecen un capítulo aparte siendo una continuación de sus trabajo de frescos pero en gran formato y después lienzos ya entrando en años.
Taschen logra un libro hermoso. Es de formato pequeño, con aprox. 100 páginas.
De la autora Andrea Kettenman, quien actualmente reside en México, Rivera es un libro
cautiva de diferentes formas.
Me gustó mucho el hecho de incluir detalles de sus obras, de sus murale sy lienzos, permitiendo observar componentes y temas sútiles incluidos en sus pinturas.
Hermoso libro para un gran artista y de gran influencia para nuestro arte urbano latinoamericano.
Rivera lo puedes encontrar directamente acá.
Rivera lo puedes encontrar directamente acá.
De la editorial y también sello musical Potoco Discos nos llega su publicación acerca del duo de grandes artistas chilenos AGOTOK.
El libro titulado "Agotok - Graffiti y Muralismo from Santiago du Chile" es una monografía acerca del trabajo en la calles de Santiago de los artistas.
Agotok lleva décadas pintando en diferentes partes de Santiago, como Agotok y posteriormente como Moreno Villa y dejando rastro en murallas de su arte dedicándose a pintar la poesía y la crítica social del pueblo sobre las paredes de la nación.
Un trabajo hermoso y que el libro en su materialidad, diseño y calidad refleja plenamente.
Me gusta mucho el uso de papel y de las imágenes que fueron seleccionadas.
Agotok son autodidactas que dese Santa Rosa a Gran Avenida, pasando por Departamental y Américo Vespucio, dan vida como dicen en el libro "a la metáfora y golpear con un mensaje que reflexiona, que acusa y que debe ser leído".
Desprovisto de ideologías, Moreno Villa perteneces a una generación de pintores callejeros, que a principios de los años 90 iniciarion sus carreras guiados por el rap y el Hip Hop junto con la pintura enlatada, las válvulas y los plumons de gran densidad.
La experiencia ligada al crecimiento personal ha llevado a su obra más allá de las escena del graffiti dando alma y cuerpo a la existencia en su trabajo de un muralismo propiamente chileno y latinoamericano, con identidad propia, versátil e inagotable.
Fuente: Agotok, el libro.
Agotok resumen los trabajos realizados entre el 2008 y el 2012 básicamente (el libro fue lanzado el 2012)
Buenas fotografías, buen concepto de libro y geniales trabajos en las paredes.
El libro de los AGOTOK lo puedes conseguir directamente acá.
De la editorial inglesa Carlton Books nos llega un libro diferente titulado "The Treasures of Leonardo Da Vinci" del autor Matthew Landrus.
The Treasures of Leonardo Da Vinci viene en una caja lo que ya le da una aire de distinto y lo comprueba a l revisar el contenido.
Tenemos además del libro propiamente tal un sinfin de documentos impresos que emulgan lo que en su momento fueron los bocetos, historias, dibujos y estudios del gran maestro Leonardo Da Vinci.
Leonardo da Vinci (1452 - 1519) fue un polímata florentino del Renacimiento italiano. Fue a la vez pintor, anatomista, arquitecto, paleontólogo, artista, botánico, científico, escritor, escultor, filósofo, ingeniero, inventor, músico, poeta y urbanista destacado en The Treasures of Leonardo Da Vinci.
Frecuentemente descrito como un arquetipo y símbolo del hombre del Renacimiento, genio universal, además de filósofo humanista cuya curiosidad infinita solo puede ser equiparable a su capacidad inventiva, Leonardo da Vinci es considerado como uno de los más grandes pintores de todos los tiempos y, probablemente, es la persona con el mayor número de talentos en múltiples disciplinas que jamás ha existido.
Como ingeniero e inventor, Leonardo desarrolló ideas muy adelantadas a su tiempo, tales como el helicóptero, el carro de combate, el submarino y el automóvil destacados en The Treasures of Leonardo Da Vinci. Muy pocos de sus proyectos llegaron a construirse (entre ellos la máquina para medir el límite elástico de un cable), puesto que la mayoría no eran realizables durante esa época.
Como científico, Leonardo da Vinci hizo progresar mucho el conocimiento en las áreas de anatomía, la ingeniería civil, la óptica y la hidrodinámica.
Su asociación histórica más famosa es la pintura, siendo dos de sus obras más célebres, La Gioconda y La Última Cena, copiadas y parodiadas en varias ocasiones, al igual que su dibujo del Hombre de Vitruvio.
The Treasures of Leonardo Da Vinci es un libro hermosamente ilustrado que destaca los mayores eventos en la vida de Leonardo da Vinci.
Desde su niñeza, sus estudios con Andrea de Verrocchio, sus primeros trabajos a comisión, su paso por Florencia, Milan llegando a sus trabajos pictoricos como la Mona Lisa y la última cena, sus estudios técnicos y humanos.
Es una vida de una de las personas más destacadas en la historia de la humanidad!
Los inventos son un capítulo aparte
Un talento realmente sorprendente. The Treasures of Leonardo Da Vinci lo destaca con un libro que es un viaje y está escrito de tal manera para no aburrir.
Los documentos que comentaba impresos aparte en The Treasures of Leonardo Da Vinci son pequeños cuadernos imitados como si fueran de Leonardo. Afiches, cartas, hay de todo. Y vienen en sobre para que no se pierdan tan facilmente.
El autor Matthew Landrus es especialista en la historia moderna visual tanto en ciencias como en filosofía de Euripa. Ha publicado una cantidad de libros sobre Leonardo da Vinci con un enfoque en su trabajo de ingenieria y arte
The Treasures of Leonardo Da Vinci lo puedes encontrar directamente acá.
De la editorial Ocho Libros nos llega una de sus últimas publicaciones titulada "Andrés Perez - Tiene la Palabra" de la autora María de la Luz Hurtado.
A más de diez años de su muerte, en enero de 2002, la figura y el legado de Andrés Pérez siguen vigentes y su influencia crece hasta convertirse en ejemplar.
Andrés Pérez Araya, actor de profesión y director de teatro fundó el Teatro Urbano Contemporáneo y la compañia teatral EL Gran Circo Teatro con obras como Nemesio pela'o que es lo que te ha pasa'o, Popol Vuh y la más influyente de su carrera, La Negra Ester.
Con la Negra Ester, Andrés Pérez se convirtió en un referente de la escena artística de Chile durante la década de los noventa.
El libro Andrés Perez - Tiene la Palabra es un documento de más de 235 páginas a todo color que resume con fotografías su figura, obra y persona. Pero sobre todo, su legado.
Bien dinámico el libro presenta imágenes de las preparaciones de las obras de teatro. Vistas desde detrás de los escenarios y de muchas experiencias que marcaron su vida. Es como ver una obra de teatro con todas las situaciones que pasan en el vestuario, en las pruebas, en las opiniones, el antes y después. Genial!
Nota: el día de nacimiento de Andrés Pérez, el 11 de mayo, se ha transformado en un día importante en cuanto a difusión cultural y artística. Cada año en esta fecha se realizan diversos carnavales teatrales en ciudades como Valparaíso, Santiago, Concepción y Punta Arenas. En el año 2006 el Senado de Chile declaró el 11 de mayo como el "Día Nacional del Teatro", en honor a la destacada carrera de Pérez.
El libro que está configurado como una obra de teatro contiene una:
- Obertura acerca de la creación, fiesta popular del alma y el cuerpo
- Primer Acto sobre vivir, crear, oficiar el teatro. Incluye una conversación entre la autora y el artista
- Intermedio acerca de las creaciones de fin de siglo con téxtos críticos de Andrés Pérez y la autora
- Segundo Acto con el manifiesto y el testamento poético del artista
- Tercer Acto con la bictácora creativa. La cronología del artista recopilada por la autora.
Hermoso libro, importante por la figura de Andrés Pérez en la cultura criolla chilena y en su trabajo artístico sobre todo en el Teatro.
Marcó pauta e hizo historia.
Andrés Perez - Tiene la Palabra lo puedes encontrar directamente acá en Ocho Libros.
De la editorial chilena Ocho Libros nos llega un hermoso libro Pueta Peralta y su Lira Popular sobre uno de los exponentes más importantes de la poesía popular chilena: Juan Bautista Peralta "Pueta Peralta".
El libro Pueta Peralta y su Lira Popular retrata la vida de Juan Bautista, un hombre analfabeto y ciego! que no solo llegó a convertirse en poeta sino también en fundador de más de un periódico de principios del siglo XX.
Es un homenaje, muy bien logrado, de manera tal que podamos recordar la herencia, la generosidad y la alegría de vivir que el trabajo de Pueta Peralta irradia. Tanto en los pequeños como en los adultos.
Con textos desarrollados por Francisca Bernardi (ganadora del premio Altazor), fotografías de Constanza Fernández y el montaje artístico de María Paz Vicensa, el libro que presenta Ocho Libros está diseñado como un cuento ilustrado para niños pero encuentro que cumple también el objetivo de entretener a los adultos.
Excelente idea.
Pueta Peralta y su Lira Popular es un libro que rescata la historia y nuestro patrimonio cultural. Además de la forma, la historia se teje en un contexto histórico que los niños reconocen porque se enseña en el colegio y se trata de una inspiradora historia de superación.
Fue gracias a Pueta Peralta que la disciplina de la Lira Popular, se haya hecho tan conocida como la conocemos al día de hoy.
"La lira popular se caracteriza por venir de los sectores pobres de la población chilena de la época. Está escrita en décimas acompañadas de grabados que contaban los acontecimientos nacionales que veía el poeta.
La lira no es sólo un archivo patrimonial pasado con valor de identidad; acompaña a los niños en el proceso de pasar de la oralidad a la escritura.
Esta literatura se creó en la época en que gran parte de la población era analfabeta, entonces son poemas que tienen nemotécnica para ser recordados y aprender el lenguaje. Hay personas que pueden pensar que la lira está obsoleta y detenida en ese tiempo, pero con los niños ese momento se actualiza constantemente. La lira no es sólo un archivo patrimonial pasado con valor de identidad; acompaña a los niños en el proceso de pasar de la oralidad a la escritura", explica la fotógrafa Constanza Fernández.
Hermoso libro sobre un personaje que mereceía tener un libro en donde su arte prevalece y es enseñado a los niños.
Genial!
El libro Pueta Peralta y su Lira Popular lo puedes encontrar directamente acá en Ocho Libros.
De la editorial alemana Kerber nos llega una de sus últimas publicaciones titulada "MaJo Brothers - Graffiti Art" acerca de los hermanos Marc y Joe Hennig = "MaJo"
Te preguntarás quienes son ellos?
Graffiti Art es un libro acerca del tremendo legado artístico de los hermanos Hennig, oriundos de Düsseldorf, Alemania.
Ellos
han sido parte importante y una gran influencia en el desarrollo de la
cultura del graffiti en Alemania.
Sus murales y sus trabajos gráficos sobre diferentes sustratos son una muestra de la diversidad y la calidad de sus trabajos.
Acá tenemos de todo. Desde autoadhesivos, objetos, tablas de skate, murales, graffiti, trenes pintados, madera pintada, cuadros, cursos de arte y documentaciones (audiovisuales).
Genial la cantidad de cosas que han hecho.
Interesante además es ver los bocetos de estos trabajos que están incluidos en el libro. Para ver de donde nace la idea, como se desarrolla y como finalmente la realizan.
Sus murales y sus trabajos gráficos sobre diferentes sustratos son una muestra de la diversidad y la calidad de sus trabajos.
Acá tenemos de todo. Desde autoadhesivos, objetos, tablas de skate, murales, graffiti, trenes pintados, madera pintada, cuadros, cursos de arte y documentaciones (audiovisuales).
Genial la cantidad de cosas que han hecho.
Interesante además es ver los bocetos de estos trabajos que están incluidos en el libro. Para ver de donde nace la idea, como se desarrolla y como finalmente la realizan.
El libro contiene además una entrevista a los hermanos en donde cuentan su historia, los cres, su desarrollo y sus influencias.
Interesante, divertido, colorido.
MaJo Brothers - Graffiti Art lo puedes encontrar directamente acá.
De la editorial alemana Prestel y en marco de la increible Exposición sobre los artistas Paul Klee y Wassily Kandinsky en München, Alemania nos llega este libro titulado "Klee&Kandinsky".
Es considerada por muchos como una de las exposiciones más importantes de este año 2016 y que demuestra la amistad artística de ambos personajes en parte los creadores de de estilos como el expresionismo.
Klee y Kandinsky pertenecen al grupo de artistas más reconocidos del siglo XX y curiosamente han sido amigos durante gran parte de sus carreras artísticas, regalandose cuadros y compartiendo viajes. En ciertos períodos hasta eran vecinos en la misma ciudad e intercambiaban conocimientos y técnicas de pintura.
Paul Klee
Este libro trata los 30 años de amistad entre ambos, cuando fundaron la corriente del "Blauen Reiter" por 1912 hasta después de la década de los 30. Enfoque principal es la época del Bauhaus de gran influencia para ambos ya que daban clases en Weimar y Dessau.
Es interesante el díalogo que ambos llevaban. En parte competencia artística, en parte influencia, en parte amistad pero siempre en pro del arte. Siempre de acuerdo con la meta de llevar el Arte a un plano más espiritual analizando las leyes internas y propias.
Cabe destacar que Kandinsky promovía más el arte abstracto y Klee tomada como referencia la Naturaleza. Absolutamente contradictorio a pesar de eso había una retroalimetnación que el libro muestra de forma hermosa.
Este libro trata los 30 años de amistad entre ambos, cuando fundaron la corriente del "Blauen Reiter" por 1912 hasta después de la década de los 30. Enfoque principal es la época del Bauhaus de gran influencia para ambos ya que daban clases en Weimar y Dessau.
Es interesante el díalogo que ambos llevaban. En parte competencia artística, en parte influencia, en parte amistad pero siempre en pro del arte. Siempre de acuerdo con la meta de llevar el Arte a un plano más espiritual analizando las leyes internas y propias.
Cabe destacar que Kandinsky promovía más el arte abstracto y Klee tomada como referencia la Naturaleza. Absolutamente contradictorio a pesar de eso había una retroalimetnación que el libro muestra de forma hermosa.
Wassily Kandinsky
Paul Klee nació en Münchenbuchsee, cerca de Berna, Suiza, en una familia de músicos, de padre alemán y madre suiza. De su padre obtuvo la ciudadanía alemana, que usaría toda su vida, dado que Suiza se negó a darle ciudadanía durante su exilio en ese país durante la persecución nazi. Estudió arte en Múnich con Heinrich Knirr y Franz von Stuck.
Klee trabajaba en óleo, acuarela, tinta y otros materiales, generalmente combinándolos en un solo trabajo. Sus cuadros frecuentemente aluden a la poesía, la música y los sueños, y a veces incluyen palabras o notas musicales.
Paul Klee
En 1911 Wassily Kandinski y Franz Marc fundaron en Múnich un grupo de artistas vinculado al expresionismo.
Paul Klee no era oficialmente miembro de esta asociación, pero con todo se sentía muy unido al círculo de artistas que la integraban y participó en sus exposiciones. Entre los miembros del Blaue Reiter se contaban August Macke, Gabriele Münter y Marianne von Werefkin. Todos compartían un interés por el arte gótico y primitivo y por los movimientos modernos del fovismo y el cubismo.
El nombre del grupo se deriva de una obra pictórica de Kandinsky de 1903 que a partir de 1912 sirvió de ilustración para los títulos de un anuario con ese mismo nombre.
En 1911 Wassily Kandinski y Franz Marc fundaron en Múnich un grupo de artistas vinculado al expresionismo.
Paul Klee no era oficialmente miembro de esta asociación, pero con todo se sentía muy unido al círculo de artistas que la integraban y participó en sus exposiciones. Entre los miembros del Blaue Reiter se contaban August Macke, Gabriele Münter y Marianne von Werefkin. Todos compartían un interés por el arte gótico y primitivo y por los movimientos modernos del fovismo y el cubismo.
El nombre del grupo se deriva de una obra pictórica de Kandinsky de 1903 que a partir de 1912 sirvió de ilustración para los títulos de un anuario con ese mismo nombre.
Wassily Kandinsky
Vasili Vasílievich Kandinski nació en Moscú, Rusia. Fue un pintor, precursor de la abstracción en pintura, y teórico del arte. Se considera que con él comienza la abstracción lírica y el expresionismo.
Klee y Kandinsky es un libro-catálogo de hermoso, muy recomendable si te gusta su arte.
La exposición la puedes visitar hasta el 24.01.2016 en el Museo Lenbachhaus en München, Alemania.
De la editorial alemana Kerber nos llega el libro acerca del artista "Albert Weisberger - Retrospektive" y la exposición en el museo Saarlandmuseum.
Albert Weisberger (1878-1915) fue un artista alemán reconocido por sus pinturas y gráficas.
Entre Impresionismo y el comienzo del Expresionismo es donde se sitúa su trabajo pictórico.
En un principio su trabajo fue totalmente olvidado y solamente un par de años después de su fallecimiento ha retomado importancia.
2015, a 100 años de su muerte, Albert Weisgerber, además de ser uno de los más importantes representantes de la Münchner Moderne fue testigo de una exposición hermosa en Saarland, su ciudad natal.
El libro Albert Weisberger - Retrospektive es el catálogo de la exposición y contiene todos los trabajos exhibidos. Fue realizado en cooperación con la fundación del artista Albert-Weisgerber-Stiftung St. Ingbert.
Fue durante la primera guerra mundial donde ésta fue la razón de darle término a su trabajo artístico estando en su apogeo el artista y habiendo logrado una posición de importancia entre los circulos artísticos.
Es un libro hermoso, con la historia del artista, sus influencias. La colección del museo de Saarland es impresionante. Más de 150 objetos fueron expuestos.
El libro Albert Weisberger - Retrospektive lo puedes encontrar directamente acá.
De la editorial Thames & Hudson nos llega el libro "The World Atlas of Tattoo" de los autores
Anna Felicity Friedman con un prólogo de James Elkins.
Anna Felicity Friedman curadora y la coordinadora del sitio web tattoohistorian.com.
James Elkins is teólogo y crítico en la School of the Art Institute de Chicago.
The World Atlas of Tattoo es un libro increible, lleno de imágenes vibrantes e increibles.
El arte del tatuaje ha tenido cambios radicales a través del último siglo, básicamente por que se ha convertido en un arte masivo y popular.
Con el creciente numero de artistas que se han dedicado a tatuar su arte en cuerpos humanos, The World Atlas of Tattoo, ha hecho una selección de los 100 artistas más conotados de la actualidad.
Innovando con prácticas milenarias y nuevas tecnologías , la diversidad que encontramos en cuanto a estilos, géneros y técnicas es completa.
El libro The World Atlas of Tattoo es potente. Tiene más de 700 imágenes repartidas en 400 páginas a todo color.
Repartido por cápitulos que se dedican a los artistas de cada continente vemos tenemos a Asia, America Latina, USA, Oceanía, Medio Oriente y Europa.
Una breve introducción que revisa la historia y las tradiciones del tatuaje en la región se complementa con los trabajos de los tatuadores que son presentados de forma individual.
Con ambos autores comos entusiastas del tatuaje el libro The World Atlas of Tattoo creo que no deja en el camino ningúna tendencia ni referencia.
Obras monumentales como las estilos más diversos es de los mejores libros que he visto sobre el tatuaje.
The World Atlas of Tattoo lo puedes encontrar directamente acá.
De la editorial chilena Ocho Libros nos llega una de sus últimas publicaciones titulada INTI, acerca del grafitero chileno Inti.
Inti es un grafitero oriundo de Valparaiso que ha logrado a través de su trabajo establecerse entre los grafiteros más reconocidos de la actualidad. Un referente del graffiti chileno y tambien del graffiti mundial debido a sus monumentales pinturas.
Comenzando a pintar en la calle, una vez habiendo estudiado Arte, sus graffiti eran de formatos pequeños en las calles de Valparaiso. Algunos de ellos aún existen!
Año a año y proyecto por proyecto los murales de Inti crecieron en tamaño y en complejidad.
Es aqui donde el libro Inti de Ocho Libros entra en escena mostrando los principales muros que el artista ha pintado en los últimos años.
Lo sorprendente es que han sido solamente un par de años, muy intensivos, en donde Inti ha logrado pintar no solo en paises como Libano, USA, Francia, Tahiti, Polonia, etc. sino que cada vez formatos mas grandes con dibujos por lo general con más elementos que los anteriores.
Un edificio de 12 pisos? Ningun problema (en Lodz, Polonia. Página 118 del libro)
Ocho Libros se destaca por libros de calidad tanto en la elecciond el tema, el diseño y la calidad de su trabajo impreso.
Me parece una excelente selección el haber escogido a Inti para el primer libro de graffiti de un artista en Chile. Una monografía que vale mucho la pena revisar.
Actualmente en todo libro de murales, graffiti de tamaños XXL, Inti no debe faltar.
Muy respetable!
Inti es un libro que se destaca darle improtancia o mejor dicho por dejar hablar a las imágenes de los murales del artista por si solos.
Mario Cuche, periodista que acompaña a Inti en este libro, no insiste con demasiada informacion textual. Breves prólogos como "Un día te encuentras con Inti" o bien "El sincretismo como bandera universal" (en español y en inglés) introducen el arte de Inti y sus simbolismos de forma muy concisa e interesante.
Al fin y al cabo lo que Inti pinta tiene todo un trasfondo socio-cultural de Latinoamerica.
Listo. El resto imágenes del trabajo, del proceso y detalles de sus muros. Al final es lo que importa para este tipo de arte y del libro, dejar que te soprenda directamente.
Si quieres ver una pintura en vivo? En Santiago por ejemplo es cosa de ir a la salida de la estación de Metro Bellas Artes para observar In Situ el arte de Inti.
No solamente conozco personalmente al artista y hemos pintado juntos, sino que los trabajos y las imagenes que seleccionó son ideales para un libro muy recomendable.
Leyendo el libro todos sabemos que muchos trabajos no necesariamente quedan para siempre, por lo que el libro se convierte en un único registro.
El libro Inti lo puedes encontrar directamente en Ocho Libros acá
De la editorial alemana Schnell und Steiner nos llega esta monumental obra titulada Michelangelo - Marmor und Geist sobre la restauración del Mausoleo y la tumba del papa Julio II.
Michelangelo Buonarroti conocido también como Miguel Ángel, fue un arquitecto, escultor y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica.
Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma, que era donde vivían sus grandes mecenas, la familia Médici de Florencia y los diferentes papas romanos.
Fue el primer artista occidental del que se publicaron dos biografías en vida en 1550 y en 1553 siendo muy admirado por sus contemporáneos, que le llamaban el Divino.
Triunfó en todas las artes en las que trabajó, caracterizándose por su perfeccionismo. La escultura, según había declarado, era su predilecta y la primera a la que se dedicó y en la cual se basa este libro.
Es en el trabajo para Julio II donde Miguel Ángel lleva su perfeccionismo a su máxima expresión.
Fanatismo, Desafío y Pasión mezclados con absoluta creatividad creo que son definiciones que resumen el libro Michelangelo - Marmos und Geist.
40 años estuvo trabajando en este la obra del Mausoleo del Papa y sus correspondientes estatuas vecinas.
Lo interesante y lamentable al mismo tiempo es que nunca llegó a verlo listo.
La tumba del papa Julio II es el proyecto más completo del artista y en donde llegó a su máxima expresión del detalle y de la complejidad.
En Michelangelo - Marmor und Geist un grupo de científicos se dedica a registrar todo el proceso de restauración más grande que se ha hecho en esta obra.
Aprovecharon de analizar y revisar desde un punto de vista científico-artístico el trabajo del artista.
Es por eso que el libro tiene un sin fin de bocetos, planos de las estructuras y de las esculturas como un detallado recuento de lo realizado en el momento de la restauración.
Genial y al detalle!
Puedes encontrar el libro directamente en la editorial Schnell und Steiner acá.
Para simplificar el acceso estos son los detalles del Libro:
- Editorial: Schnell & Steiner
- ISBN: 978-3-7954-2915-7
- Precio: € 98.00
De la editorial norteamericana Zero+ Publishing nos llega su última publicación titulada KOFIE - Keep Drafting.
Es una monografía del artista Augustine Kofie y su trayectoria realmente alucinante resumiendo sus primeros pasos en el arte urbano con ilustraciones del tipo Hip Hop de los ochenta hasta sus recientes collages en diferentes sustratos.
KOFIE - Keep Drafting como objeto es hermoso. Tiene solamente un texto inicial escrito por Rafael Schacter que brevemente resume el trabajo de Kofie y lo presenta como su historia entre un choque del pasado con el futuro.
El documento limitado en su edición es un libro que es de formato grande (aprox 30 x 30 cm) e impreso a todo color de alta calidad.
Las imagenes, aparte obviamente del estilo gráfico que me gusta mucho, son excelentes sin textos, sin gráfica adicional, sin ningun elemento que distraiga al contenido propio de la fotografía de su trabajo.
KOFIE - Keep Drafting y su arte han ido desarrollandose hasta actualmente ser un estilo bien reconocible que defino como un collage geométrico gráfico.
Usando elementos gráficos como personas, plantas, textos que quiebran la estructura propia de las líneas rectas y utilizando una gama cromática de colores pasteles (tierra), Kofie logra destacar.
Se inicia como artista de graffiti en Los Angeles en los noventa con toda la gráfica que acostumbramos de L.A. y que en KELP hemos visto varias veces.
Actualmente exhibe en lugares tan diversos como Paris, Berlin, Basel, Londres y Miami sus trabajos.
En resumen más de 120 imagenes en 160 páginas impresas de alta calidad hacen de KOFIE - Keep Drafting un libro muy recomendable.
De lo mejor que se ha publicado este año!
El libro, si bien limitado, lo puedes encontrar directamente acá.
De la editorial norteamericana Zero+ Publishing nos llega una de sus última publicaciones titulada "Edwin Ushiro - Gathering Whispers"
Una monografía del artista norteamericano (proviene de Hawaii) Edwin Ushiro que explora el universo de su trabajo que en sus pinturas logra captar un estilo de vida y una atmósfera propia de su natal isla.
Edwin Ushiro - Gathering Whispers es un documento que nace en base a una exposición acerca del artista realizada el 2014 en Los Angeles, USA.
De ese momento el libro rescata 71 trabajos del artista. Trabajos que al revisarlos generan un aire de nostalgia en el observador, una atmósfera especial que creo que independiente de que si una haya crecido en Hawaii o no, es totalmente perceptible.
El trabajo de Edwin Ushiro es especial en como se desarrolla.
El resultado de Gathering Whispers es de una naturaleza tranquila logra que se respie ese aire que visualmente es bastante agradable.
Quizá por como realiza sus trabajos que en el libro también se detalla. El artista retoca reiteradamente sus trabajos entre la pintura y el computador para lograr este efecto visual.
Un proceso tedioso y lento pero que genera un resultado particular y hermoso.
Edwin Ushiro - Gathering Whispers es un hermoso libro que con sus trabajos bien playeros me lo imagino muy bien en alguna casa de la playa a modo de motivar a salir y disfrutar el día.
Son imagenes alegres, melancólicas muy propias de un día a día en Hawaii.
Hermoso documento de un artista narrador de su propio entorno, tanto enigmático como talentoso.
El libro lo puedes encontrar directamente acá.
De la editorial alemana Schirmer / Mosel nos llega su última publicación titulada "Morgenthau" y trata de una visión del artista alemán Anselm Kiefer en cuanto a Alemania como país agrario sin la industria militar presente.
Suena extraño?
Mas que extraño estamos hablando de una visión de uno de los artistas más reconocidos en Alemania que a través de Schirmer / Mosel logra dar rienda suelta a una imaginación que ocupa una diversa combinación de materiales para lograr un puente entre lo histórico y lo mitológico.
El libro es relativamente pequeño pero tiene un discurso que no evita la provocación. Es bastante abstracto en sus representaciones pero me imagino que ver los trabajos en vivo debe ser otra cosa (sobre todo por la materialidad que utiliza)
Morgenthau es el libro que a la vez era el nombre de un ministro de finanzas en USA que a finales de la segunda guerra mundial diseñó un memorandum titulado Morgenthau-Plan.
Este tenía como fin transformar a Alemania en un país totalmente libre de armas y absolutamente agrario, con el fin de no poder jamás volver a generar una guerra.
El presidente de la época Roosevelt desechó el plan, que quedó en el olvido pero a sido retomado en géneros de ficción o bien el arte con Anselm Kiefer.
Tremenda temática que abarca en su arte y en este libro. Es a lo que nos referimos. Historia y controversias en el arte.
Esa combinación la encuentro siempre muy interesante!
En 27 imágenes de trabajos a página completa se ven trazos de pincel comunicando con capas de material sobre el lienzo. Pareciera ser una batalla entre lo agrario y la industria.
Desde el 15 de Diciembre del 2015 en el Centre Pompidou de Paris, Francia se mostrará una retrospectiva, la más grande del momento y en marco de sus 70 años, del artista Anselm Kiefer.
El libro Morgenthau lo puedes encontrar directamente en Schirmer / Mosel acá.
De la editorial alemana Schirmer / Mosel nos llega su última publicación titulada "Zurbarán" acerca del artista espanol Francisco de Zurbarán, el pintor del rey de España.
Francisco de Zurbarán que junto con Velázquez, Murillo y Goya fue uno de los principales artistas en la época dorada del artes espanol, por el siglo XVI, el arte barroco.
El libro es una selección de los mejores trabajos de Zurbarán entre el año 1625 a 1664.
El trabajo de Zurbarán, alabado e.o. por Dalí tiene un detalle muy elaborado en el uso de la luz en los objetos que le entregan una fuerte expresión.
De alguna forma este mismo uso de la luz te lleva a otro mundo al observar sus trabajos.
Siempre pienso que si en un libro de un formato normal los trabajos tienen ese nivel de expresión, como será cuando estés parado frente a estos cuadros en vivo.
No deben ser necesariamente más grandes en tamaño pero si el poder de la expresión aumenta mucho.
El libro es una edición especial que contiene además trabajos de su hijo Juan en 132 páginas a todo color. 50 trabajos son retratados que además puedes ver en la Exposición del artista en el Kunstpalast en Düsseldorf, Alemania.
Tremendos trabajos en un libro de formato pequeño!
El libro Zurbarán de Schirmer / Mosel lo puedes encontrar directamente acá.
Nea Machina - Die Kreativ Maschine (La máquina creativa) es realmente una máquina o mejor dicho una explisión creativa.De los hermanos Poschauko, Nea Machina como dice la editorial de donde proviene: Verlag Hermann Schmidt, puede cambiar tu vida!
Que un libro logre esto, es por algo!
Thomas y Martin Poschauko, dos hermanos alemanies, tuvieron un encargo muy simple. Se les pidió desarrollar, en un período de 4 meses, la mayor cantidad de trabajos creativos posibles.
Parametros de trabajo: Realizar los trabajos creativos con un retrato y un título "Nea Machina".
Es así como comienza este documento, esta aventura!
Es así como comienza este documento, esta aventura!
El principio creativo de Nea Machina es Cabeza - Estómago - Mano - Computador, cuyos cuatro elementos es la fuente de toda inspiración y creación.
El libro es una historia y está contad como tal, es un proceso que cada página te lleva a un mundo nuevo de exploración. Con un diseño muy entretenido y bien realizado dan ganas de no parar y llegar hasta el final de la historia.
Es más, dan ganas de ir al taller y sacar la tijeras, papel, pegamento y empezar a crear, a diseñar, a dejar fluir las ideas.
Las innumerables alternativas que los Poschauko generan con su retrato y su texto, juntos o por separado, llegan como ellos comentan por sobre 1000 después de los 4 meses.
Increible!
Combinaciones,
la activación de los sentidos, el uso del cuerpo como medio de
creación, la creación de tipografía y un tema interesante: la
independencia del computador son solo algunos de los medios que también
se analizan en el libro.
Nea Machina - Die Kreativ Maschine es la segunda edición de un libro que se agotó rápidamente. Y con mucha razón.
Filete!
Nea Machina - Die Kreativ Maschine es la segunda edición de un libro que se agotó rápidamente. Y con mucha razón.
Filete!
De la editorial Prestel nos llega la última publicación titulada "Keith Haring - Gegen den Strich". Libro que es publicado junto con la exposición acerca de este prolífico artista americano en München, con el mismo nombre.
Keith Haring fue un artista y activista social cuyo trabajo refleja el espíritu de la generación pop y la cultura callejera de la Nueva York de los años 1980.
Reconocido como uno de los primeros artistas que comenzó dibujando con rotulador imágenes similares a dibujos animados sobre anuncios en el metro de Nueva York, tuvo un ascenso en la escala de la fama sin iguales. En pocos años sus trabajos, muy influenciados por las historietas de niños, lograron fama internacional.
Keith Haring fue un artista y activista social cuyo trabajo refleja el espíritu de la generación pop y la cultura callejera de la Nueva York de los años 1980.
Reconocido como uno de los primeros artistas que comenzó dibujando con rotulador imágenes similares a dibujos animados sobre anuncios en el metro de Nueva York, tuvo un ascenso en la escala de la fama sin iguales. En pocos años sus trabajos, muy influenciados por las historietas de niños, lograron fama internacional.
Haring es para
muchos un personaje de gran influencia en la cultura del graffiti,
logrando pintar el muro de Berlin como compartir obras con Andy Warhol.
Su fundación creada en 1989, lograba abarcar una temática que a través
de sus años las obras incluían con mayor intensidad: los problemas
sociales.
Haring fallece víctima del sida en Nueva York en 1990.
El libro Keith Haring - Gegen den Strich que es las exposición en su totalidad de forma impresa, es una de las exposiciones más grandes que se haya hecho en Alemania sobre este artista. Con obras que vienen de Museos, colecciones privadas la Kunsthalle de München generó un espacio realmente único que nos acerca mucho a la obra del artista.
Haring fallece víctima del sida en Nueva York en 1990.
El libro Keith Haring - Gegen den Strich que es las exposición en su totalidad de forma impresa, es una de las exposiciones más grandes que se haya hecho en Alemania sobre este artista. Con obras que vienen de Museos, colecciones privadas la Kunsthalle de München generó un espacio realmente único que nos acerca mucho a la obra del artista.
Keith Haring intentó combinar en su obra el arte, la música y la moda, rompiendo barreras entre estos campos. La típica iconografía de sus sencillos dibujos incluye animales y figuras danzando, perros, pirámides, televisores, teléfonos y platillos voladores. La cultura Pop en su mayor intensidad.
La exposición va desde el 1 de Mayo hasta el 30 de Agosto en la Hypo-Kuntshalle de München, Alemania.
Con un enfoque más político/social, la exposición incluye 160 obras de Haring.
Entre ellas los rayados en tiza que usualmente realizaba en el Metro de NYC, Esculturas, Pinturas sobre los lienzos de camiones y cuadros. Un portafolio muy grande e interesante.
Fue un honor poder haber visitado la Exposición y la recomiendo completamente.
Haring como ya mencionado es comparado con otros grandes como Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat o Lichtenstein, con quienes compartía ideas, trabajos, proyectos.
Un artista genia, con trabajos reconocidos, de gran influencia y un libro que lo resume de la mejor forma posible.
Muy recomendable!
El libro lo puedes conseguir directamente acá.
De la editorial chilena LOM y sus autores Carola Ureta Marin y Pedro Álvarez Caselli nos llega el libro "Luis Fernando Rojas - Obra Gráfica 1875 - 1942" acerca del ilustrador y artista gráfico chileno del mismo nombre.
Luis Fernando Rojas, ilustrador, litógrafo y caricaturista chileno fue uno de los más proclives artistas gráficos de nuestra historia.
Una persona que empezó a ganarse la vida realizando retratos por encargo y terminó como ilustrador para la prensa chilena (La Época y El Nuevo Ferrocarril, El taller ilustrado, El Peneca y Sucesos).
Conocido además por sus dibujos de retratos históricos (La guerra del Pacífico), Luis Fernando Rojas hasta ilustró el Álbum de la gloria de Chile y el Diccionario Biográfico Colonial de Chile.
Por diversos motivos la obra de Luis Fernando Rojas es mucho más conocida que el autor mismo, lo cual incentivó a los autores Carola Ureta y Pedro Álvarez a realizar el primer libro en torno a la persona y su obra.
Trabajo nada de fácil considerando que la información no solamente había que buscarla en la literatura existente en archivos nacionales, bibliotecas sin que también entre los familiares y descendientes del artista mismo. Podría mejor decir:
Trabajo nada de fácil considerando que la información no solamente había que buscarla en la literatura existente en archivos nacionales y bibliotecas, sino que también entre los familiares y descendientes del mismo artista.
Una labor prionera igual como Luis Fernando Rojas realizó con su obra para desarrollar y reportear los hechos y personas de aquellos tiempos.
Luis Fernando Rojas - Obra Gráfica 1875 - 1942 es un título que constituye un homenaje, al posiblemente principal cronista visual del Chile del siglo XX para ser más específicos: finales del siglo XIX y principios del XX.
Un reconocimiento a un chileno que visiblemente, hasta hoy en día, ha sido influencia para generaciones posteriores de artistas visuales.
Y por sus hechos, simplemente merecía ser honrado con una publicación a la altura de sus trabajos.
Personalmente el libro es hermoso, un formato adecuado para mostrar de buen manera sus masivo y extenso portafolio: Portadas, anuncios publicitarios, retratos, crónicas de sucesos históricos, etc.
Con un cuidado diseño tipográfico y de tratamiento de imágenes, la selección de obras y la forma en que se presentan denota dedicación y cuidado especial.
Este libro lo recomiendo no solamente por el alto valor histórico, la referencia total como cronista visual sino que también por su contenido gráfico.
Luis Fernando Rojas - Obra Gráfica 1875 - 1942 es un absoluto aporte a la conservación de la memoria histórica chilena.
Recomendable.
El libro lo puedes conseguir directamente acá.
Monograma personal utilizado por Luis Fernando Rojas.
De la editorial alemana Gestalten nos llega el primer libro acerca del artista francés OX.
Un artista callejero que ha destacado por sus afiches/carteles que pega en todo tipo de superficie muchas veces donde ya existen.
Mas que afiches en realidad son posters que el modifica y diseña generando una conversación con el entorno urbano.
A veces son conversaciones a veces son todo lo contrario: discrepancias!
Por lo tanto el trabajo de OX dura nada, un par de días y sería. Con más razón lanzar un libro de sus trabajos al mercado es en realidad rescatar sus trabajos efímeros.
30 años ya realizando arte, OX y su libro "public posters" es mas que una monografía. El libro viene en tres idiomas (francés, alemán, inglés) siendo que tiene solamente una breve entrevista.
El resto solamente imágenes. Genial! de buena calidad y de trabajos más que diversos en diferentes partes del mundo.
Del año 2000 al 2014, OX ha colocado más de 300 afiches en diferentes partes del mundo que son rescatados en el libro.
Un hermoso libro sobre afiches en el espacio úblico, creatividad imnpresa pura!
El libro lo puedes encontrar directamente acá.
De la editorial austriaca Schlebrügge nos llega el último trabajo del artista ucraniano Sergei Sviatchenko titulado "Collages".
Sviatchenko, nacido en 1952 en Kharkiv, Ucrania en realidad es un arquitecto con Ph.D en Arquitectura. Una eminencia.
Desde su lado artístico es un provocador. Llevando más de 40 años dedicado a las imágenes y viviendo en varios lugares del planeta, utiliza sus pinturas y sus collages para expresar sus experiencias.
Ha publicado y mostrado sus trabajos en Alemania, Inglaterra, USA, Canada, Francia, Italia, etc....
El libro collages muestra una interesante variedad de imagenes que rompen con lo tradicional del arte contemporáneo.
Mezclando el arte pop, la política, historias y obviamente la arquitectura genera una lectura más bien de sueños que de elemenots plásticos.
Collages es un libro lleno de imágenes (solametne imágenes) que dejan ver un trabajo que va desde el surrealismo al constructivismo, ambos elementos destacados y estilos artísticos de su natal Ucrania.
De la editorial suiza Scheidegger & Spiess nos llega el último libro relacionado a la exposición de Nakis Panayotidis en Berna, Suiza titulado "Nakis Panayotidis - seeing the invisible"
El artista griego Nakis Panayotidis, nacido en Atenas, con estudios de Arquitectura en Torino, Italia y Artes aplicadas en Roma, vive en Suiza.
El libro que resume lo que se presenta en su exposición el artista, con toda la influencia del arte Povera, ocupa todo tipo de elementos para crear sus obras.
Es una variedad impresionante.
Desde el fierro,
la pieda, paja, cobre, pintura, luces, textiles, madera, polvo,
gas...tiene de todo.
En sus obras que pueden ser desde instalaciones, cuadros, objetos, fotografías, elementos con luces neon, reflejan lo que el describe como:
El significado y la realidad de lo que el ve.
Un artista multifacético que en este libro demuestra por que vale la pena vistar la exposición como también revisar en detalle su libro.
Muy interesante!
El libro de la exposición de Nakis Panayotidis lo puedes encontrar directamente acá.
De la editorial alemana Gestalten nos llega una de sus últimas publicaciones tituladas FAILE, sobre el duo de artistas Patrick McNeil y Patrick Miller.
Ambos, norteamericanos, comenzaron en 1999 a trabajar juntos bajo el nombre de FAILE y rápidamente conquistaron las galerías mundiales con sus trabajos.
FAILE es un libro hermoso, como de costumbre en las publicaciones de Gestalten, que muestra el trabajo gráfico de que va desde los impresos, el arte urbano, el diseño gráfico y todo tipo de intervención.
Claramente ligados al mundo del collage. Por ahí está el fuerte de FAILE.
Lo que me gusta del trabajo de FAILE es su simpleza en el mensaje pero ocupando un sinfin de recursos gráficos para lograr comunicar.
No es sencillo hacerlo de forma clara ya que el utilizar tanto elemento puede llevar a una confusión en el mensaje final.
Las dos imágenes arriba de Mao Tsetung y Nixon son un claro ejemplo de ello.
Collage por donde se mire, utilizan la mano alzada, el pegamento y los impresos para lograr comunicar un mensaje claro.
El libro está lleno de estos ejemplos.
Y también me gustó mucho el que se muestren imágenes del artistas trabajando, de su taller, de sus entorno más alla de la pintura y los cuadros.
Eso siempre es interesante por que deja ver mas las influencias y entender mejor el trabajo visual.
El libro de FAILE lo puedes encontrar directamente acá.
Desde la editorial holandesa Frame Publishers nos llega su última publicación en marco de la Exhibición del artista Ron Van Der Ende: "The Factory Set".
The Factory Set es un libro que resume la trayectoria de este reconocido artista visual llamado Ron van der Ende.
Sus trabajos elaborados en madera retratan automóviles, aviones, edificios, piedras preciosas, naturaleza, etc y son todos mostrados en este libro.
El escultor logra traer a la vida estos objetos desde contrucciones hechas en mbase a madera. Escultura que si se fijan bien son de 2 dimensiones.
Radica acá el diferencial de Ron van der Ende con sus coterraneos. 25 años de trayectoria avalan una cantidad enorme de esculturas de madera.
El efecto espacial que logran los objetos al ocupar la perspectiva es impresionante.
Me gustó mucho la forma de presentar los trabajos, con una calidad de libro muy alta.
Las imágenes por lo general son mostradas desde un ángulo directo lo cual demuestra la totalidad de la perspectiva y hace de los trabajos un juego entre el 2d y el 3d.
También la editorial muestra los recursos que ocupa el artista y aclara du metodología de trabajo para entender las motivaciones y las influencias necesarias para lograr estas esculturas.
A todo esto: La Exposicion de Ron van der Ende vá del 20.12.2014 hasta el 01.03.2015 en Rotterdam, Holanda...por si están por la zona.
The Factory Set es hermoso, de un artista con un estilo muy marcado de arte, muy propio.
Lo recomiendo por que esto del 2d es genial. A veces casi imposible de creer, cuando se logra la profundidad de una forma muy clara.
Para sorprenderse.
El libro lo puedes encontrar directamente acá.
De la editorial alemana Hatje Cantz nos llega la última publicación titulada "Sites".
Un libro que trata acerca del trabajo fotográfico del artista Ulrich Hensel.
Ulrich Hensel, nacido en Alemania, es un fotógrafo que se ha especializado en retratar y encontrar sus motivos donde todos menos lo esperamos: en sitios demolidos, construcciones, etc.
Un cambio de perspectiva no menor dado que nos invita a ver nuevamente la ciudad desde otro punto de vista.
Sites es un libro que juega con lo auténtico. Es posible pensar que las imágenes o bien los sitios retratados hayan sido alterados digitalmente o bien mejorados para otorgar un motivo más atractivo. Un claro no, por parte del artista.
Sites es un libro hermoso, simple, claro que muestra las imágenes una por página. Hay unos textos introductiorios al mundo del artista y sus influencias. Nada mas.
El resto son imágenes que cautivan.
Cabe destacar que las imágenes son presentadas en la realidad en escala 1:1 lo cual genera un interesante diálogo con el expectador.
Un libro recomendable con imágenes de paredes, generalmente perdidas.
Sites lo puedes encontrar directamente acá.
De la editorial italiana DRAGO nos llega la colección más completa de la carrera (hasta el momento) del artista alemán DAIM (Mirko Reisser).
El grafitero más bien conocido por sus trabajos en 3D que han revolucionado el arte del graffiti durante los últimos 25 años nos revela su historia y su arte.
Personalmente el arte de DAIM ha sido de gran respeto e influencia tanto por el uso del color como por el uso del espacio y obviamente la pulcritud de la pintura.
El grafitero más bien conocido por sus trabajos en 3D que han revolucionado el arte del graffiti durante los últimos 25 años nos revela su historia y su arte.
Personalmente el arte de DAIM ha sido de gran respeto e influencia tanto por el uso del color como por el uso del espacio y obviamente la pulcritud de la pintura.
Es realmente impresionante ver un trabajo suyo pintado en una pared.
Ahora imagínense un libro con casi todos los trabajos que ha hecho tanto en muros como sobre cuadros tanto en Alemania como en todos los rincones donde ha viajado.
Me acuerdo hace poco pintamos un paso bajo nivel en München junto con otros artistas como Inti, Loomit, etc. en donde la pieza de DAIM (de tonos verdes) fue un hito especial.
El libro destaca la carrera desde sus inicios en donde experimentaba con el 3D y varias formas de lograr profundidad hasta lograr el tan logrado estilo actual.
Ahora imagínense un libro con casi todos los trabajos que ha hecho tanto en muros como sobre cuadros tanto en Alemania como en todos los rincones donde ha viajado.
Me acuerdo hace poco pintamos un paso bajo nivel en München junto con otros artistas como Inti, Loomit, etc. en donde la pieza de DAIM (de tonos verdes) fue un hito especial.
El libro destaca la carrera desde sus inicios en donde experimentaba con el 3D y varias formas de lograr profundidad hasta lograr el tan logrado estilo actual.
Lo interesante aparte de mostrar muchisimas imágenes de alta calidad, es que en cualquier muro colectivo que haya pintado, sus piezas son las primeras a distinguir. Es cosa de preguntarle a gente ajena a la cultura. Genial no?
Muros, cuadros, esculturas y últimamente trabajos realizados con cinta de enmascarar son mostrados en DAIM.
25 años en más de 350 imágenes a todo color = Alucinante!
Realmente un libro de uno de los actores más reconocidos y valorados en el mundo del graffiti.
Recomendable!
El libro DAIM lo puedes encontrar directamente acá.
De la editorial holandesa Frame nos llega el último libro sobre el artista Ryan McGinness titulado "Everything is Everything".
Ryan McGinness (nacido en 1972) es un artista norteamericano que vive y trabaja en Manhattan, Nueva York.
Ss trabajos que ván desde los cuadros hasta instalaciones pasando por murales han sido expuestos en los más diversos museos como el MOMA en NYC, el Virginia Museum of Fine Arts, Museum of Contemporary Art San Diego, Cincinnati Art Museum, MUSAC en España y el Misumi Collection en Japón.
Trabajando con Andy Warhol como curador asesor comenzó a utilizar un amplio vocabulario de elementos gráficos en sus pinturas usando elementos corporativos (señalética, logotipos, etc.) para sus trabajos.
El libro es una suerte de collage con un sinfin de notas, trabajos listos, imágenes trabajadas, procesos, textos, chistes, etc.
Hay de todo lo que lo hace entretenido de hojear y revisar a menudo.
100 % creatividad!
Ryan McGinness en su libro se dedica a mostrarnos sus pinturas, esculturas y su entorno artísticos.
El libro lo puedes encontrar directamente acá.
De la editorial Princeton Architectural Press nos llega el libro del artista urbano Stephen Powers llamado "A Love Letter to the City".
En 1999 Stephen Powers colgó la lata de spray después de una larga carrera como grafitero para dedicarse exclusivamente a ser un artista consagrado.
Ingresando al selecto grupo de pintores de señalética Stephen Powers comenzó a pintar fachadas completas con textos ya sea publicitarios o estéticos (siempre con un mensaje).
Gran uso de jingles visuales!
El libro A Love Letter to the City es un resumen de lo que el artista ha hecho en los últimos años desde Brasil hasta Irlanda, desde Nueva York hasta Johanessburgo (Sudáfrica).
Personalmente los trabajos me gustan mucho sobre todo por los lugares elegidos para pintarlos y por la pulcritud en su desarrollo. Al ver estas fachadas pintadas de cerca, las tipografías son de una exactitud muy grande.
A Love Letter to the City es la primera colección que reune el trabajo de Powers en el espacio público en un lugar. Un libro pequeño de formato, pero muy grande de contenido
Lo puedes encontrar directamente acá.
De la editorial alemana Michael Imhof nos llega el trabajo monumental del pintor griego "El Greco" (el griego).
Un formato de 29cm x 37cm nos entrega fenomenales 86 imágenes de lo más selecto del trabajo pictórico del Greco.
El Greco fue un pintor del final del Renacimiento que desarrolló un estilo muy personal en sus obras de madurez.
Detallamos a continuación algunos extractos de su historia para hacerse una idea del pintor y lo que el libro incluye.
Su obra resumida en este libro se compone de grandes lienzos para retablos de iglesias, numerosos cuadros de devoción para instituciones religiosas y un grupo de retratos considerados del máximo nivel.
Actualmente está considerado uno de los artistas más grandes de la civilización occidental.
Esta alta consideración es reciente y se ha ido formando en los últimos cien años, cambiando la apreciación sobre su pintura formada en los dos siglos y medio que siguieron a su muerte, en que llegó a considerarse un pintor excéntrico y marginal en la historia del arte.
El arte del Greco fue una síntesis entre Venecia y Roma, entre el color y el dibujo, entre el naturalismo y la abstracción.
Consiguió un estilo propio que implantaba las técnicas venecianas en el estilo y el pensamiento manierista.
La cuestión de hasta qué punto, en su profunda transformación toledana, el Greco recurrió a su experiencia anterior como pintor de iconos bizantinos se ha debatido desde comienzos del siglo XX.
Algunos historiadores del arte han afirmado que la transformación del Greco se hundía firmemente en la tradición bizantina y que sus características más individuales derivan directamente del arte de sus ancestros, mientras que otros han argumentado que el arte bizantino no puede relacionarse con la obra tardía del Greco.
El tratamiento de sus figuras es manierista: en su evolución no sólo fue alargando las figuras, sino haciéndolas más sinuosas, buscando posturas retorcidas y complejas (la figura serpentinata).
Era lo que los pintores manieristas llamaban furia de la figura, y consideraban que la forma ondulante de la llama del fuego era la más apropiada para representar la belleza.
Él mismo consideraba las proporciones alargadas más bellas que las de tamaño natural, según se desprende de sus propios escritos.
Otra característica de su arte es la ausencia de naturaleza muerta. Su tratamiento del espacio pictórico evita la ilusión de la profundidad y el paisaje, habitualmente desarrollaba sus asuntos en espacios indefinidos que aparecen aislados por una cortina de nubes.
Sus grandes figuras se concentran en un espacio reducido próximo al plano del cuadro, a menudo apiñadas y superpuestas.
El tratamiento que da a la luz es muy diferente del habitual. En sus cuadros nunca brilla el sol, cada personaje parece tener dentro su propia luz o refleja la luz de una fuente no visible.
En sus últimos cuadros la luz se hace más fuerte y brillante, hasta el punto de blanquear el fondo de los colores.
Este empleo de la luz concuerda con su antinaturalismo y su estilo cada vez más abstracto.
Se incluye parte de su mejor obra para dar una visión general de su estilo pictórico, de su evolución artística y de las circunstancias que han envuelto a sus obras tanto en su ejecución como en los avatares posteriores.
Hasta hoy en día faltaba un documento que en formato grande registrase el arte del Greco, en alta calidad y color.
El Greco, libro, llena este espacio vacante en la historia.
Muy recomendable!
El libro lo puedes encontrar directamente acá.
© Sergio Larrain / Magnum Photos
Nos acaba de llegar la última publicación de la editorial Thames & Hudson acerca del fotógrafo chileno recientemente fallecido, Sergio Larrain, llamada "Vagabond Photographer"
420 páginas en blanco y negros con más de 200 ilustraciones dan cuenta de un gran documento visual.
Sergio Larrain (1931-2012) cruzó el universo fotográfico como un meteorito. Después de mucho viajar , su preocupación por la pureza y su atracción a la meditación lo llevó a retirarse al campo chileno y vivir de forma autosustentable.
© Sergio Larrain / Magnum Photos
Sergio Larrain sólo publicó cuatro libros de su obra. Lo cual indica que de su registro el libro "Vagabond" pasa a ser de los pocos registros que existen.
Este libro es la primera monografía del artista.
La selección de las fotografías se compone de dos ejes principales:
- América Latina
- Europa
A su vez el libro también incluye una selección de cartas, dibujos, libros y textos escritos a mano sobre la meditación.
© Sergio Larrain / Magnum Photos
Sergio Larrain tomó fotografías en blanco y negro, especialmente en la calle. Cortó la luz de tal manera que diera la impresión de que el día se había integrado a la noche.
Las personas son como apariciones fantasmales.
El tomó libertades diferentes y poco comunes con el fin de llevar al espectador a un nivel mas alto.
La monografía de Sergio Larrain la puedes encontrar directamente acá.
Nos llega una primicia. El libro de WON ABC "Zombie Love" es la última publicación de la editorial alemana Publikat dedicada a publicar libros sobre graffiti y arte urbano (conocidos sobre todo por su revista Stylefile).
Autor? Won ABC. Un libro bibliográfico del pintor alemán que ha dedicado su vida al graffiti tematizándolo con los Zombies.
Con "Zombie Love" el pintor WON ABC del grupo de pintores ABC sucede a su primera publicación "Colour Kamikaze". Un libro que en su época marcó una etapa.
WON ABC ha pintado zombies toda su vida. Hoy en día el interés mediático de los Zombies es bastante grande y ha sido acaparado por la industria de los medios. Décadas antes de esto el pintor ya pintaba trenes con sus Zombies.
Un rasgo distintivo de WON ABC son sus detalles (ver imágenes de está reseña). Increibles detalles en tamaños no mayores a 1mt x 2mt o bien en las paredes de ciudades como München o Berlin.
El libro está dividido en dos capítulos:
Chapter 1 y
Chapter 2
En el primero se presenta una muestra de lo más destacado de la Zombie-Story. Una historia que en diferentes formatos cobra vida. Técnicas desde el Comic hasta la Fotografía pasando por los Lienzos.
Chapter 2 muestra el pasado del artista. Trenes, Murales, Juguetes, Helicópteros, Lienzos...lo ha pintado todo!
Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571 - 1610), más bien conocido como Caravaggio) fue un pintor italiano activo en Roma, Nápoles, Malta y Sicilia entre los años de 1593 y 1610.
Es considerado como el primer gran exponente de la pintura del Barroco.
El libro "The Moment of Caravaggio" editado por la Princeton University Press y escrito por Micheal Fried es una investigación exhaustiva sobre este importante artista.
El libro entrega una perspectiva alucinante sobre la vidad de Caravaggio bellamente ilustrada con 200 imágenes.
Salvo en sus principios, Caravaggio produjo mayoritariamente pinturas religiosas. Sin embargo, a menudo escandalizaba y sus lienzos eran rechazados por sus clientes. Dos de los reproches habituales eran el realismo de sus figuras religiosas rozando el naturalismo temprano, así como la elección de sus modelos entre la gente de más baja condición.
En lugar de buscar bellas figuras etéreas para representar los actos y personajes de la Biblia, Caravaggio prefería escoger a sus modelos de entre el pueblo: prostitutas, chicos de la calle o mendigos posaron a menudo para los personajes de sus cuadros.
Para La Flagelación, compuso una coreografía de cuerpos en claroscuro con un Cristo en movimiento de total abandono y de una belleza carismática. Para el San Juan Bautista con el carnero, muestra a un jovenzuelo de mirada provocativa y en posición lasciva -se decía que el modelo era uno de sus amantes.
La pintura de Caravaggio que causaría el mayor escándalo a los ojos de la Iglesia fue La muerte de la Virgen, por la representación tan realista del cuerpo de la Virgen María con el vientre hinchado -acompañado de sulfurosos rumores según los cuales el modelo habría sido el cadáver de una prostituta encinta ahogada en el Tíber. Así, la consideración de la Iglesia católica hacia Caravaggio y sus cuadros oscilará de un extremo a otro de su carrera entre el acogimiento entusiasta y el rechazo absoluto. El pintor encontrará en ella sus mayores protectores -como el cardenal Del Monte- así como a sus más grandes enemigos.
Fuente Wikipedia.
En su tiempo Caravaggio fue famoso, apreciado, reconocido y además ejerció gran influencia sobre sus contemporáneos. Sin embargo, en siglos posteriores su fama fue eclipsada por otros pintores de su época como Poussin, Rubens o Rembrandt, si bien todos ellos acusaron su influencia en mayor o menor medida. Sin embargo, no sería hasta el siglo XX cuando su figura recobrara importancia al estudiarse nuevamente el arte barroco italiano.
Un libro acerca de una vida increiblemente variada, interesante pregnada por el fino equilibrio entre la aceptación y el desprecio.
El libro lo puedes encontrar directamente acá.
Andy Warhol "Giant" tiene dos significados. El primero es que el libro es realmente gigante, segundo que el libro habla sobre unos de los artistas más controvertidos de la segunda mitad del siglo XX.
Editado por Phaidon les presentamos una obra magna del artista.
Andy Warhol (1928 - 1987), fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art.
Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional, Warhol adquirió notoriedad mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad.
Warhol actuó como enlace entre artistas e intelectuales, pero también entre aristócratas, homosexuales, celebridades de Hollywood, drogadictos, modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos.
Uno de los aportes más populares de Warhol fue su declaración: "En el futuro todo el mundo será famoso durante 15 minutos". Esta frase de cierta manera vaticinó el actual poder de los medios de comunicación y el apogeo de la prensa amarilla y de los reality shows.
Fue personaje polémico durante su vida - algunos críticos calificaban sus obras como pretenciosas o bromas pesadas - y desde su muerte en 1987 es objeto de numerosas exposiciones retrospectivas, análisis, libros y documentales.
Al margen de la fama y de la polémica, está considerado como uno de los artistas más influyentes del siglo XX debido a su revolucionaria obra.
Fuente Wikipedia.
El libro resume de forma gráfica la vida de Andy Warhol.
Es casi un album familiar con imágenes del colegio, de sus primeros pasos como artista, de la creación de sus obras más conocidas, sus primeras películas, su vida rodeada con gente famosa y sus altibajos.
Un legado visual de proporciones que es muy bonito revisar. Hay de todo!
Andy Warhol no dejó escapar casi ninguna forma y método para mostrar su arte. Hizo y pintó de todo y la verdad que desde lo que uno revisa de las imágenes fue una vida muy especial.
Un libro que recomendamos sobre todo por lo que hizo Warhol y la cultura Pop que pudo promover.
El libro lo puedes conseguir directamente acá.
Nos llega de la editorial Princeton University Press el libro "Picasso and Truth" del autor T.J. Clark.
Es Pablo Picasso el artista del siglo 20? Una pregunta que obviamente lleva a discusiones y polémica. Pero observandolo desde una punto de vista analítico T.J. Clark presenta un libro muy interesante en donde hace uso de sus conocimiento como historiador del arte y escritor.
No solamente para describir el art de Picasso sino que para darle un nuevo enfoque y para entender lo logrado por Picasso.
Pablo Picasso (1881 - 1973), fue un pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque y Juan Gris, del movimiento cubista.
Considerado uno de los mayores artistas del siglo XX, participó desde la génesis en muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo.
Incansable y prolífico, pintó más de dos mil obras, presentes en museos y colecciones de toda Europa y del mundo.
Además, abordó otros géneros como el dibujo, el grabado, la ilustración de libros, la escultura, la cerámica y el diseño de escenografía y vestuario para montajes teatrales.
Más de 200 imágenes del arte de Picasso acompañan el libro Picasso and Truth.
Un libro que se separa de los clásicos libros sobre un artista en los que se presenta su obra y una biografía.
Picasso and Truth analiza en detalle a Picasso, sus etapas pictóricas y sus visiones.
Brillante, simple y muy rigoroso en su investigación. Para todo fan de Picasso debería estar en su biblioteca.
El libro lo puedes conseguir directamente acá.
WOW!
El artista Nathan Ota presenta su primer libro con las obras de su primera Exposición en USA.
De la editorial norteamericana Zero+ Publishing la publicación "Ikiru" es alucinante.
Nathan Ota es un artisa o bien ilustrador con las raices en el graffiti. Pintando influenciado por películas como la clásica Wild Style, el pintor seguía los pasos de grandes grafiteros como Seen.
Con el paso del tiempo fue adquiriendo su propio estilo llegando a lo que vemos actualmente en el libro y en este post.
La verdad es que es un libro hermoso. Los trabajos son preciosos y perfectos en su composición y técnica.
Junto con Risk (otra leyenda de por esos lados) crearon algunos cuadros que de seguro a cada uno de ustedes estimados lectores le gustaría tener en su casa.
Un trabajo surrealista, un mundo ficticio y muy fantasioso es lo que Nathan Ota ofrece en sus pinturas:
Árboles que viven y personajes con cabezas iluminadas son algunos de los personajes que vemos en sus cuadros.
Me gustaron en especial la composición y las ideas. Hay todo un diálogo en cada cuadro...situaciones que a veces hacen reir y/o pensar. Genial!
El libro combina en la primera parte lo que es la historia del artista. Con ejemplos de sus primeros graffiti y sus primeros bocetos de letras con todos los elementos que todos ocupábamos en los 80 y 90. Flechas, rayos, 3d, etc.
....hay algo de Tim Burton en el estilo. Creo que para los fans de Burton, Ota debe ser algo que necesitan revisar.
144 páginas a todo color. Muy hermosa selección y trabajo de diseño en el libro.
Recomendable!
El libro, limitado a 1000 copias, lo puedes encontrar directamente acá.
De la editorial norteamericana Zero+ Publishing les presentamos el primer libro (monografía) del artista Sage Vaughn titulado "Ice Age".
Con la pintura e ilustración de la portada el trabajo de Sage Vaughn promete.....y no defrauda en ningún momento.
Contrastes temáticos de la vida diaria frente a colores vibrantes de la vida animal son la línea roja que sigue el artista en sus trabajos.
He aquí justamente lo interesante por que nos muestra una muy buena tensión lograda con la contraposición de la vida natural y la vida artificial.
El libro es una muestra de más de 144 páginas de arte sútil, divertido y elegante. Pero siempre con un dejo de artista revolucionario y que tiene algo que decir.
A veces engaña el uso gráfico de un pájaro sentado sobre un alambre pua y un helicóptero de guerra al fondo.
Muy bien logrado es el hecho de que el libro tiene varios papeles de diferentes gramajes y tamaños con lo cual se trata de darle a los cuadros una dimensión diferente a los plaquetas pintadas.
Como dice el mismo artista:
"In a lot of ways birds seem like the best metaphor for what I'm talking about with my work...the fact that we chop these trees down and strip all the branches off and put them in concrete and string wires from them so we can talk to each other, and that birds still land on those trees just like they do in the forest--those are the kinds of things that fascinate me."
Sage Vaughn nació en Oregon, EE.UU. Más del artista en su propio sitio Web.
El libro "Ice Age lo puedes encontrar directamente acá.
El artista Cryptik sacó su primera publicación bajo el alero de la editorial Zero+ Publishing en USA.
En realidad nadie sabe muy quien es realmente la persona detrás de los enigmáticos stencil con la iconografía buddhista.
Lo que sí se sabe es que el artista trabaja y proviene de Los Angeles, USA en donde gracias a la influencia tremenda de la gigantesca escena del street art y del skateboard en esa ciudad sigue sus pasos.
El Buddha, el Dalai Lama, Ganesha y otros iconos de la cultura buddhista son vistos y encontrados en los lugares más divertidos en la ciudad. Trabajos en formato tanto pequeño como grande.
Personalmente los stencil me gustan mucho por que traen esa gráfica clásica (blanco y negro) y con tintes de grabado en madera. Le dá obviamente un contexto y aire más agradable a la vista y más pregnante.
El fondo como tal sale a flote.
Stencil, afiches, stickers, impresos...la verdad que Cryptik lo hace de todo y con todos los medios accesibles.
Hay una comunidad que se hace llamar Cryptik Movement en donde el artista está presente y que tiene como objetivo el dar una alternativa al ya saturado espacio visual norteamericano con la gráfica oriental.
Una alternativa a esa mentalidad de consumismo.
Muy interesante filosofía!
85 páginas con imágenes a página completa documentan el trabajo público del artista y su campaña "Eastern Philosophy".
El libro lo puedes encontrar directamente acá.
De la editorial inglesa Princeton (imprenta de la Princeton University Press) nos llega un libro acerca de un genio y gran influencia histórica y mundial para todo lo relacionado con el arte, el muralismo, la arquitectura, la moda, la pintura, la escultura....y la poesía. Así es.
Michelangelo (1475 - 1564), conocido en español como Miguel Ángel, fue un arquitecto, escultor y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica.
Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma, que era donde vivían sus grandes mecenas, la familia Médicis de Florencia, y los diferentes papas romanos.
Triunfó en todas las artes en las que trabajó, caracterizándose por su perfeccionismo.
La escultura, según había declarado, era su predilecta y la primera a la que se dedicó; a continuación, la pintura, casi como una imposición por parte del papa Julio II, y que se concretó en una obra excepcional que magnifica la bóveda de la Capilla Sixtina; y ya en sus últimos años, realizó proyectos arquitectónicos.
"Michelangelo a life on paper" resume la primera parte de toda obra artística: el dibujo y los pensamientos alrededor de la creación.
La capillta Sixtina, la Pietá, el David, el domo de San Pedro...todos aquellas obras monumentales e históricas las encontramos acá en forma de boceto, de idea, de dibujo preliminar con los comentarios de los expertos como el autor Leonard Barkan y el mismo Michelangelo.
Realmente impresionante la capacidad de visión de este personaje y su forma de analizar figura y forma.
Hay pensamientos de Michelangelo de los más simples como notas con respecto al dinero gastado en pollo para el almuerzo, bueyes y un funeral en la misma hoja donde dibujada lo que iba a ser una de las obras de mayor renombre mundial.
Así el libro continúa con pensamientos como "have patience, love me, sufficient consolation" o un dibujo de una Madonna con un niño donde al lado recita un poema que dice: "You have a face sweeter than boiled grape juice, and a snail seems to have passed over it."
Una visión íntima de como el genio Michelangelo se expresaba artísticamente en palabras e imágenes.
"Michelangelo a life on paper" es también algo como la solución a muchas de sus incógnitas acerca de como creó ciertas obras que luego fueron hitos.
El libro se vá dividiendo entre mucha investigación (muy detallista pro lo demás) con las ilustraciones del artista y sus poemas, notas y pensamientos.
Colosal y a la vez muy exquisito!
KELP.cl lo recomienda!
De la editorial Kehrer nos llega el último poryecto del fotógrafo suizo Dierk Maass.
Más de 30 años sacando fotografías, el viaje fue esta vez hacia un rincón del mundo de los más hermosos, salvajes y únicos que existen.
El desierto grande y sus cercanías en Sudamérica.
Tension of Seclusion es el nombre del libro que con la pura portada ya invita a abrir y recorrer tan lejanos parajes.
La temática es esta vez acerca de los lugares donde (así también lo dice el subtítulo) ... hace mucho tiempo nadie ha estado.
Genial!
Una experiencia visual muy hermosa, fascinante.
Con su lente el fotógrafo Maass define el entorno de lo que capta y explora variedades del espectáculo naturaleza con el mundo creado por el ser humano...más bien abandonado en este caso por el ser humano.
Colores increibles, paisajes alucinantes.
El que ha estado en el norte chileno recorriendo el desierto sabe lo que es posible ver.
Un mundo diferente, completamente abstracto a lo que en otros continentes existe.
Podemos recomendar desde ya este libro a todos los fotógrafos y amantes de la naturaleza. De lo extremo, de lo dejado por el ser humano (maquinas, caminos, etc.) y de lo sútil de los colores.
Hay para todos los gustos...con estilo.
El libro lo puedes encontrar directamente acá.
Y llegamos al rubro de la fotografía artística. Desde la editorial Ammo Books nos llega el libro "Edward Weston - 125 Photographs". Una leyenda, tanto contenido como el fotógrafo.
Quién es/era Edward Weston?
Edward Weston (1886 - 1958) fue un fotógrafo estadounidense que se caracterizó por utilizar una cámara fotográfica de placas con un formato de 18 X 24 cm y emplear el primer plano en temas naturales para obtener formas poco corrientes.
Fue uno de los fotógrafos más importantes de la fotografía directa y cofundador del Grupo f/64.
...gracias Wikipedia.
Algo así como una leyenda de la fotografía del siglo XX. Marcó y definió a través de su lente las nociones del Oeste Norteamericano.
Su especialidad? El nudismo del paisaje, el nudismo humano y el nudismo de la naturaleza lo cual han hecho de sus fotografías verdaderas obras de arte.
Más de una fotografía la ha vendido por sobre 1 millón de US dólares!
El libro nos presenta 125 fotografías a modo de tributo hacia su obra artística.
Quién es/era Edward Weston?
Edward Weston (1886 - 1958) fue un fotógrafo estadounidense que se caracterizó por utilizar una cámara fotográfica de placas con un formato de 18 X 24 cm y emplear el primer plano en temas naturales para obtener formas poco corrientes.
Fue uno de los fotógrafos más importantes de la fotografía directa y cofundador del Grupo f/64.
...gracias Wikipedia.
Algo así como una leyenda de la fotografía del siglo XX. Marcó y definió a través de su lente las nociones del Oeste Norteamericano.
Su especialidad? El nudismo del paisaje, el nudismo humano y el nudismo de la naturaleza lo cual han hecho de sus fotografías verdaderas obras de arte.
Más de una fotografía la ha vendido por sobre 1 millón de US dólares!
El libro nos presenta 125 fotografías a modo de tributo hacia su obra artística.
La selección se basa en obras menos conocidas por el fotógrafo que van recorriendo la costa del Pacífico norteamericano.
Imágenes de Diego Rivera, Frida Kahlo, Tina Modotti y muchos más que estuvieron frente a su lente, son presentados en el libro.
Lo que me gustó en especial del libro, es que el autor Steve Crist recopila y muestra una línea del tiempo.
Puedes ver el desarrollo y los cambios experimentados en el arte de Edward Weston durante décadas.
Hermoso proceso!
El libro lo puedes encontrar directamente acá.
El ilustrador italiano Lorenzo Petrantoni acaba de sacar bajo el alero de la editorial alemana Gestalten su último trabajo llamado "Timestory".
Un libro genial con ilustraciones sobresalientes!
Timestory es un libro collage ilustrativo, la primera selección de los trabajos de Petrantoni para revistas y diarios como Newsweek, New York Times, Washington Post y Wall Street Journal, e.o. Como también trabajos corporativos para Coca Cola, Nespresso, Burton, Swatch y Bosch.
Osea de todo un poco!
El trabajo de Petrantoni mostrado en Timestory es enorme. Sus collages hechos con millones de piezas recortadas, pegadas y dibujadas son verdaderos puzzles gráficos.
Esto lo ha convertido en uno de los artistas más apetecidos por la industria editorial y publicitaria.
Timestory no tiene índice. Es ilustración pura, en un 90% monocromática. Cada página contiene un trabajo para alguna empresa o bien privado con un pequeño texto informando sobre el año de la realización y la técnica.
En resumen muy simple a la vista para destacar los hermosos collages en detalle.
Nada de teorías, textos para rellenar, historia, etc.
Lorenzo Petrantoni preguntado por como es el proceso de trabajo de sus obras ilustrativas nos cuenta:
"The process I follow to create my collages is simple; with my cutter cut the copies I make of my XVIIIth century books with my old analog photocopier and I stick them with regular glue. The only thing I do is put a lot of passion into it".
Notable el trabajo, pasión por la ilustración que se siente en cada página.
Recomendable!
El libro lo puedes encontrar directamente acá.
Roy Lichtenstein, artista norteamericano, ícono de la cultura y el arte pop y reconocido parodias gráficas es presentado con un monumental trabajo llamado "Lichtenstein Posters" de la editorial Prestel Publishing.
Enfocado en su labor artística del periodo 1960 hasta 1997, Lichtenstein Posters es una selección de sus más destacados afiches (68).
Enfocado en su labor artística del periodo 1960 hasta 1997, Lichtenstein Posters es una selección de sus más destacados afiches (68).
Su arte, reconocido por su gráfica en dos dimensiones y el puntillismo (llamado Benday dots) adquiere cualidades de cómics. Esto lo llevó a la cima del escena del Pop Art norteamericano junto a otros grandes como Andy Warhol.
El volumen abre con los primeros trabajos gráficos de Lichtenstein diseñados para la galería de Leo Castelli en 1962 y cerrando con la última que completó el año de su fallecimiento.
Sus trabajos reflehan su genial visión de como poder promocionar eventos de música, de arte, festivales, obras de teatro, museos y restaurantes. Jürgen Döring expone un ensayo sobre el desarrollo artístico de Lichtenstein que concluye con una biografía ilustrada sobre el artista.
Un libro completo donde podrás tener la obra más hermosa de Roy Lichtenstein en tus manos. Un libro ideal para los coleccionistas de los afiches/posters de Lichtenstein.
Por lo demás el libro documenta los afiches incluyendo las fechas, las dimensiones y el propósito de ellos. Está excelentemente ilustrado, con un gran número de imágenes.
Ideal para el coleccionista o simplemente para uno con un interés en tener un libro bellamente fotografiado a la vista.
Lo recomendamos!
Puedes encontrar el libro directamente acá.
Lang y Baumann son Sabina Lang y Daniel Baumann, dos artistas residentes en Suiza que desde el año 1990 sorprenden con sus nuevas e inquietantes instalaciones.
EL libro de la editorial alemana Gestalten, "More is More" (y como en la tapa del libro, también al revés) es un resumen de las obras de Lang y Baumann desde 1995 hasta la actualidad.
WOW!
...un compendio tremendo de intervenciones urbanas de primera calidad, en cuanto a realización y técnica.
Lang y Baumann son conocidos por sus intervenciones extraordinarias que alteran radicalmente el espacio público.
En el libro las imágenes se reflejan en la página contraria lo cual deja una impresión de un trabajo gigante en sus proporciones (ver imágenes)
Sus obras son un llamado, al menos asi parece, a una mayor audacia a las intervenciones y en la creación de instalaciones temporales que a menudo parecen prometer el acceso a un mundo oculto.
Genial como generan en un pueblo de montaña suizo un nuevo impulso a nuestra percepción y una nueva vida a un lugar tan tradicional.
Cosa de gustos, pero en KELP nos fascina!
Instalaciones como los tubos inflados que cuelgan de un edificio son su marca registrada al igual que sus grandes pinturas y murales con geometrías complejas.
Cada página, cada trabajo de Lang y Baumann es un acierto.
Hay mucha pega detrás y Gestalten lo muestra de muy bonita forma.
Más de 40 proyectos son presentados. Estos se complementan con los dibujos técnicos, análisis y descripciones de los proyectos.
Además tenemos entrevistas y tres ensayos para darle un poco de la parte humana y teórica a Lang y Baumann.
Puedes conseguir el libro acá directamente.
Imran Qureshi (*1972) es considerado uno de los representantes más importantes de la escena artística de Pakistán.
Su influencia pintoresca viene de la tradicional pintura Mogul enfocándose en el uso de motivos, simbolismos y la ornamentación propiamente tal de esta pintura.
Su libro, lanzado por la editorial alemana Hantje Cantz, es el documento ideal para entrar en el mundo Qureshi!
Qureshi combina motivos tradicionales y técnicas antiguas con ideas conceptuales y la pintura abstracta contemporánea. Interesante mezcla sobre todo si también vemos sobre que superficies pinta.
Desde Pakistán el artista soprende con un contenido muy social con reflexiones sobre la relación entre el mundo musulmán y el occidente.
Temas como la religión, el terrorismo y la política son temas cotidianos en su pintura.
El banco aleman Deutsche Bank corona anualmente a un artista del mundo otorgándole el título de "artista del año".
El 2013 este título lo recibe Imran Qureshi.
Felicidades!
Papel y Fotografía son los principales elementos que son ocupados para representar sus miniaturas con temas sociales y políticos.
Un muy lindo libro que la editorial Hatje Cantz sacó al mercado. El trabajo de Qureshi me gustó mucho, sobre todo por sus trabajos en el espacio público (ver imágenes).
Muy detallista, muy simple pero a la vez totalmente libre son algunos rasgos que destaco de su labor.
El libro, una suerte de catálogo de obras pintadas en los últimos años es recomendable para todos aquellos que quieran acercarse a la obra del artista o bien al fenómeno de su arte en Pakistán.
Puedes encontrar el libro acá directamente.
Un saludo a los gemelos!
Otavio y Gustavo Pandolfo no requieren de mucha introducción en KELP.cl. Seguimos activamente sus trabajos y pinturas desde su visita a Chile por ahí a mediados de los noventa.
Os Gemeos son grafiteros brasileños que han revolucionado el graffiti con sus personajes y caracteres además de sus tipografías particulares.
Estos personajes que a veces parecen estar directamente ligados a las calles de una ciudad en Brasil y otras veces a un mundo fantástico y lleno de colores hacen de las pinturas de los brasileños en espacio urbanos un punto de color increible!
Figuras extravagantes y el color amarillo hacen reconocible a un caractér de los gemelos en medio de mucha otra pintura. Eso es bueno, eso es particular y eso es lo que vemos en abundancia en el libro compendio de sus trabajo llamado simplemente "Os Gemeos".
El libro se publica a través de la editorial Gingko Press con motivo de su exposición en el Institute of Contemporary Art en Boston, USA el año 2012.
Las pinturas de la exposición en el ICA de Boston, se incluyen por supuesto pero el grueso del libro es para mostrar la diversidad de los trabajos de los pintores:
- dibujos
- exposiciones
- murales exteriores
- instalaciones
...evidencian que Os Gemeos han adquirido importancia internacional tanto en las galerías como también en las calles.
Me gusta mucho el formato de gran tamaño que ocupan (ver portada) por que permite al lector disfrutar plenamente de los colores y las formas. Además son imperdibles y hay que cerrar los ojos para no verlos.
El libro muestra esto de forma ideal al ser un libro de grandes formatos.
Os Gemeos no es solamente pintar caracteres, sino que también existe la temática de la crítica a la desigualdad social y la esperanza de una vida social mejor. Con tanto viaje y tan tremenda actividad sin pausas, es normal ver pinturas de los gemelos en muchisimas ciudades.
La poesía en sus dibujos y el detalle de sus pinturas hacen de los gemelos pintores con estilo único, muy reconocible y muy querido.
Puedes conseguir el libro acá directamente.
Al abrir la caja en donde se encontraba el libro "MAPS" y antes de verlo ya nos recibía un olor a pintura. Pareciera que alguien hubiera pintado algo y antes de haberlo secado lo metió en una caja y nos lo mandó. Increible sorpresa, novedoso: Me encantó!
El libro MAPS de la editorial americana Princeton Architectural Press es automáticamente una joya de documento creativo y visual.
El libro MAPS de la editorial americana Princeton Architectural Press es automáticamente una joya de documento creativo y visual.
La artista Paula Scher presenta 39 de sus pinturas que tratan sobre pinturas de mapas de las ciudades, metros, continentes y paises. Lo que ella pinta son sobre todo ubicaciones y lugares que a su vez crean los lugares en cuadros que tranquilamente a veces tienen varios metros de tamaño.
MAPS muestra también detalles de sus cuadros para ver con que grado detallismo la artista trabajo.
Al ver las imágenes abajo queda bien claro la forma gráfica usada por la artista que a la vez tiene una forma muy especial y única. Estos "mapas" son en realidad pinturas sobre cuadros, lo cual hace que tengan una soltura que no se encuentra en mapas oficiales de las ciudades y regiones.
El libro de un tamaño adecuado para ver los detalles de sus pinturas, MAPS además tiene una sorpresa muy buena:
El cover del libro es a la vez un afiche que puedes pegar en tu casa o enmarcar y colgar en tu hogar.
Genial idea.
Me parece un libro muy lindo sobre todo por que es 100% gráfico. No hay texto ya que el texto lo hacen las pinturas. Se podría definir como señalética pintada de forma creativa dándole una mirada diferente a lugar conocidos como Paris, Nueva York, Israel, Japón, etc.
El cover del libro es a la vez un afiche que puedes pegar en tu casa o enmarcar y colgar en tu hogar.
Genial idea.
Me parece un libro muy lindo sobre todo por que es 100% gráfico. No hay texto ya que el texto lo hacen las pinturas. Se podría definir como señalética pintada de forma creativa dándole una mirada diferente a lugar conocidos como Paris, Nueva York, Israel, Japón, etc.
No solamente son cuadros. Paula Scher también pinta oficinas, lugares públicos y espacios privados. Todo lo encontramos en MAPS.
Recomendable!
MAPS lo puedes conseguir acá.
Lo nuevo de la editorial alemana Gestalten acaba de llegar a KELP.cl Es el primer libro recopilatiorio de los trabajos del artista ucraniano Sergei Sviatchenko llamado "Everything goes right & left if you want it".
En dos libros que
tienen unas 350 páginas a todo color se divide el arte de S. Sviatchenko. El
artista para muchos visto como un maestro del arte pop en relación al collage
nos presenta en su primer libro una tremenda cantidad de collages representando
diversos objetos, situaciones, etc.
Visto desde la
perspectiva del arte urbano, lo trabajos del ucraniano tienen muchos elementos
que encontramos en el día a día. Me gusta la forma breve y sin grandes recortes
que utiliza el artista. Y debo decir que en el libro "Everything goes
right & left if you want it".
De una simplicidad icónica muy marcada,
quizá influenciado por su pasado arquitectónico, el paisaje gráfico es
sorprendente. A veces los collages de Sviatchenko generar un estilo muy cool y
particular, a veces nos hacen soñar y por otro lado también nos muestran una
relidad dolorosa.
Me gustó mucho el arte de este artista y su forma de representar a través del collage tantas imágenes . Puedo recomendar el libro.
Acá lo encuentras directamente.
Directamente desde Berlin nos llega a través de la editorial From Here To Fame el segundo libro del artista holandés Niels "Shoe" Meulman.
Para los lectores de KELP.cl que no han podido conocer y ver el primer libro de Shoe llamado Calligraffiti, acá el link para ver la Crítica KELP.
Para los lectores de KELP.cl que no han podido conocer y ver el primer libro de Shoe llamado Calligraffiti, acá el link para ver la Crítica KELP.
En el segundo libro llamado "Painter", Shoe nos muestra más de su inagotable repertorio de trabajos caligráficos sobre todo tipo de superficie. Sobre muros, trenes, techos, cuerpos, autos y hasta botellas repartidos por todo el mundo.
Los trabajos que se muestran en su segundo libro tienen el trasfondo de la pintura.
A diferencia del primer libro que era básicamente el desarrollo del arte tipográfico sobre telas (cuadros), esta vez el formato y el soporte varían.
Ahora es el pintor y no el tipógrafo Shoe que se presenta.
El primer libro de la agencia de diseño francesa Akatre nos acaba de llegar. El primer libro sobre identidad visual, fotografía, afiches, tipografía, instalaciones....en fin, todo lo que hace una agencia de diseño en su vida diaria.
176 páginas a todo color de una calidad que acostumbramos recibir de la editorial alemana Gestalten: excelente.
176 páginas a todo color de una calidad que acostumbramos recibir de la editorial alemana Gestalten: excelente.
Akatre es una agencia (oficina) de diseño la cual se destaca por su uso de color intensivo y un uso poco usual a elementos de la vida cotidiana. Basta con ver el cover del libro para hacerse una idea de lo que nos espera en su interior.
Fundada el año 2007 por Julien Dhivert, Sébastien Riveron y Valentin Abad se han convertido en solo 5 años de una de las agencias más comentadas de Paris, Francia.
El libro es por lo tanto una forma de mostrar las creaciones visuales logradas, premiadas y destacadas. La mezcla de tipografía, diseño gráfico, elementos del diseño Web, etc.
En realidad un portafolio hecho libro!
Gestalten ofrece el libro directamente acá.
Llegó el último libro de la
editorial alemana Gestalten.
Letman: The Artwork and Lettering of Job Wouters. Un resumen de los últimos trabajos realizados por el
ilustrador y tipógrafo holandés Job
Wouters.
Reconocido por ocupar diversos materiales y colores muy saturados en sus tipografías decorativas pero también por sus trabajos en el área del graffiti, la pintura y el diseño gráfico.
Letman, su nombre artístico, es un libro de unas 150 páginas a todo color. No hay análisis tipográficos o bien estudios sobre sus trabajos. El libro es simple lo que lo convierte tan atractico.
Afiches, carteles, afiches, impresos varios..todo esto lo vemos en una calidad notable. Los trabajos de Letman son de muchos detalles que podemos observar muy bien en este libro.
No solamente vemos sus más célebres trabajos en revistas como la Playboy, Time o Creative Review sino que también nos abre una puerta a sus bocetos y proyectos personales.
Cabe destacar que sus letras y tipografías como también gran parte de su arte, Letman lo hace a mano. Es un trabajo largo y tedioso...pero un resultado único!
Muy interesante!
Puedes conseguir el libro directamente acá.
Tenemos frente a nosotros una obra de arte. Kirk Pedersen y su libro "Urban Asian Series" de la editorial Zero+ Publishing son en realidad dos libros: Urban Asia y Tradeoffs.
En KELP.cl nos llegó la edición exclusiva de 100 copias firmadas de Urban Asian Series.
En KELP.cl nos llegó la edición exclusiva de 100 copias firmadas de Urban Asian Series.
De que se trata este documento visual?
"Urban Asian Series" es el resultado de una serie de viajes que el fotógrafo Kirk Pedersen realizó al continente asiático. Países como China, Tailandia, Camboya, Malasia, Japón, Vietnam y Corea del Sur fueron visitados para registrar esa vida urbana bastante diferente al quehacer diario de un norteamericano. Esos viajes fueron el ímpetu para comenzar a retener en su lente fotográfico toda la simbología, los sentidos y la exploración que había estado llevando a cabo hasta ese entonces.
A modo de un pintor Pedersen registra detalles de paredes, situaciones en días lluviosos, escenas en sombras. Todo en un sinfín de observaciones y registradas de forma muy natural.
Abajo seleccioné algunas imágenes de los dos libros. Teniendo el documento en los brazos refleja una tranquilidad en las imágenes más sutiles y un ruido, un ir i venir de actividades en las imágenes más urbanas. Interesante como lograr tal percepción con imágenes.
El lente en Urban Asian Series fluye por las diferentes ciudades, que en Asia pasan a ser metropolis, y registran todo. El material visual es inagotable:
escenas callejeras,
edificios,
hoteles,
texturas,
pasajes antiguos,
autopistas modernas,
pasos de peatones,
transporte público,
gente trabajando, caminando y hablando por celular,
paredes,
ventanas y todo aquello que tenemos y necesitamos para que podamos vivir como estamos acostumbrados.
Por página Urban Asian Series lleva 1 imágen (a veces ninguna). En formato de 30cm x 30cm estamos hablando de fotografías en tamaño ideal para impresionar.
Lo que a mi me interesó de este proyecto fotográfico, además de la forma llamativa de presentarse (en una caja especial y en dos tomos), es el ojo fotográfico.
Contiene mucha similitud con el arte urbano en la manera de observar la ciudad y a su gente.
Lo más cercano son las imágenes de texturas, de pintura descascarándose y de gente transitando y comunicando alrededor de arte urbano.
Recomendable como objeto fotográfico para todos aquellos interesados en ese día a día en una gran metropolis asiática.
Si te interesa puedes conseguir y ver más sobre Urban Asian Series y los dos tomos directamente acá.
Desde la editorial francesa Piktur Éditions, acaba de salir en el marco de la colección "Orkadre" de libros sobre artistas emergentes y consolidados, el libro sobre "Popay".
Grafiteros y pintor, Popay nos muestra su mundo de una forma didáctica. En 400 páginas el libro "Orkadre - Popay" no deja nada de lado. Se presentan sus trabajos de dibujo a mano alzada, investigaciónes artísticas, dibujos, pinturas, gráficos e imágenes. Mucho más también está incluido.
El libro de trabajo de Popay se inspira en obras de Picasso y/o de Combas, de comics y de películas.
Me gusta mucho la idea de Orkadre en primer lugar por sacar varios volúmenes, cada cual de un artista definido. A su vez de un diseñoimpecable, uno uso tipográfica acertado y un contenido entretenido, Orkadre invita a explorar en el mundo de Popay a abrir sus pensamientos y seguirlos.
Literalmente seguirlo. Al ir hojeando las páginas del libro cada página a la izquiera se convierte en un dibujo y su desarrollo. Cuando uno va avanzando lás páginas el dibujo se completa, se mueve, = vive!
En las páginas opuestas Popay da clases de diversidad con muchas técnicas de pintura aplicada.
Recomendable para alguien que no se espera un libro de graffiti, como han salido muchos últimamente.
Puedes conseguir el libro de forma directá acá.
Alexandre Farto mejor conocido como Vhils ha revolucionado el mercado del arte urbano en los últimos 3 años. Literalmente ha abierto un nuevo espacio de manifestación urbana, una nueva posibilidad de expresión urbana.
Les presento su primer libro que resume sus mejores trabajos en 150 páginas a todo color. Una buena posibilidad de ver sus trabajos, ya que si quieres verlos in situ tendrás que viajar desde Moscú hasta Los Angeles, California y muchos lugares entremedio. Un libro es una opción más económica.
El libro de Vhils, bajo el alero de la editorial alemana Gestalten, es un resumen de su actividad de los últimos años. Nos muestra su desarrollo desde los cuadros de stencil hasta los más reciente que son sus rostros incrustados en las fachadas de edificios.
Es sobre todo con sus últimos trabajos, en donde me refiero, a un nuevo camino del arte urbano. Ya no se trata de pintar sobre una fachada, Vhils la "destruye" con sus rostros, la marca y deja su rastro sacando pedazos del muro mismo.
No fuera algo muy especial si no fuera por las dimensiones de sus
trabajos. Estamos hablando de fachadas completas, sin necesidad de
color. El color lo entregan los ladrillos o lo que se encuentre detrás
del estuco o primera capa en una fachada.
Trabaja en equipo y obviamente necesita herramientas de construcción
para su trabajo. Sin mas ni menos este libro aclara todos sus objetivos y
sus visiones.
Son muchas imágenes, varias las hemos visto pero gran parte se presenta por primera vez. Como es costumbre los libros de Gestalten gozan de una gran calidad y elaboración. Vhils es un libro que recomiendo también como medio de analisis tanto de rostros como de el nuevo camino del street art.
Puedes obtener el libro acá.
Ya apareció el nuevo y segundo libro del duo de grafiteros alemanes: HERA y AKUT = HERAKUT llamado "AFTER THE LAUGHTER" a través de la editorial Publikat.
Ambos ya llevan años pintando y creando arte urbano por caminos diferentes y han sorprendido al mundo artistico juntándose para fusionar sus estilos únicos.
Desde su primer libro "HERAKUT - the perfect merge" ha corrido mucha agua bajo el puente llevando a su segundo libro a nuevos horizontes. Naturalmente con mucho material nuevo.
Revisando este libro lo primero que destaca, y lo pueden ver en las imágenes de esta crítica, es que Hera y Akut y su trabajo ha notado una gran diversificación en cuanto a soportes:
proyectos de murales, instalaciones, ilustraciones, textiles, animaciones, fotografías y objetos en tres dimensiones sin olvidar las esculturas. Hay de todo y hacen de todo!
El libro lo muestra de una forma bien didáctica que más bien parece un sketchbook o un diario de vida. Notas en todas las páginas, anécdotas, pensamientos y detalles que te mantienen revisando cada página como una obra de arte.
Sus caracteres (estos perros y las m,ujeres con un tipo de capucha animal) van contando historia, hacen preguntas y a su vez tratan de buscar las respuestas a ellas. Esto junto a los textos caligráficos en su arte es una mezcla que ha recibido gran interés por parte de la escena mundial y de los coleccionistas de arte.
El libro After The Laughter tiene 240 páginas a todo color, mucho collage que resume lo que han vivido entre 2009 y el 2011 tanto Hera como Akut y ambos como duo.
Un libro muy personal, como la gran mayoría de sus trabajos, logra abrir una ventana para ver su arte desde el lado de la creación y de su desarrollo.
Si te interesa revisar el libro lo puedes conseguir acá.
De la editorial de libros de graffiti alemana "From Here To Fame" llega un nuevo libro de la serie On The Run: artistas de graffiti.
Esta vez es la pintora y grafitera sudafricana Faith 47. Hay que decir que Sudáfrica tiene una escena de graffiti en crecimiento pero de igual forma que Asia o Sudamerica está bastante lejos del foco mundial.
Es por eso que la selección para hacer un libro de una pintora sudafricana me alegra mucho y abre nuevas posibilidades a muchos para mostrar su arte.
FHTF ha lanzado ya varios libros dedicados a grafiteros como Jepsy (rey de trenes), Sabe, Smash 137 o del sevillano Logan. Además de otros ya clásico como Hip Hop Files, Calligraffiti o Muralismo Morte que le han otorgado de ser una editorial icónica de lo que a pintura mural se refiere.
El libro sobre Faith 47 es una recopilación de sus mejores trabajos en diferentes ciudades de Sudáfrica y del mundo. Además de mostrarnos sus cuadros pintados y darnos algunas introspectivas y experiencias vividas.
Me agrada mucho lo que Faith 47 hace y este libro con sus imágenes solamente lo confirma. El muy variado uso gráfico y la elección de lugares genera de sus trabajos algo especial además de darle un toque político bastante directo.
Faith 47 está dividido en 8 capítulos que se reparten en 125 páginas a todo color y muy bien impresas.
Es una bonita forma de presentar a un mercado mundial el trabajo de una artista (El texto está en inglés).
Recomendable!
Para conseguirlo sigue los pasos acá.
Me saco el sombrero frente a los trabajos caligráficos de Niels Meulman o más conocido en el mundo del graffiti como Shoe.
"A word is an image", parte de lo que son las presentaciones de N. Meulman en las Universidades para mostrar de que forma interactua caligráficamente entre una palabra y la imágen que ella produce.
En KELP presenté un video de Calligraffiti, nombre con el cual nombra su primer libro de compilaciones de logotipos, frases, y todo tipo de uso caligráfico. Pueden ver el video acá.
Ahora ya saben que esto no es solamente ocupar papel y tinta china para dedicarle unos versos a la vida o cualquier cosa.
Es justamente por eso que el libro es muy interesante, el trabajo y como es presentado.
En formato de cuadrado con varios tipos de impresiones, Calligraffiti es un libro que en cada página soprende por lo que ella contiene.
Para hacer resaltar los dibujos caligráficos se presenta uno por página y solamente una frase pequeña del autor Shoe los describen. Simple y efectivo.
Al final del libro encontramos un resumen de cada página y de cada trabajo donde es explicada la técnica ocupada en el trabajo, el sustrato elegido y comentarios varios.
Después de ver tantos trabajos "filetes" y de una fineza y estilo enormes es entretenido leer como se hizo, que se pensó y por que se hizo este u otro trabajo.
(el logotipo para el libro de Andrea Caputo - The graffiti Diaspora -: "All City Writers") lo hizo Shoe.
144 páginas que la editorial From Here To Fame dispuso para revisar sobre todo lo que Show ha hecho en los últimos 4 años con sus caligrafías.
El libro del diseñador y artista urbano norteamericano Shepard Fairey "Obey - Supply & Demand" (oferta y demanda) es a diferencia de su libro anterior analizado acá, un resumen de su historia artística y visual.
Pero vayamos por parte. E Pluribus Venom (el libro anterior) es un resumen de lo que fue su primera exposición solitaria en Nueva York, USA y Supply & Demand lo que hasta hoy en día han sido más de 20 años de carrera artística.
Supply & Demand es un libro de 352 páginas a todo color y de impresión excelente que se divide en 9 capítulos. Cada capítulo habla de diversos conceptos y de diversas fuentes de inspiración del trabajo de S. Fairey.
Naturalmente que el principal logro gráfico de Fairey es el icono que revolucionó el arte urbano en USA a fines de los ochenta y en los noventa: la campaña gráfica de Obey Giant, basada en un luchador libre llamado André The Giant.
Con un ícono gráfico de gran potencia (ver última imágen en este post) S. Fairey se lanzó a la calle a divulgarlo y desarrollarlo como su logotipo de batalla. Y así parte este libro con el capítulo "Early Works y Repetition Works" describiendo la historia del como, cuando y donde comenzó la idea del "Obey Giant".
De que forma este ícono es representado en la calle, donde es utilizado y cual comienza a a ser su finalidad es representado en cada capítulo de Supply & Demand.
El capítulo "Propaganda", "The Medium is the Message" y "Surveillance" analizan los trabajos (que pueden ver a continuación) y cual es la influencia política que adquiere S. Fairey en sus piezas. Cuales son los conceptos sociales, humanos y políticos que guían su trabajo.
Es interesante por que en muchos libros, no necesariamente solo sobre la campaña Obey o S. Fairey, se muestran gráficas y trabajos de street art interesantes pero sin ningún "background" o información adicional de lo que pensó el artista al momento de realizar tal o aquel trabajo. Asi al verlos solo queda un comentario superficial que no refleja completamente toda la temática conceptual de cada pieza artística. Pues bien, acá eso se muestra no en todos los trabajos pero si en bastantes para hacerse una idea de por que se rerpresentó a un Bobby Seale (co-fundador de las Panteras Negras "Black Panthers" en NYC, USA) o de Dr. Martin Luther King, Jr. con diversos mensajes explícitos de forma gráfica.
Hace sentido leerlo.
Ya a finales de Supply & Demand nos encontramos con aplicaciones del trabajo de S. Fairey como en tablas de Skateboard, Portadas de vinilos, etc en "Commercial Works" y "Music".
A mi parecer este libro es para quienes se interesan primero en el arte urbano de EE.UU y en el arte gráfico de la campaña Obey de Shepard Fairey un "must have" o bien una lectura obligada.
Desde el punto de vista de la importancia que contiene la campaña (o bien la importancia que se le ha dado en USA) de Obey es importante conocer a fondo la historia de Obey Giant ya que ha influenciado mucho a culturas diferentes (como en Europa) y a artistas emergentes en estos del street art. Esto en Supply & Demand se explica muy bien!
Recomendable!
Para encontrar el libro en el lugar mas cercano a tí, revisa el sitio de la editorial Gingko Press acá.
E Pluribus Venom significa tanto como "dentro de muchos, veneno" que se traslada de "E Pluribus Unum" (dentro de muchos, uno) y es una frase latina adoptada por el gobierno de los EE.UU que aparece en los billetes y monedas norteamericanas.
Shepard Fairey, creador y diseñador del icono "Obey Giant" en USA, nombró así a esta Exposición de sus nuevos trabajos en Junio del 2007 en diversas galerías de Nueva York, USA. Las exposiciones consistían de 130 imágenes trabajadas y en parte instaladas/pegadas a las paredes de las galerías.
Fue la primera exposición solitaria de Shepard F. desde el año 2000 y por lejos su show más grande.
Pues bien el libro "E Pluribus Venom" recopila en el fondo en imágenes todos los trabajos presentados durante estas exposiciones con breves explicaciones de sus cuadros.
De una forma muy interesante ya que gran parte de los trabajos son instalaciones en el lugar"; las imagenes muestran el impacto visual gráfico que tienen los trabajos y sobre todo el contenido manifestado en una tendencia a la carga/sátira/ironía política en todos ellos.
Páginas completas a todo color (a todo eso el show se resume en colores rojo, negro y blanco) impactan con iconos, retratos en alto contraste y frases sublimes y anárquicas. Una buena manera de ir "contra" el sistema.
El libro de muy buena impresión en aprox. 142 páginas, a todo color y tapa dura permite revisar en detalle cada trabajo. Existen en cada uno de ellos muchos mensajes, texturas e imágenes que a primera vista se pasan por alto. Solo con el tiempo y varias revisadas vemos cada vez cosas adicionales. Eso hace de estas piezas gráficas algo tan atractivo!
Un poco de cada ejemplo lo pueden ver a continuación:
Es un honor poder presentar en KELP.cl este libro y trabajos de Obey de forma individual. Es un muy buen ejemplo de diseñador, artista urbano y crítico social que ocupa el entorno para crear arte de forma didáctica y lo comparte con la gente a través de diversos medios.
Además es interesante la gráfica ocupada por S. Fairey, que recuerda a diversas tendencias artísticas del pasado, ocupando sin embargo imágenes que nos hablan de la actualidad y analizan crudamente nuestras actuales vidas y relaciones humanas.
Obviamente que lo de artista norteamericano se vé por todos lados. En lo personal me gusta el uso de texturas (en muchos casos de los billetes) y reutilización de materiales para pintar (pegar) encima.
Imperdible!
KELP
